# Теория режиссуры. Диалектика алгебры и гармонии в творчестве

Болат Омар

Авторский курс заслуженного деятеля Республики Казахстан Болата Омара представляет собой фундаментальное учебно-методическое пособие, объединяющее теоретические и практические основы режиссёрского искусства. Курс раскрывает диалектическое единство рационального и интуитивного начал — «алгебры» и «гармонии» — в творческом процессе театра и кино.

Особое внимание уделено понятию диалектики в искусстве — взаимодействию тезиса, антитезиса и синтеза в драматургии, мизансцене и построении образа. Практические задания направлены на развитие режиссёрского мышления, умения анализировать произведения, создавать концепции и переводить идеи в визуальную форму.

Цель курса — формирование режиссёра как мыслителя, художника и организатора, способного «поверить алгеброй гармонию», соединяя рациональное знание и интуитивное постижение природы искусства.

Болат Омар


ТЕОРИЯ и ПРАКТИКА РЕЖИССУРЫ

Диалектика алгебры и гармонии в творчестве

Авторский курс


Составитель: © заслуженный деятель РК Омар Б.Т.


Сальери: «Поверить алгеброй гармонию».

А.С. Пушкин, «Моцарт и Сальери»

«Фильм – это жизнь, с которой вывели пятна скуки»

Альфред Хичкок


Замечания для педагогов по практическим заданиям

Практические задания – важная часть курса, но их характер будет смещен в сторону анализа и концептуализации:

Литературные этюды «без слов»: Студенты получают описание ситуации или эмоции и должны описать последовательность действий, мизансцен, выражение лиц, использование света/звука, которые передадут смысл без единого диалога. Это будет развивать их образное мышление.

Анализ сцен/фрагментов: Студенты выбирают фрагмент из предложенного списка фильмов и анализируют, как режиссёр использовал конкретные средства выразительности (мизансцену, свет, монтаж, звук) для передачи идеи или эмоции.

Эссе «Мой замысел»: Студенты могут представить концепцию «неэкранизируемой» мысли и описать, какими теоретическими средствами они бы её воплотили в произведении.

Критические эссе: Анализ произведений с точки зрения пройденных теорий (например, «Как Брехтовские принципы проявляются в этом фильме?» или «Анализ работы актёра по системе Станиславского в данном фрагменте»).


Фильмы для рекомендуемого просмотра:

Путешествие на Луну (1902, Ж. Мельес)

Нетерпимость (1916, Дж. У. Гриффит)

Кабинет доктора Каллигари (1920, Р. Вине)

Нанук с Севера (1922, Р. Флаэрти)

Носферату, симфония ужаса (1922, Ф. Мурнау)

Малыш (1921, Ч. Чаплин)

Парижанка (1923, Ч. Чаплин)

Алчность (1924, Э. Штрогейм)

Золотая лихорадка (1925, Ч. Чаплин)

Броненосец Потёмкин (1925, С. Эйзенштейн)

Мать (1926, В. Пудовкин)

Метрополис (1927, Ф. Ланг)

Человек с киноаппаратом (1929, Д. Вертов)

Андалузский пёс (1929, Л. Бунюэль)

Соль Сванетии (1930, реж.-операт. М. Калатозов)

Земля (1930, А. Довженко)

Огни большого города (1931, Ч. Чаплин)

Ноль за поведение (1933, Ж. Виго)

Весёлые ребята (1934, Г. Александров)

Триумф воли (1935, Лени Рифеншталь)

Гражданин Кейн (1941, О. Уэлс)

Иван Грозный (1944-1945, С. Эйзенштейн)

Рим – открытый город (1945, Р. Росселлини)

Похитители велосипедов (1948, В. Де Сика)

Расёмон (1950, А. Куросава)

Токийская история (1953, Ясудзиро Одзу)

Дорога (1954, Ф. Феллини)

Летят журавли (1957, реж. М. Калатозов, операт. С. Урусевский)

Ночи Кабирии (1957, Ф. Феллини)

12 разгневанных мужчин (1957, С. Люметт)

Седьмая печать (1957, И. Бергман)

Тайна острова Бэк-Кап (1958, К. Земан)

400 ударов (1959, Ф. Трюффо)

Неотправленное письмо ( 1959, реж. М. Калатозов, операт. С. Урусевский)

Приключение (1960, М. Антониони)

Ночь (1961, М. Антониони)

В прошлом году в Мариенбаде (1961, А. Рене)

Аккатоне (1961, П. Пазолини)

Затмение (1962, М. Антониони)

Мама Рома (1962, П. Пазолини)

Иваново детство (1962, А. Тарковский)

Восемь с половиной (1963, Ф. Феллини)

Молчание (1963 И. Бергман)

Гамлет (1964, Г. Козинцев)

Красная пустыня (1964, М. Антониони)

Евангелие от Матфея (1964, П. Пазолини)

Я – Куба (1964, реж. М. Калатозов, операт. С. Урусевский)

Женщина в песках ( 1964, Х. Тэсигахара)

Фотоувеличение (1966, М. Антониони)

Андрей Рублёв (1966, А. Тарковский)

Мольба (1967, Т. Абуладзе)

Восставший (1967, М. Кобаяси)

2001 год: Космическая одиссея (1968, С. Кубрик)

Цвет граната (1968, С. Параджанов)

Кыз Жибек (1969-1970, С. Ходжиков)

Додэскадэн (1970, А. Куросава)

Крот (1970, А. Ходоровски)

Рустам и Сухраб (1971, Б. Кимягаров)

Крёстный отец (1972, Ф. Коппола)

Женщина под влиянием (1974, Дж. Кассаветис)

Восхождение (1976, Л. Шепитько)

Древо желания (1976, Т. Абуладзе)

Сказка сказок (1979, Ю. Норштейн)

Глория (1980, Дж. Кассаветис)

Покаяние (1984-1986, Т. Абуладзе)

Более странно, чем в раю (1984, Дж. Джармуш)

Игла (1988, Р. Нугманов)

Терминатор 2 (1991, Д. Кэмерон)

Ночь на Земле (1991, Дж. Джармуш)

Парк Юрского периода (1993, С. Спилберг)

Список Шиндлера (1993, С. Спилберг)

Форрест Гамп (1994, Р. Земекис)

Мертвец (1995, Дж. Джаомуш)

Спасти рядового Райена (1998, С. Спилберг)

Матрица (1999, Л. и Л. Вачовски)

Шестое чувство (1999, Н. Шьямалан)

Большой куш (2000, Г. Ричи)

Русский ковчег (2002, А. Сокуров)

Irreversible (2002, Л. Ноэ)

Дом летающих кинжалов (2004, Чжан Имоу)

Сломанные цветы (2005, Дж. Джармуш)

Во все тяжкие (2008-2013, В. Гиллиган)

Начало (2010, К. Нолан)

Меланхолия (2011, Л. Триер)

Древо жизни (2011, Т. Малик)

Облачный атлас (2012, Т. Тыквер, Л. Вачовски)

Амур (2012, М. Ханеке)

Она (Her, 2013, С. Джонз)

Бёрдмен (2014, А. Инарьиту)

Отрочество (2014, Р. Линклейтер)

Бегущий по лезвию 2049 (2017, Д. Вильнёв)

Маяк (2019, Р. Эггерс)

Дюна (2021, Д. Вильнев)

Оппенгеймер (2023, К. Нолан)

Дюна: Часть вторая (2024, Д. Вильнев)


СЕМЕСТР 1: ОТ ЗАМЫСЛА ДО ПЕРВОГО ВОПЛОЩЕНИЯ

Раздел 1. Исторический и культурный контекст режиссуры

Занятие 1: Режиссура как Искусство: «Алгебра Гармонии» и Диалектика в Творчестве

Настоящий курс разработан на основе глубокой идеи совмещения двух, казалось бы, противоположных начал в процессе создания самобытных высокохудожественных произведений.

