Дарья Оскин
Художники, изменившие историю
«Мадонна в церкви» написана в те годы, когда Ян под руководством старшего брата Губерта начал работу над Гентским алтарем по заказу состоятельной пары – Йоса Вейдта и Элизабет Борлют. На алтаре есть надпись о том, что его начал «самый большой из всех» живописцев Хуберт ван Эйк и окончил его брат Ян, «второй в искусстве». Алтарь создавался для собора Святого Бавона и был освящен 6 мая 1432 года. Он представляет собой грандиозный многоярусный полиптих из 26 панелей (высота 3,5 метра, ширина – 5 метров, 258 персонажей). Темой алтаря является поклонение Агнцу из Откровения Иоанна Богослова, согласно которому пророки, апостолы, мученики и святые стекаются к алтарю, на котором стоит Агнец, символизирующий Христа.
Знамениты изображения обнаженных Адама и Евы в натуральную величину, фланкирующих[17] алтарь. Считается, что это тело Адама – первое изображение обнаженного человека в северной живописи, которое было написано с натурщика.
Ян ван Эйк. Гентский алтарь. Адам (фрагмент), Ева (фрагмент). 1432. Собор Святого Бавона, Гент
Середина и вторая половина 1430-х годов – период творческого расцвета художника. Картина «Мадонна канцлера Ролена» принадлежит к числу самых известных работ в нидерландской живописи. Здесь мы видим совершенно блестящее изображение и персонажей, и архитектуры, и пейзажа. Рядом с Мадонной в полный рост (что невероятно для того времени) изображен заказчик работы – канцлер Никола Ролен. Он был человеком властным и хитрым, советником герцога Бургундского Филиппа Доброго. Этот тип картины называется «молитвенным предстоянием», которое, как правило, находилось в семейной часовне и предназначалось для молитвы.
Ян ван Эйк. Гентский алтарь. 1432. Собор Святого Бавона, Гент
Позади персонажей за аркой (символ Троицы) мы видим маленький сад с цветами, в частности лилиями – символом чистоты Марии. Сад в живописи XIV–XV веков – это аллегория невинности Марии, так называемый закрытый сад (hortus conclusus). Этот образ навеян словами из библейской «Песни песней»: «Запертый сад – сестра моя, невеста, заключенный колодезь, запечатанный источник». Пейзаж с изображением города на втором плане скорее всего задумывался Ян ван Эйком как образ «небесного Иерусалима», «града Божия» (по словам из Апокалипсиса: «И вознес меня в духе на великую и высокую гору, и показал мне великий город, святой Иерусалим. Он имеет большую и высокую стену, имеет двенадцать ворот… Улица города – чистое золото, как прозрачное стекло»).
Ян ван Эйк. Мадонна канцлера Ролена. 1435. Лувр, Париж
Еще один известный образ ван Эйка – «Мадонна каноника ван дер Пале». На картине изображено явление святых заказчику картины – Йорису ван дер Пале, который был писарем, сделавшим успешную карьеру священника. Обратите внимание на то, как блестяще ван Эйк пишет его портрет: характерное выражение лица, взгляд. Перед нами уже немолодой человек с глубокими морщинами у глаз, оплывшим овалом лица. Дева Мария с Младенцем Христом на коленях восседает на престоле в центре картины, справа от нее святой Донатиан, архиепископ Реймсский, слева – святой Георгий, покровитель донатора. В этой работе поражает воображение то, с какой реалистичностью написаны разные фактуры материалов: ковер, золотые нити в епископской мантии, драгоценные камни.
Ян ван Эйк. Мадонна каноника ван дер Пале. 1434–1436. Музей Грунинге, Брюгге
Для своего времени Ян ван Эйк был новатором – он одним из первых начал подписывать произведения, сделал популярным форму поясного, а не погрудного портрета, усовершенствовал состав масляных красок, придавая произведениям стойкость и блеск. Вероятно, самым известным учеником Яна ван Эйка был Петрус Кристус. Он перенял у своего учителя внимание к деталям, гладкое письмо и утонченность живописи. Еще один талантливый ученик – Антонелло да Мессина сделал популярной технику масляной живописи в Италии.
Альбрехт Дюрер:
северный Леонардо
«Хороший художник должен дорого продавать свои работы. Слишком высокой цены не бывает». Достаточно интересное заявление для художника XVI века, не так ли? Немецкий живописец Альбрехт Дюрер – это история коммерческого успеха, насколько вообще успех такого рода был возможным для художника того времени. Обаятельный и харизматичный, он имел прижизненное признание, собственную мастерскую в Нюрнберге, судился с фальсификаторами своих работ в Германии и Италии, был первым северным художником, писавшим не только портреты заказчиков, но и… свои собственные. Великолепный график, гравер – он первым начал систематически подписывать свои работы и даже придумал собственный логотип в виде инициалов AD. Первым написал «Семейную хронику» – нечто вроде автобиографии и дневник – заметки о путешествии в Нидерланды.