Тема первого занятия звучит амбициозно: «Режиссура как Искусство: «Алгебра Гармонии» и Диалектика в Творчестве». И мы сразу же обратимся к великому Пушкину, который вложил в уста Сальери знаменитые слова: «Поверить алгеброй гармонию» Эти слова – ключевой лейтмотив всего этого курса. На первый взгляд они кажутся парадоксальными: разве можно измерить красоту, чувство, вдохновение строгими формулами и расчётами? Разве не рождается искусство из чистой интуиции и таланта? И да, и нет.

Курс будет исследовать «Алгебру» – точные, измеримые и системные приёмы, инструменты и законы, которые составляют фундамент режиссёрского мастерства. Это драматургия и работа с актёром, мизансцена и монтаж, свет и звук, ритм и темпоритм. Это тот самый набор правил и средств выразительности, который позволяет нам воплощать замысел.

И одновременно курс будет стремиться к «Гармонии» – тому непостижимому, целостному и мощному воздействию, которое производит настоящее произведение искусства. Это единство идеи и формы, которое вызывает глубокий эмоциональный и интеллектуальный отклик у зрителя, резонирует с его душой и мыслями, оставаясь актуальным на протяжении многих лет.

Цель курса – не просто передать вам теоретические знания. Задача курса – научить вас видеть эту «алгебру» в действии, понимать, как великие мастера прошлого и настоящего использовали её для создания своих «гармоний». Курс будет формировать ваше режиссёрское мышление – способность не только анализировать, но и синтезировать, превращая разрозненные знания в интуитивное понимание и уникальный творческий подход.

Чтобы максимально обогащать свой опыт, мы рекомендуем пользоваться интернет-ресурсами и слушать записи именитых режиссёров, посещать их выступления, мастер-классы и сессии «Вопрос-Ответ». Это даст вам бесценный взгляд «из первых рук» на реальное применение «алгебры» и «гармонии» в современной индустрии.

Кроме того, мы постараемся максимально насыщать каждое занятие визуальными материалами: активно использовать видеофрагменты из выдающихся фильмов и спектаклей, иллюстрации, раскадровки и схемы. Ведь режиссура – это искусство визуальное, и учиться ей нужно, прежде всего, через наблюдение и анализ конкретных примеров.

Курс «Теория и практика режиссуры» призван заложить тот самый фундамент, без которого невозможно строительство большого и красивого здания. Это не будет курс о том, как «снять» или «поставить» в техническом смысле. Это курс о том, как мыслить режиссёрски, как видеть мир глазами художника, способного преобразовывать реальность в искусство.

Вдохновение, безусловно, искра, без которой не загорится пламя творчества. Но чтобы это пламя не угасло, а превратилось в мощный и направленный огонь, нужна алгебра. Нужен расчёт, анализ, понимание законов, по которым существует и развивается искусство. И вот здесь на сцену выходит режиссура.


Что такое режиссура?

Простым определением скажем, что режиссура – это искусство организации зрелища. Но это лишь верхушка айсберга. На самом деле, режиссура – это гораздо больше.

Во-первых, это искусство осмысления. Режиссёр не просто переносит текст на экран или сцену. Он проникает в его глубины, находит там скрытые смыслы, подтексты, конфликты. Он задается вопросами: «Что этим хотел сказать автор?», «Что это значит для современного зрителя?», «Какие идеи и эмоции я хочу передать?»

Во-вторых, это искусство перевода. Режиссёр переводит литературный материал – будь то роман, пьеса, сценарий или даже просто идея – на язык конкретного художественного высказывания: языка кино, театра, телеспектакля – языка чувств и переживаний. Это значит, что абстрактные слова превращаются в визуальные образы, звуки, движения, атмосферу. Это перевод из одной знаковой системы в другую, и в этом переводе рождается нечто новое, обогащенное личным видением режиссёра.

В-третьих, это искусство созидания. Режиссёр создаёт цельный самобытный художественный мир. Он подбирает команду, работает с актёрами, художниками, операторами, композиторами. Он как дирижер, который собирает отдельные ноты в симфонию, направляя энергию и талант каждого участника процесса к единой цели.

И, наконец, это искусство воздействия. Конечная цель любого произведения искусства – вызвать отклик у зрителя. Режиссёр строит мост между своим миром и миром зрителя, стараясь донести свои идеи, эмоции, вызвать переживания, заставить задуматься.

Поэтому дадим такое конечное определение:

Режиссура – это организация и управление творческо-производственным процессом создания высокохудожественного аудиовизуального произведения.

(Это актуально и для так называемой «продюсерской» сферы, где главенствует продюсер. Да, именно продюсер выбирает литературный материал, приглашает или отстраняет режиссёра, организует производственно-финансовый процесс, но за творческую составлящую в конечном счёте отвечает всё-таки режиссёр!)

Организация – это:

Разработка экспликации/концепции и перевод её в визуальную форму в виде режиссёрского сценария, разработки мизансцен и раскадровки.

В кино: подбор основного состава съёмочной группы – оператора-постановщика, художника-постановщика, второго режиссёра, директора картины (продюсера/исполнительного продюсера), монтажёра, – которые в свою очередь комплектуют второй состав съёмочной группы – ассистентов, администраторов, механиков съёмочной техники, осветителей, гримёров, костюмеров, реквизиторов, исполнителей трюков и т.д.

Комплектация актёрского ансамбля (подбор исполнителей ролей, проведение фото- и кинопроб).

Выбор мест натурных и интерьерных съёмок.

Разработка совместно с директором картины (продюсером и/или исполнительным продюсером) генеральной сметы и календарно-постановочного плана.

Защита постановочного проекта.

Управление – это:

Направление работы всей команды в единое русло для воплощения своего видения.

Работа с актёрами.

Проведение репетиционного/съёмочного периода.

Проведение монтажно-тонировочного периода с озвучанием и перезаписью.

Сдача готового спектакля/фильма.

Что такое «творческо-производственный процесс? Это все перечисленные работы, связанные с воплощением режиссёром видения своего замысла.

И, наконец, что такое «высокохудожественное»? Это качественная характеристика произведения искусства, подчеркивающая его выдающийся художественный уровень, глубину и выразительность.

Важно заметить: режиссёр не существует отдельно от зрителя. Его задача не только создать произведение, но и продумать, как оно будет воспринято.


«Алгебра Гармонии» в контексте режиссуры

Теперь давайте вернемся к Пушкину. «Алгебра» в режиссуре – это не просто сумма технических приёмов. Это система знаний и принципов, которыми оперирует режиссёр:

Знание драматургии: Как строится конфликт, как развивается сюжет, каковы функции персонажей.

Понимание композиции: Как разместить объекты в кадре или на сцене, чтобы создать нужный смысл и эмоцию, в какой последовательности и длительности организовать порядок сцен и эпизодов.

Осознание ритма и темпа: Как управлять скоростью повествования, чтобы удерживать внимание зрителя.

Принципы работы с актёром: Как добиться органичности, искренности, глубины образа.

Законы света, звука, цвета: Как использовать эти средства выразительности для создания атмосферы и передачи подтекста.

Исторический и культурный контекст: Понимание того, как развивалось искусство, какие были течения и школы, как вписаться в социально-культурную среду.


А что же «гармония»? Это, безусловно, конечный результат. Это то самое чувство цельности, красоты, воздействия, которое испытывает зритель. Это ощущение, когда все элементы произведения – от актёрской игры до монтажа, от декораций до музыки – сливаются в единое, осмысленное и эмоционально сильное целое. Это тот момент, когда «алгебра» становится невидимой, а произведение воспринимается как нечто органичное и живое.

Понятие «алгебры и гармонии» подразумевает, что даже самые неосязаемые элементы искусства могут быть проанализированы и структурированы подобно математическим формулам. Одним из таких универсальных принципов, демонстрирующих эту взаимосвязь и лежащих на стыке математики и эстетики, является золотое сечение. Оно помогает в построении гармоничных композиций и воспринимается человеком как эталон красоты. Подробнее его применение мы рассмотрим при изучении конкретных выразительных средств.

Задача режиссёра – не просто сложить элементы по правилам, а сделать так, чтобы эти правила работали на создание смысла, эмоции и воздействия. Чтобы зритель не видел «алгебру» – подсчёты и формулы – но чувствовал «гармонию» – истинную красоту и силу искусства.


Диалектика в творчестве

И здесь мы приходим к еще одному важнейшему понятию – диалектике. Диалектика – это наука о наиболее общих законах развития природы, общества и мышления. В контексте режиссуры диалектика проявляется постоянно:

Единство и борьба противоположностей: Этот закон – фундамент любого конфликта. Конфликт – основа любой драматургии и, следовательно, любой режиссуры. Это может быть конфликт человека с самим собой, с обществом, с природой. Режиссёр ищет эти противоречия и через их разрешение или обострение создаёт напряжение и движение. Конфликт является ключевым проявлением закона единства и борьбы противоположностей в драматургии и режиссуре.

Отрицание отрицания: Идея развивается, проходит через отрицание предшествующих форм, но не полностью их уничтожает, а вбирает в себя лучшее, трансформируя и развивая. Внутри фильма или спектакля это видно в развитии сцен и эпизодов, столкновении протагониста и антагониста, взаимодействии других персонажей. Это прослеживается в развитии режиссёрских школ: каждая новая школа отрицает что-то в предыдущей, но при этом наследует и развивает определённые принципы.

Переход количества в качество: Постепенное накопление мелких деталей, намеков, нюансов, которые в определённый момент приводят к качественному скачку – к осознанию зрителем главной идеи, к глубокому эмоциональному переживанию. Режиссёр дозирует информацию, выстраивает напряжение, чтобы достичь кульминации.

Триада Фихте «Тезис – Антитезис – Синтез»: Это практическая модель для построения драматургии. «Тезис» – это исходное состояние или идея, «Антитезис» – это вызов, проблема, конфликт, а «Синтез» – это новое состояние, разрешение, которое не является возвратом к Тезису, а представляет собой развитие. «Синтез» сам может стать Тезисом для следующего витка. Триада вбирает в себя все три закона диалектики: борьба и единство противоположностей, отрицание отрицания, переход количественных накоплений в новое качество.

В дальнейшем вы убедитесь, что Тезис – Антитезис – Синтез – это «золотой ключик драматургии»!


Диалектика режиссуры

Триада «Тезис–Антитезис–Синтез» работает не только в драматургии, но и в режиссёрском методе: постановка задачи – сопротивление материала/актёра – нахождение решения.

Мы можем обозначить триаду, которая будет сопровождать нас весь курс:

Тезис: художественная идея (замысел, мысль автора).

Антитезис: материал, сопротивляющийся воплощению (актёры, реальность, техника).

Синтез: форма спектакля или фильма, в которой идея становится доступной зрителю.

Эта диалектическая схема универсальна: от постановки «Гамлета» до съёмки рекламы.


Зачем вам это знать?

Профессия режиссуры – это не только талант, но и огромный труд, постоянное обучение и глубокое осмысление. Понимание «алгебры» позволит вам избежать хаоса в творческом процессе, а стремление к «гармонии» будет для вас путеводным маяком. Понимание диалектики поможет вам создавать многогранные, глубокие произведения, способные говорить со зрителем на самых разных уровнях.

Риторический вопрос студентам:


Можно ли назвать режиссёром человека, который снимает фильм «для себя», не думая о зрителе?


Примеры для разбора:

«Алгебра» (законы, правила, расчёты, структура) и «Гармония» (живое чувство, интуиция, момент вдохновения, неожиданный жест актёра, ритмика живой речи, «случайный» кадр, который оказывается ключевым):

Кино: в фильме Эйзенштейна «Броненосец «Потёмкин» монтаж построен по математическим законам, но сила сцены на одесской лестнице заключается не только в расчёте, а в том, что зритель ощущает трагедию «живьём».

Акира Куросава – гениально использовал «алгебру» (монтаж, работу с погодой, светом) для создания глубокой «гармонии».

Альфред Хичкок – выстраивал «алгебру» саспенса, заставляя зрителя переживать сильные эмоции.

Театр: Сцена из спектакля «Мера за меру» (Measure for Measure, 2013, реж. Деклан Доннеллан, Cheek by Jowl) – минималистичная сценография, точные движения актёров и работа с пространством создают многослойность смысла и эмоциональное напряжение.

Схема мизансцен Станиславского – чистейшая «алгебра».

Сцена из спектакля Питера Брука «Махабхарата» – минимальные средства, максимальный эффект.

Противоречие между ними не уничтожает, а рождает энергию искусства.


Режиссёр как мыслитель:

Станиславский и Товстоногов – их спектакли в контексте «алгебры».

Вахтангов – как пример синтеза рационального и интуитивного.

Стэнли Кубрик: Его фильмы («2001 год: Космическая Одиссея», «Заводной апельсин») не просто показывают историю, но и задают глубокие философские вопросы о человечестве, технологиях, насилии.

Андрей Тарковский: Его творчество – это философское исследование духовности, времени, памяти («Зеркало», «Сталкер»).

Театр и кино требуют разных подходов, но оба подчиняются задаче – создать убедительный художественный мир.

Хичкок утверждал: «Я никогда не забываю, что у меня есть зритель».


Здесь кроется ключ: зритель – соавтор произведения. В театре зритель «дополняет» действие своим воображением. В кино зритель становится частью ритма монтажа, дыхания кадра.

Риторический вопрос: Может ли искусство существовать без зрителя?