В течение всей жизни Дюрер стремился изменить представление о статусе художника – не просто безродного ремесленника, а личности, творца. По обширности и многообразию интересов он – настоящий uomo universale[18] и ничуть не уступает своему современнику Леонардо да Винчи. Дюрер изучал пропорции человеческого тела, его принято считать основателем сравнительной антропометрии. На досуге увлекался военно-инженерным делом, а особенно вопросами фортификации. Его считают основоположником акварельной живописи, в венском музее Альбертина хранится обширная коллекция его графики, куда входит и знаменитый рисунок «Заяц», которого из-за чувствительности к свету выставляют на обозрение раз в несколько лет.
Альбрехт Дюрер. (Молодой) Заяц. 1502. Галерея Альбертина, Вена
Его отец, Альбрехт Дюрер Старший, был венгром, по профессии ювелиром, приехавшим в Нюрнберг в поисках лучшей жизни. Его непривычную слуху венгерскую фамилию Айтоши (венг. Ajtósi, от названия села Айтош, от слова ajtó – «дверь») перевели на немецкий как «Türer»[19] и заменили первую букву на «Д». Впоследствии заглавные буквы имени и фамилии Дюрер возьмет в качестве логотипа, где Д вписана в А, как бы напоминая дверную арку, намекая на происхождение своей фамилии.
В семье Дюреров воспитывались 18 детей, из которых Альбрехт Младший был самым талантливым. Отец возлагал на него особые надежды, готовя к работе в своей ювелирной мастерской. Альбрехт же любил рисовать и после долгих уговоров был отправлен в мастерскую к Михаэлю Вольгемуту[20].
Альбрехт Дюрер. Автопортрет в возрасте 13 лет. 1484. Музей Альбертина, Вена
«Автопортрет в возрасте 13 лет» – первый в плеяде автопортретов Дюрера, портрет, выполненный в сложной технике серебряной иглы. Это тонкая и изящная работа юного художника, в которой угадывается «ювелирное» влияние отца. Для рисования стилосом[21] использовалась специально обработанная бумага, покрытая грунтом из толченой кости[22] (такая поверхность называлась carta tinta). Рисунок, сделанный серебряной иглой, имел голубовато-серый цвет, но постепенно, в результате окисления, частицы серебра принимали теплый коричневатый оттенок – элегантный и утонченный.
Альбрехт Дюрер. Дворик замка в Инсбруке. 1494. Музей Альбертина, Вена
После окончания учебы Дюрер отправился в путешествие по Европе. Так называемые годы странствий служили для того, чтобы посмотреть мир, усовершенствовать свои навыки, набраться опыта и впечатлений. Ну и попутно сделать зарисовки из путешествия, чтобы потом продать их на родине. Точный маршрут Дюрера неизвестен, но остались его акварельные городские и пейзажные рисунки, которые отличает необыкновенная детализация. Дюрер владел и искусством миниатюры, об этом свидетельствует его пребывание в Базеле (тогда столице книгопечатания), где он создал около 250 книжных иллюстраций.
Дюрер и не думал о возвращении домой, пока не получил письмо от своего отца, который договорился о женитьбе сына. Возможно, в качестве подарка невесте Дюрер написал свой «Автопортрет с чертополохом» (1493). На полотне изображен молодой мужчина с чертополохом в правой руке, считавшимся символом мужской верности и одновременно преданности Богу. Портрет сопровождается надписью над головой художника: «Meine Sachen werden von oben bestimmt» («Мои дела определены свыше»). Это скорее выражение доверия к Богу, нежели к жене. Их брак был бездетным, супруги жили раздельно. Однако благодаря женитьбе на состоятельной женщине он смог повысить социальный статус и открыть свою мастерскую в Нюрнберге.
Альбрехт Дюрер. Автопортрет с чертополохом. 1493. Лувр, Париж
Крестным отцом Дюрера был Антон Кобергер – владелец крупнейшей в Нюрнберге типографии. Связи и финансовые возможности родственника помогли Дюреру наладить собственное дело. Накануне 1500 года в Европе ждали конца света. Во Флоренции монаху-доминиканцу Савонароле были видения мечей, явившихся из туч, и черного креста, вставшего над Римом. Германию в это время сотрясали крестьянские волнения, религиозные войны накануне Реформации, эпидемия чумы. Эти тревожные события повлияли и на Дюрера. В его картине «Кающийся св. Иероним» (к образу этого святого Дюрер обращается неоднократно) мы видим старца, молящегося в исступлении и бьющего себя в грудь камнем. Возле его ног – красные кардинальские шляпа и сутана, атрибуты его мирской жизни[23]. Иеронима всегда сопровождает лев. По легенде, в монастырь, где жил святой, пришел лев и распугал всех монахов, но Иероним подошел к животному, извлек из его лапы занозу и в знак благодарности лев начал его оберегать. С типично «северной» любовью к деталям написан второй план: скалы, камни, растения, наступающие сумерки, пылающий закат. Интересна и обратная сторона этой картины – с изображением летящей пылающей кометы – предвестника Апокалипсиса. Хотя есть и другая версия, о том, что это могло быть изображение упавшего метеорита Энсисхайм в ноябре 1492 года, очевидцем которого Дюрер мог быть[24].