Задачи/Упражнения:

«Обратный инжиниринг» впечатления: Выберите короткий отрывок (3-5 минут) из любого фильма или запись спектакля, который произвел на вас сильное впечатление. Попробуйте разложить его на составляющие элементы («алгебра»): что вы видите (мизансцена, свет, цвет), что слышите (музыка, шумы, диалоги), как меняются кадры (монтаж). Попытайтесь понять, как эти элементы сработали вместе, чтобы создать вашу «гармонию» впечатления.

Сначала описать эмоциональное впечатление (гармония), а потом разложить его на элементы (алгебра).

«Моя идея»: Представьте, что у вас есть идея для короткого фильма или сценического этюда (например, «человек ждёт автобус», «ссора двух друзей», «первая встреча»). Опишите эту идею. Теперь подумайте, какие «алгебраические» элементы (свет, звук, движение) вы могли бы использовать, чтобы передать определённое настроение или смысл этой идеи. Попробуйте найти антитезу и синтез в выбранной идее.


Упражнение 1. «Сцена конфликта»

Разделитесь на пары. Один из вас хочет уйти, другой удерживает его. Без слов, только пластикой.


Задача: почувствовать, что такое тезис, антитезис и синтез на уровне действия.

После упражнения обсудим:

Что получилось убедительным?

Где была «алгебра» (структура мизансцены)?

Где возникла «гармония» (живая энергия момента)?


Упражнение 2. «Монтаж глазами»

Представьте: вы – режиссёр короткого фильма. Сюжет: студент приходит на экзамен.


Составьте из 5 кадров «сценарий-монтаж». Какие планы вы выберете? С какой точки зрения покажете сцену?

Обсуждение:

Какие варианты оказываются «скучными»?

Где появляется энергия, о которой говорил Хичкок?


Заключение

Искусство режиссуры – это всегда диалектическое соединение расчёта и вдохновения.


«Алгебра» даёт инструменты, «гармония» рождает искусство.


В дальнейшем мы проследим исторические истоки режиссуры, чтобы понять, как из древнего зрелища выросло современное кино и театр.


Рекомендуемая литература:

Станиславский, К. С. Работа актёра над собой. Искусство представления. – Москва: Азбука, 2021.

Лотман, Ю. Семиотика кино и проблемы киноэстетики. Таллин: Ээсти раамат, 1973. Онлайн

Кулешов, Л. В. Уроки кинорежиссуры. – Москва: ВГИК, 1999. PDF

Эйзенштейн, С. М. Избранные произведения в 6 томах. – Москва: Искусство, 1964–1971.

Мэмет, Д. О режиссуре фильма. – Москва: Ад Маргинем Пресс, 2019.

Занятие 2: Истоки и Архетипы Зрелища. От Мифологии к Драме

На этом занятии мы отправимся в путешествие к истокам театрального искусства и поговорим о том, как из древних ритуалов, мифов и обрядов родилось то, что мы сегодня называем драмой. Наша тема – «Истоки и архетипы зрелища: от мифологии к драме» Понимание этих истоков даёт нам ключ к пониманию структуры и смысла любого современного спектакля. Ведь многие архетипы, заложенные тысячи лет назад, до сих пор живут в наших историях.

Понятие «режиссёр» в современном смысле слова – как человека, который создаёт целостную концепцию спектакля, – возник не сразу. Его появление – это долгий процесс, который начался с древних ритуалов и завершился только в XIX веке.


1: Ритуал и миф как фундамент зрелища

1. От ритуала к зрелищу

В самом начале не было театра, был ритуал. Первобытные люди разыгрывали сцены охоты, борьбы с врагами или обращались к богам, чтобы обеспечить благополучие племени.

Синтез искусств: Ритуал объединял танец, пение, музыку, костюмы, маски и даже элементы «сценария».

Магическая функция: Ритуал был не развлечением, а действенным инструментом. Люди верили, что, имитируя желаемое событие, они могут повлиять на реальность.

Пример: Древние земледельческие обряды, посвящённые божествам плодородия, где разыгрывалась смерть и воскрешение бога (например, Осириса в Египте).


2. Роль мифа

Постепенно ритуалы обрастали мифами – рассказами, объясняющими их смысл. Миф давал ритуалу драматургическую основу.

Миф как «сценарий»: Мифологические сюжеты – о рождении богов, подвигах героев, битвах – стали первыми «сценариями» для зрелища.

Коллективное переживание: Миф позволял всей общине переживать общую историю, укрепляя её единство и систему ценностей.

Переход: Со временем, когда вера в магическую силу ритуала ослабла, его форма – зрелище – осталась и начала развиваться как самостоятельное искусство.

Кто руководил? Руководил этим процессом жрец или маг. Он не был «режиссёром», но, по сути, выполнял его функции: он знал порядок обряда, распределял роли, руководил хором и управлял всей церемонией.

Что делали? Участники, а не «актёры», не играли, а переживали ритуал. Их движения, песни и слова были строго канонизированы и направлены на достижение конкретной магической цели.


Античный театр (Греция, Рим)

Именно в Древней Греции зрелище становится искусством, отделяясь от культа. Здесь появляется понятие хорег – богатый гражданин, который финансировал постановку и отвечал за её материальную часть.

Поэт-драматург: Главной фигурой был поэт-драматург (например, Эсхил, Софокл, Еврипид). Он не только писал пьесы, но и руководил репетициями, обучал хор и актёров, а также часто сам исполнял главные роли. Таким образом, он объединял в себе функции автора, режиссёра и актёра.

Не было режиссёра: В современном смысле слова режиссуры как атономной профессии ещё не существовало. Постановкой спектакля руководил автор, а главной задачей было исполнение текста.

В трагедии Эсхила «Прометей прикованный» поэт-драматург сам ставил свою пьесу. Он был и автором, и режиссёром, и даже актёром, исполняющим главную роль. Этот пример идеально иллюстрирует, что в тот период ещё не было отдельной профессии режиссёра, а все функции были объединены в одном человеке.


Эпоха перемен: Средневековье и Возрождение

Средневековый театр

В Средние века театр вернулся в лоно церкви, приняв форму мистерий, мираклей и моралите.

Появление руководителя: В это время появляется фигура, которую можно назвать проторежиссёром – руководитель цеха, который отвечал за постановку. Его задачей было не творческое видение, а строгое следование религиозному канону и порядку.

Акцент на зрелищность: Основное внимание уделялось визуальной стороне: костюмам, декорациям, спецэффектам.


Театр Возрождения

В эпоху Возрождения происходит расцвет театрального искусства, появляются профессиональные труппы и стационарные театры.

В театре комедии дель арте не было режиссёров. Их заменял «капокомико» (глава труппы) – самый опытный актёр, который руководил импровизационной игрой и распределял роли.

Мастер труппы: Появляется фигура «мастера труппы» – главного актёра, который отвечал за репертуар, распределение ролей и постановку. Часто это был самый опытный и авторитетный член коллектива.


Комедия дель арте (Италия)

Комедия дель арте (в переводе – «комедия мастерства») – это импровизационный народный театр, который процветал в Италии в XVI–XVIII веках и стал прародителем многих европейских форм зрелища.

Персонажи-маски (амплуа): Как и в балагане, здесь были фиксированные персонажи. Носители масок (zanni) были главными действующими лицами. К ним относятся:

Арлекин (Арлекино): Ловкий и глуповатый слуга, вечно голодный и ищущий приключений. Его яркий костюм, состоящий из ромбов, стал символом театра.

Панталоне: Скупой и похотливый венецианский купец.

Доктор (Дотторе): Псевдоучёный, болтун, который сыплет латинскими словами без смысла.

Капитан (Капитано): Хвастливый, но трусливый вояка.

Импровизация: У актёров не было полного сценария. У них был только «канава» – краткий план сюжета, а все диалоги и шутки они придумывали на ходу, используя заранее заготовленные «лацци» (комические трюки).

Влияние: Комедия дель арте оказала колоссальное влияние на всю европейскую драматургию, от Мольера до Метерлинка, а также стала одним из источников биомеханики Мейерхольда.


Шоу «Панч и Джуди» (Англия)

Это традиционное английское кукольное представление, которое является прямым потомком итальянской комедии дель арте.

Происхождение: Главный герой, Панч, – это английский вариант итальянского персонажа Пульчинеллы. Шоу появилось в Англии в XVII веке и быстро стало популярным на ярмарках и улицах.

Сюжеты и гротеск: Сюжеты шоу были простыми, жестокими и комичными. Панч бьёт свою жену Джуди, убивает ребёнка, полицейского, а в конце дьявол забирает его в ад. Это был гротескный, анархический юмор, который отражал народные настроения.

Влияние: Шоу «Панч и Джуди» до сих пор является частью британской культуры. Это отличный пример того, как балаганная, грубая форма искусства может существовать веками.


Зрелище в России

Балаган – это вид народного, площадного театра, который зародился в Средневековье и просуществовал в России до начала XX века. Он был прямым наследником скоморошьих игрищ и народных праздников.

Истоки: Термин «балаган» происходит от персидского «балахана» – «верхняя комната», что указывает на временную постройку для представлений.

Сюжеты и персонажи: Сюжеты балагана были простыми и понятными народу: комедии о кузнеце, плуте или о любовных похождениях. Главные герои были архетипичны: Петрушка, комичный, вечно бьющий всех персонаж, был русским аналогом итальянского Пульчинеллы.

Роль «режиссёра»: В балагане не было режиссёра в современном смысле. Функции «постановщика» выполнял скоморох или глава балагана. Он был и актёром, и автором сценария, и импровизатором. Его главная задача была – развлекать публику, а не передавать глубокий смысл. Балаган был ближе к «грубому» театру Питера Брука, где важен был прямой контакт с зрителем, а не художественная утончённость.

Влияние на современный театр: От балагана мы унаследовали такие элементы, как прямой контакт с публикой, гротеск, импровизация и архетипичные образы. Эти приёмы до сих пор используются в цирке, клоунаде и некоторых авангардных постановках.

Таким образом, балаган, комедия дель арте и шоу «Панч и Джуди» – это родственные явления, которые доказывают, что народный, площадной театр с его архетипическими персонажами и импровизацией – это универсальная и очень живучая форма зрелища.


Зрелища у кочевников Центральной Азии

У кочевых народов Центральной Азии (казахов, киргизов, туркмен и др.) не было стационарных театров. Зрелище было частью повседневной жизни, праздников и обрядов.

Импровизация и ритуал: Основной формой были народные празднества, где главным действующим лицом был акын – поэт-импровизатор, или жырау – сказитель. Они не только рассказывали истории, но и могли разыгрывать их, используя песни, жесты и мимику.

Роль «режиссёра»: Здесь тоже не было режиссёра. Функции «постановщика» выполнял мастер-рассказчик, который руководил не столько актёрами, сколько самим процессом. Он задавал ритм, тембр и настроение, влияя на коллективное переживание зрителей.

Архетипичные сюжеты: Главные сюжеты были связаны с мифами о батырах (богатырях), эпическими сказаниями и бытовыми историями, которые передавались из поколения в поколение.

Синтез искусств: В зрелище кочевников объединялись поэзия, музыка (домбыра, кобыз), танец и сказительство.

И в балагане, и в зрелище кочевников, не было режиссёра в современном понимании. Однако были его прототипы – мастера, которые руководили процессом, но их главной целью было не целостное художественное видение, а поддержание традиции, импровизации или развлечение публики. Это ещё раз доказывает, что режиссёр – это явление, рождённое в XIX веке, когда появилась потребность в глубоком психологическом анализе и единой художественной концепции.


Восточные культуры

В восточных культурах, например, в театре Кабуки (Япония) или Пекинской опере (Китай), ситуация была иной.

Мастер-актёр: Там традиционно не было режиссёра. Главной фигурой был мастер-актёр из династии, который передавал свои навыки и знания ученикам. Спектакли строились на строгих канонах, жестах, движениях и гриме, которые передавались из поколения в поколение.

Современные изменения: Сегодня и в этих традиционных театрах появляется режиссёр, но его роль часто ограничивается работой в рамках устоявшихся канонов.


XIX век: Рождение режиссёра

И только в XIX веке, с появлением реализма и психологического театра, возникает необходимость в отдельной профессии – режиссёр.

Причины появления:

Требование целостности: Авторы стали писать пьесы, требующие единого художественного видения. Нельзя было просто «разыграть» текст; нужно было создать целостный мир.

Психологическая глубина: Актёры уже не могли играть только «амплуа» Им требовался наставник, который помог бы им проникнуть во внутренний мир персонажа.

Первые режиссёры: Одним из первых, кто начал выполнять режиссёрские функции в современном понимании, был немецкий герцог Георг II, герцог Саксен-Мейнингенский. Его театр славился ансамблевой игрой, исторической достоверностью и вниманием к деталям.

При постановке пьесы Шиллера «Разбойники» он впервые в истории театра использовал:

Ансамблевую игру: Вся труппа работала как единый организм, не было главного актёра.

Массовку: Каждый статист имел свою роль и задачу, что делало сцены более реалистичными.

Исторически достоверные декорации и костюмы: Он первым начал уделять этому пристальное внимание. Таким образом, именно его можно считать одним из первых режиссёров в современном понимании.

Затем эту роль окончательно утвердили в театре Константин Станиславский и Всеволод Мейерхольд, о которых мы поговорим на следующем занятии.


Итог

Таким образом, режиссёр – это дитя XIX века, рождённое из потребности в целостном и глубоком осмыслении театрального действия. До этого его функции были размыты между жрецом, драматургом, хорегом и мастером труппы. Его корни – в глубине веков, в ритуалах и мифах, народных зрелищах, которые сформировали наши представления о героях, конфликтах и смысле жизни. От древних обрядов до современных блокбастеров – все они используют одни и те же архетипические структуры, которые мы унаследовали от наших предков.


2: Архетипы и их роль в драме

1. Герой и его путешествие

Архетип героя – один из самых древних и распространённых. Он следует определённому пути:

Зов: Герой получает вызов к приключениям.

Путешествие: Он покидает свой мир, сталкивается с испытаниями и преодолевает их.

Возвращение: Герой возвращается домой, преображённый и мудрый.