Альбрехт Дюрер. Святой Иероним в пустыне. 1495–1496. Национальная галерея, Лондон
Дюрер тонко чувствует тревожное настроение в обществе и делает «ход конем», начиная создавать гравюры на апокалиптическую тему, которые раскупаются мгновенно. Для цикла «Апокалипсис» он выполнил 15 полностраничных ксилографий, иллюстрировавших «Откровение евангелиста Иоанна Богослова» (6: 1–8). Сборник представлял собой устрашающие гравюры, сопровождающиеся текстом, с уникальными шрифтами. Главный посыл этой работы – наказание за грехи человечества. Почти в каждом листе серии была заложена хорошо понятная идея борьбы и противопоставления добра и зла, света и тьмы.
Эти гравюры на дереве и чуть позже на меди принесли Дюреру европейскую известность. Самая знаменитая из них – «Четыре всадника Апокалипсиса», аллегория бедствий, которые случатся с человечеством во время конца Света. Всадник с луком – это «Чума», «Война» изображена с мечом, «Голод» с весами в руках, «Смерть» с трезубцем. Не случайно первые двое персонажей изображены с восточными чертами лиц. У людей, живших на рубеже XV–XVI веков, опасность ассоциировалась с турками, в 1453 году захватившими Константинополь, уничтожившими Византию и продолжавшими двигаться в глубь Европы. Компанию всадников сопровождает чудовище, которое поедает всех без разбора: и правителя, чей головной убор представляет собой смесь царской короны и митры епископа, и хорошо одетую горожанку, и крестьянина. От этих всадников не спастись.
Дюрер стал одним из первых художников, который возвел гравюру в ранг искусства, а не ремесла. В основном он работал в двух техниках: ксилографии (высокая гравюра по дереву) и гравюре резцом по меди (глубокая гравюра). Ксилография как способ копировать изображения появилась в Европе еще в Раннем Средневековье. Мастер оставляет на деревянной доске (на «штампе») выпуклые линии рисунка и переносит краску с выступающих частей на бумагу, отсюда название – высокая гравюра. Работы, сделанные таким методом, получаются очень выразительными, с четкими линиями, а сам штамп сделать несложно.
Альбрехт Дюрер. Четыре всадника Апокалипсиса. 1497–1498. Рейксмюзеум, Амстердам
Штампы для «глубокой гравюры» изготавливались из медных досок, и мастер выводил линии особыми резцами – штихелями. При печати на штамп оказывалось такое сильное давление, что краска из углублений перетекала на лист. Такая техника позволяла создавать более сложные объемные гравюры с полутонами, игрой света и тени, точной детализацией.
В 1513–1514 годах Дюрер создал три гравюры по меди, вошедшие в историю искусства под названием «Мастерские гравюры»: «Рыцарь, Смерть и Дьявол», «Святой Иероним в келье» и «Меланхолия». До настоящего времени они представляют загадку для искусствоведов, предлагающих для них самые различные трактовки. Сюжеты гравюр связывают с тремя типами добродетельной жизни: созерцательным «Святой Иероним», творческим «Меланхолия» и деятельным «Рыцарь, Смерть и Дьявол».
«Рыцарь, Смерть и Дьявол» – самая ранняя из трех гравюр. Главный герой – воин в доспехах, которого на извилистой горной дороге подстерегают силы тьмы. По правую руку от него едет Смерть с песочными часами в руке, как бы намекая на то, что время рыцаря предрешено, а позади по пятам идет Дьявол. Трактовку этой гравюры часто связывают с книгой Enchiridion militis christiani («Руководство христианского воина») писателя и гуманиста Эразма Роттердамского, который был другом Дюрера. Согласно этому тексту, жизнь истинного христианина – это постоянная борьба, цель которой – достичь Царства Небесного (в виде замка в левом верхнем углу). Вокруг рыцаря мы видим символы добродетелей, которые помогут ему пройти этот путь. Пес – верность и преданность, дубовые листья – сила духа. Рыцарь спокоен и упрям, ведь дорогу осилит только идущий.