Пример: Герой Гомера Одиссей. Его история – это классический архетипический путь, который мы видим и в современных фильмах, от «Звёздных войн» до «Властелина колец».


2. Другие ключевые архетипы

Мифология дала нам множество архетипов, которые до сих пор используются в драматургии:

Трикстер: Ловкач и плут, который нарушает правила, чтобы добиться своей цели. Он часто несёт в себе хаос, но может быть и источником мудрости.

Мудрец: Старый, умудрённый опытом персонаж, который помогает герою советом.

Тень: Тёмная сторона личности, враг или соперник, который является отражением собственных страхов героя.


Обряд инициации и мифология

Миф о герое, проходящем испытания, символически умирающем и возрождающемся, – это, по сути, развёрнутая метафора обряда инициации.

Этапы инициации и их отражение в мифе

Символическая смерть (Тезис): На этом этапе подросток отделяется от своего детского мира. Его уводят из общины, он проходит через символическую «смерть», что часто сопровождается особыми ритуалами, например, нанесением шрамов или отсечением части волос. В мифологии это находит отражение в «зове к приключениям», когда герой покидает свой привычный мир. Он символически умирает для своей старой, детской жизни.

Испытания (Антитезис): Подросток сталкивается с опасностями, голодом, страхом. Он получает знания и навыки, необходимые для выживания в новом мире. В мифах это – путешествие героя, где он сражается с чудовищами, проходит через лабиринты и преодолевает препятствия.

Возрождение (Синтез): После успешного прохождения испытаний подросток возвращается в общину как полноценный взрослый. Он получает новое имя, новый статус и новые обязанности. В мифах это – возвращение героя в свой мир, но уже мудрым и изменившимся. Он приносит с собой «эликсир» – новое знание, которое помогает его народу.

Таким образом, мифы служили не просто развлекательными историями, а дидактическими инструментами, которые помогали общине передавать из поколения в поколение модель взросления и трансформации личности.


Задачи для самостоятельной работы

Задача 1: Возьмите любой современный фильм или сериал. Попробуйте найти в его сюжете архетипический путь героя и других персонажей.

Задача 2: Подумайте, какой из современных ритуалов (например, спортивные соревнования, праздничные шествия) имеет в себе элементы древнего зрелища. Обоснуйте свой ответ.

Анализ спектакля: Посмотрите запись любого современного спектакля. Попробуйте определить, какие элементы постановки мог бы сделать режиссёр, а какие – актёры. Подумайте, как бы выглядел этот спектакль без режиссёрского видения.

Сравнение: Сравните одну и ту же сцену из фильма и театральной постановки. Например, сцену из «Гамлета» Проанализируйте, как режиссёр в кино (где есть монтаж, крупный план) и в театре (где есть только мизансцена) решает задачу передачи смысла и эмоций.


Рекомендуемая литература

Аристотель. Поэтика. – Москва: Рипол Классик, 2017.

Кэмпбелл, Джозеф. Тысячеликий герой. СПб.: Питер Трэйд, 2018.

Brockett, Oscar G., Hildy, Franklin J. History of the Theatre. 11th Edition. Pearson, 2013.

Юнг, К. Г. Архетипы и коллективное бессознательное. – Москва: Неоклассик, 2019.

Станиславский, К.С. Моя жизнь в искусстве. – Москва: Азбука, 2015.

Мейерхольд, В.Э. Лекции по театру. – Москва: Искусство, 1973.

Эйзенштейн, С.М. Монтаж и театр. – Москва: Искусство, 1964.

Мельгунов, В.Н. История русского народного театра (Балаган, скоморохи). – Москва: Наука, 1985.

Чудинова, Л. В. Театр кочевых народов Центральной Азии: традиции и формы. Алматы: Арыс, 2010.

Шварц, Э. Кабуки и японский театр: история и практика. – Москва: Искусство, 1995.

Фурман, Ю. Пекинская опера и китайский театр. СПб.: Азбука, 2008.


Раздел 2: Режиссёрские школы и направления

Занятие 3: Классика Театра: Станиславский и Мейерхольд, Брехт и Брук

На этом занятии мы поговорим о четырёх титанах мирового театра, четырёх великих реформаторах – Константине Сергеевиче Станиславском, Всеволоде Эмильевиче Мейерхольде, Бертольде Брехте и Питере Бруке.

Имена Станиславского и Мейерхольда часто ставят рядом, и неслучайно. Они были коллегами, учителем и учеником, единомышленниками, а затем – непримиримыми антагонистами. Понимание их идей и методов – это ключ к пониманию всего театрального искусства XX века и, по сути, современного театра.


Краткая историческая справка

Константин Станиславский (1863–1938): Основатель Московского Художественного театра (МХТ). Его система стала основой для психологического театра и актёрской школы по всему миру.

Всеволод Мейерхольд (1874–1940): Один из первых учеников Станиславского, но позже стал его оппонентом. Его «театральный октябрь» ознаменовал революцию в сценическом искусстве, привнеся в него гротеск, условность и биомеханику. (Из Википедии: «Театральный Октябрь» – это программа реформирования театра, предложенная Всеволодом Мейерхольдом в 1920 году, направленная на политизацию театра в соответствии с идеями Октябрьской революции. Мейерхольд стремился создать новый тип театра, отвечающий задачам построения социалистического общества, используя экспериментальные методы и переосмысливая традиционные театральные формы.)

Бертольд Брехт (1898–1956): Немецкий драматург, поэт и театральный режиссёр, один из крупнейших реформаторов театра XX века. Создал концепцию эпического театра, противопоставленного аристотелевской драме. Его цель – заставить зрителя мыслить, а не только сопереживать. Ввел приём «эффекта отчуждения» (Verfremdungseffekt), разрушающий иллюзию реальности на сцене. Среди известных пьес – «Мать Кураж и её дети», «Кавказский меловой круг», «Жизнь Галилея». Брехт оказал огромное влияние на театр, кино и политическое искусство XX века.

Питер Брук (1925–2022): Английский театральный режиссёр, новатор и теоретик театра. Считается одним из величайших режиссёров второй половины XX века. В своей книге «Пустое пространство» сформулировал идею, что театр возможен в любом месте, если есть актёр и зритель. Работал в Королевском шекспировском театре, ставил Шекспира, Чехова, Беккета. Экспериментировал с пространством, минимализмом и межкультурным театром. Его постановка «Махабхарата» (1985) стала символом театра без границ.

Ежи Гротовски (1933–1999): Польский режиссёр и теоретик театра, основатель «театра бедного». Считал, что главная ценность театра – это актёр и его телесно-духовная отдача, а не декорации или техника. В своём «Лабораторном театре» в Ополе и Вроцлаве создавал интенсивные эксперименты, где актёры доводили себя до предельных состояний. Его книга «Towards a Poor Theatre» стала манифестом нового театрального языка. Гротовски оказал сильное влияние на развитие театральной антропологии и режиссуру конца XX века.


Теория и практика: Константин Станиславский и его система

Константин Станиславский в своей постановке «Чайки» Чехова совершил революцию. Он отказался от громких декламаций и шаблонной игры, заставив актёров «проживать» жизнь своих героев, что и стало основой его системы.


1. Основы системы Станиславского

Центральная идея системы Станиславского – «переживание» Актёр должен не изображать персонажа, а по-настоящему проживать его жизнь, чувствовать его эмоции и мысли.

Сверхзадача: Главная цель пьесы, её основная идея.

Сквозное действие: Последовательность поступков персонажа, которая ведёт его к сверхзадаче.

Волшебное «если бы»: Метод, с помощью которого актёр ставит себя на место персонажа, задавая вопрос: «Что бы я делал, если бы оказался в этой ситуации?»

Память чувств: Способность актёра вызывать в себе ранее пережитые эмоции, чтобы использовать их в роли.


2. Психологический реализм

Станиславский стремился к максимальной правде на сцене. В его театре не было места условности. Декорации, костюмы, грим – всё должно было быть максимально реалистичным, чтобы помочь актёру поверить в происходящее и погрузиться в роль.


О «режиссёрском» труде Станиславского

Хотя отдельной книги «Работа режиссёра над собой» не существует, это не значит, что Станиславский не писал о режиссуре. Его мысли по этому поводу разбросаны по разным источникам:

Письма и дневники: В них он подробно описывал свои размышления о постановке, работе с актёрами и замысле спектакля.

Режиссёрские партитуры: Это подробные записи для спектаклей, которые он ставил. В них он фиксировал не только мизансцены, но и внутреннее состояние персонажей, ритм и атмосферу.

Ученики и последователи: Многие его идеи были записаны и изданы его учениками, которые обобщали его методы.

Таким образом, хотя прямого труда с таким названием нет, идеи Станиславского о режиссуре существуют и являются фундаментальными для всего мирового театра. Они легли в основу так называемого «режиссёрского театра», где режиссёр является главным творцом, а актёры – его соавторами.


Теория и практика: Всеволод Мейерхольд и его биомеханика

1. Основы театра Мейерхольда

Мейерхольд, напротив, выступал за «представление и условный театр». Он считал, что театр – это не жизнь, а искусство, и его цель – не имитировать реальность, а создавать её в условной, выразительной форме.

Театральная условность: Отказ от реалистичных декораций. Вместо них – конструкции, символы и свет.

Гротеск: Приём, основанный на гиперболе, заострении черт, абсурдности.

Биомеханика: Система тренировки актёра, основанная на идее, что тело – это инструмент, который должен быть максимально выразительным и точным. Актёр учится контролировать каждое движение, чтобы донести до зрителя определённый смысл.


2. Политический и социальный театр

В отличие от Станиславского, который сосредоточился на внутреннем мире человека, Мейерхольд использовал театр как трибуну, как инструмент для политических и социальных высказываний. Его спектакли были острыми, провокационными и часто имели сильный политический подтекст.


3. Отказное действие Мейерхольда и Эйзенштейна

Отказное действие (или «предыгра») – это короткое, резкое движение или жест, которое предшествует основному действию и как бы «отказывается» от него. Мейерхольд позаимствовал эту идею из итальянской комедии дель арте, где актёры часто использовали подобные приёмы, чтобы подчеркнуть комичность или абсурдность ситуации.

Принцип отказного действия: стремясь из точки A в точку D, необходимо сделать паузу (задержаться) в точке B или даже отступить к точке C, чтобы с новой силой устремиться к точке D.


Иллюстрация 1


Понятие «отказного действия» у великих театральных реформаторов и теоретиков кино, таких как Всеволод Мейерхольд и Сергей Эйзенштейн, является одним из ярчайших примеров применения диалектики в искусстве. Это приём, при котором какое-либо действие, объект, информация или персонаж сначала заявлены (тезис), затем отложены или даже, казалось бы, «отменены», «забыты» (антитезис), чтобы затем внезапно проявиться в новом качестве и с новой, часто решающей силой (синтез), оказывая максимальное драматическое или смысловое воздействие. Этот приём создаёт предвкушение, напряжение и мощное разрешение.

В спектакле «Ревизор» Мейерхольда актёры часто использовали резкие, угловатые движения, чтобы подчеркнуть карикатурность и гротескность персонажей. Так, перед тем как сесть, Городничий мог резко дёрнуть плечом или сделать странный взмах рукой.

При постановке оперы «Пиковая дама» Всеволод Эмильевич Мейерхольд сцену появления Германна в спальне графини мизансценировал следующим образом:

В глубине тёмной сцены из-за кулисы сперва появляется рука (раз! – Тезис!). Чуть задержавшись, рука исчезает (два! – Отказное действие, Антитезис!). Зритель недоумевает. Но это ещё не всё. Рука появлялется снова. Зритель заинтригован. И тут из-за кулисы наконец выступает Германн (три! – Синтез)!

В «отказном действии» Мейерхольда мы можем видеть параллели с диалектической триадой Фихте «Тезис – Антитезис – Синтез» Это не случайное совпадение, а проявление глубокого, философского подхода к движению и действию.

Разберём эту связь более подробно:

Тезис (Намерение): Это исходная точка, основная идея или мысль, которую актёр хочет воплотить. Например, герой хочет сделать шаг вперёд. Это – намерение, изначальное действие.

Антитезис (Отказное действие): Это противоречие, обратное или противоположное движение. Перед тем как сделать шаг вперёд, актёр совершает небольшой, но выразительный шаг назад. Это – отказное действие, которое опровергает изначальный тезис.

Синтез (Действие): Это разрешение противоречия, новое, более сложное и выразительное действие. После «отказного действия» актёр совершает тот самый шаг вперёд, но он уже не является простым движением. Он нагружен внутренним напряжением, смыслом и энергией, которые были созданы конфликтом между намерением и отказом. Это – основное действие, которое и является результатом диалектического процесса.

Таким образом, «отказное действие» Мейерхольда – это не просто приём, а целая философия движения. Он превращает простое, линейное действие в сложный, многослойный процесс, который становится гораздо более выразительным и наполненным смыслом. Это и делает его биомеханику столь мощным инструментом для актёра.


Станиславский vs. Мейерхольд: Точки соприкосновения и расхождения

Общее: Оба стремились к реформе, оба боролись с рутиной и штампами в театре. Оба ставили актёра в центр внимания, но подходили к нему с разных сторон.

Различия:

Цель: Станиславский – «проживание» и психологический реализм. Мейерхольд – «представление» и условный театр.

Акцент: Станиславский – на психологии и внутреннем мире. Мейерхольд – на пластике и физике.

Влияние: Станиславский оказал огромное влияние на мировой кинематограф. Мейерхольд – на авангардные театральные течения.


Бертольт Брехт и «Театр очуждения»

1. Контекст и философия Брехта

Брехт (1898–1956) создавал свои теории в турбулентное время – после Первой мировой войны, во времена Великой депрессии и накануне Второй мировой. Его театр – это не только искусство, но и политический инструмент. Брехт считал, что традиционный, «аристотелевский» театр с его сопереживанием (катарсисом) усыпляет зрителя, мешая ему критически мыслить. Он хотел, чтобы театр стал школой жизни, где зритель анализирует происходящее, а не просто эмоционально реагирует.