Альбрехт Дюрер. Рыцарь, Смерть и Дьявол. 1513. Национальная галерея искусства, Вашингтон
Графическое наследие Дюрера – одно из крупнейших в истории европейского искусства. Сохранилось около 970 работ в этом жанре. Отдельного внимания заслуживают его натуралистические зарисовки. Рисунки с изображением растений и животных отличает точность, доскональное знание изображаемого предмета, высокое мастерство исполнения. Сейчас мы любуемся ими как самостоятельными законченными произведениями, а они служили лишь подготовительным материалом для крупноформатных работ.
Знаменитые «Полевой Заяц», «Крыло сизоворонки», «Большой кусок дерна» представляют собой безупречные произведения, написанные акварелью, гуашью и белилами. Дюрер блестяще справлялся со сложной задачей передачи световых эффектов на поверхности меха, перьев, растений. Кажется, что рисунки выполнены цветными карандашами. «Заяц» – один из первых подписанных и датированных рисунков Дюрера. Чем он так знаменит? Никому прежде не удавалось выполнить настолько натуралистичный рисунок, это сотни «ювелирных» мазков, детальная проработка, сравнимая с фотографией. К тому же, вопреки традиции, этот заяц существует как бы сам по себе, без символического контекста, без какой-либо истории. После смерти Дюрера рисунок неоднократно пытались подделать. В настоящее время известно 13 его вариантов.
Ганс Хоффман. Фальшивый заяц Дюрера. 1528. Объединение музеев Берлина
Альбрехт Дюрер. Крыло сизоворонки. 1512. Музей Альбертина, Вена
Куда забавнее история с «Носорогом» – гравюрой на дереве с изображением животного, которое Дюрер никогда не видел. Впервые в Европе носорог появился в Португалии, его привезли из Индии в качестве подарка королю. Затем он был выставлен на всеобщее обозрение. Через несколько лет зарисовки и описания этого удивительного животного попали к Дюреру. На его гравюре носорог закован в латы. Кроме того, Дюрер наделил носорога изогнутым рогом на спине, чешуйчатыми ногами и зазубренным гребнем на спине. Несмотря на анатомические неточности, эта гравюра получила известность в Европе, считалась достоверным изображением носорогов вплоть до конца XVIII века и неоднократно копировалась.
Альбрехт Дюрер. Носорог. 1515. Британский музей, Лондон
Настоящую революцию Дюрер совершает в жанре автопортрета. До него писать свои портреты художникам не приходило в голову. В эпоху Средневековья они не считали себя достойными изображения на картине, не оставляли подписи – это считалось проявлением гордыни и тщеславия. Дюрер же написал три изысканных автопортрета. В них он подчеркивает свой статус творца, человека Возрождения, а не безродного ремесленника.
«Автопортрет в одежде, отделанной мехом» – первый портрет, написанный в анфас (обычно для светских портретов использовался оборот в три четверти). Фронтальность изображения, темный фон, рука, поднятая к середине груди как бы в благословляющем жесте, имеют сходство с изображением Иисуса Христа. Если рассматривать эту работу с лупой, видно, как отражения окон в зрачках Дюрера образуют кресты. Американский искусствовед, бывший директор музея Метрополитен Томас Ховинг сказал о нем так: «Это самый надменный, раздражающий и великолепный портрет из когда-либо созданных». На полотне стоит подпись художника: «Я написал это с себя / Мне было двадцать шесть лет / Альбрехт Дюрер»[25]. А его монограмму AD рядом с обозначением года 1500 можно читать не как «Альбрехт Дюрер», а как anno domini – то есть от Рождества Христова. Открытым остается вопрос: как благочестивый Дюрер посмел изобразить себя в образе Христа? Это богохульство или нечто другое?
Альбрехт Дюрер. Автопортрет в одежде, отделанной мехом. 1500. Старая Пинакотека, Мюнхен
Еще более провокационно выглядит обнаженный автопортрет, вызывающий ассоциации с работами австрийского экспрессиониста Эгона Шиле. Выполненный на тонированной зеленой бумаге, этот рисунок выглядит очень современно и является самым откровенным автопортретом художника. Дюрер нарисовал себя полностью обнаженным. Кстати, свой собственный торс (ввиду запрета на натурщиков) Дюрер неоднократно использовал для моделирования мужских фигур.
Альбрехт Дюрер. Обнажений автопортрет. 1505–1509. Шлоссмузеум, Веймар
В возрасте 50 лет Дюрер был уважаемым человеком, получал ежегодную пенсию от короля, писал портреты бюргеров и теоретические трактаты для начинающих художников. Он умер 6 апреля 1528 года, в возрасте пятидесяти шести лет, наследников у него не было. Его друг поэт и гуманист Виллибальд Пиркгеймер сочинил для него трогательную эпитафию: «Под этим холмом покоится то, что было смертного в Альбрехте Дюрере».