2. Принцип «очуждения» (Verfremdungseffekt – V-Effect)

Очуждение – ключевое понятие в брехтовской теории. Это приём, который направлен на то, чтобы сделать знакомое незнакомым, заставить зрителя взглянуть на обыденные вещи под новым углом. Это достигалось с помощью ряда приёмов:

Разрушение «четвёртой стены»: Актёры обращались напрямую к залу, комментировали свои действия или ход пьесы.

Использование зонгов: Между сценами вставлялись песни (зонги), которые несли в себе комментарий к происходящему, прерывая эмоциональный поток.

Неполный грим и костюм: Актёры могли не до конца перевоплощаться в персонажа, оставляя видимыми элементы своей обычной одежды.

«Разорванный» сюжет: Сюжет мог быть прерван комментариями, плакатами, проекциями, которые поясняли политический или социальный подтекст.

«Остранённая» игра: Актёр не «проживал» роль (как у Станиславского), а «показывал» её, демонстрируя своё отношение к персонажу.


3. Цель и результат

Целью «театра очуждения» было пробудить в зрителе критическое мышление. Брехт хотел, чтобы зритель, выйдя из театра, задавал себе вопросы: «Почему это происходит в нашем обществе? Можно ли это изменить?» Театр становился лабораторией для анализа социальных проблем, а не местом для эмоционального отдыха.


Питер Брук и «Пустое пространство»

1. Контекст и философия Брука

Питер Брук (1925–2022) – британский режиссёр, который пошёл ещё дальше. Он считал, что театр должен быть максимально освобождён от всего лишнего. Его идеи выросли из разочарования в традиционном театре, который, по его мнению, утонул в избыточных декорациях, дорогих костюмах и клише.


2. Принцип «Пустого пространства»

Книга Брука «Пустое пространство» – это манифест его театральной философии. Он писал: «Я могу взять любое пустое пространство и назвать его голой сценой. Человек идёт по этому пустому пространству, а другой наблюдает за ним – и это всё, что нужно для создания театрального акта.»

Театр-импровизация: Брук часто работал без сценария, позволяя актёрам создавать спектакль прямо на репетициях, отталкиваясь от своих ощущений и импровизаций.

Отказ от декораций: Вместо сложных декораций – пустое пространство, которое заполнялось только актёром и его воображением.

«Священный» театр: Брук верил, что театр должен быть местом, где происходит нечто важное и духовное. Он разделял театр на:


«Смертельный» театр: Традиционный, скучный театр клише.

«Священный» театр: Театр-ритуал, где актёр и зритель находятся в поиске истины.

«Грубый» театр: Народный, балаганный театр, который Брук тоже считал важным.


3. Цель и результат

Цель Брука – найти живой, настоящий театр, который существует здесь и сейчас, в моменте. Для него театр – это общение, контакт между актёром и зрителем, который происходит в «пустом пространстве», свободном от условностей.


Сопоставление идей и заключение

Сходства и различия

Сходство: Оба режиссёра боролись с рутиной и шаблонностью, оба стремились к пробуждению зрителя.

Различия:


Цель: Брехт – социальная критика, анализ, политическое высказывание. Брук – духовный поиск, контакт, «здесь и сейчас».

Метод: Брехт – через «очуждение», аналитику. Брук – через «пустое пространство», интуицию, импровизацию.


Краткий итог

Сегодня мы увидели, что пути Станиславского и Мейерхольда разошлись, но оба оставили колоссальное наследие. Их идеи не взаимоисключающие, а взаимодополняющие. Современный театр часто использует элементы и того, и другого, создавая что-то новое и уникальное.


Задачи для самостоятельной работы

Задача 1: Подумайте, в каком современном фильме или спектакле вы видите элементы системы Станиславского, а в каком – Мейерхольда. Обоснуйте свой выбор.

Задача 2: Попробуйте прочитать отрывок из Чехова в стиле Станиславского (пытаясь «прожить» героя), а затем в стиле Мейерхольда (используя гротеск и пластику).

Посмотрите запись спектакля по Брехту («Мамаша Кураж и её дети») и Питера Брука («Махабхарата»). Проанализируйте, как используются принципы, о которых мы говорили.

Выберите короткий рассказ. Сделайте его «брехтовскую» и «бруковскую» постановки. Как бы вы использовали «очуждение» в одном случае и «пустое пространство» – в другом?


Рекомендуемая литература

Станиславский, К.С. Работа актёра над собой. Искусство представления. – Москва: Азбука, 2021.

Мейерхольд, В.Э. О театре. Санкт-Петербург: Просвещение, 1913. PDF

Брехт, Б. Теория эпического театра. – Москва: Академический проект, 2020.

Брехт, Б. Театр. Пьесы. Статьи. Высказывания. В 5 т. Т. 5/2. – Москва: Искусство, 1965.

Брехт о театре (сборник статей). 1960. PDF

Брук, П. Пустое пространство. – Москва: ЁЁ Медиа, 2022. Ссылка

Гротовски, Е. Towards a Poor Theatre. London: Methuen Drama, 1968.

Brockett, O., Hildy, F. History of the Theatre. 11th Edition. Boston: Pearson, 2013.

Кожин, В.В. Театральная режиссура: История, теория, практика. Санкт-Петербург: Речь, 2019.

Artaud, A. The Theatre and Its Double. New York: Grove Press, 1958.


Занятие 4: Гротовский и Постмодернизм. Восточные Школы

На этом занятии мы продолжим наше путешествие по истории театра, и на этот раз остановимся на двух важнейших направлениях, которые определили современное искусство: «Гротовский и Постмодернизм». Также познакомимся с восточными школами.


Ежи Гротовский и «Бедный театр»

1. Контекст и философия

Ежи Гротовский (1933–1999) – польский режиссёр и теоретик, который работал в 1960-х годах. Он верил, что театр утонул в избытке технологий, декораций и роскошных костюмов, и что его главная сила – в контакте между актёром и зрителем. Гротовский хотел очистить театр от всего лишнего и вернуться к его «священной» сущности.


2. Концепция «Бедного театра»

«Бедный театр» – это манифест отказа от всего, что, по мнению Гротовского, не является театром.

Отказ от декораций и костюмов: Он считал, что всё это лишь отвлекает от главного. Актёр должен работать в «пустом пространстве» (как и у Брука), используя только своё тело.

Отказ от света и музыки: Вместо сложных световых партитур – простой, бытовой свет. Вместо музыки – звуки, которые издают сами актёры.

Отказ от литературы: Гротовский не стремился к буквальной постановке пьес. Он использовал их как отправную точку, «рабочий материал» для создания нового действия.

Идея «акта-трансгрессии»: Главной целью была не игра, а «самообнажение» актёра, его предельное физическое и психологическое усилие, которое позволяло ему преодолеть свои границы. Этот «акт-трансгрессии» должен был потрясти зрителя и привести его к катарсису.


3. Роль зрителя

В «бедном театре» стиралась граница между сценой и зрительным залом. Зрители могли сидеть рядом с актёрами, быть вовлечёнными в действие, что делало их не пассивными наблюдателями, а соучастниками.


Влияние на театр и кино XX–XXI вв.:


Автор / Режиссёр

Ключевая концепция

Основные черты подхода

Известные работы

Влияние на современный театр и кино


Бертольд Брехт (Германия)

Эпический театр, «эффект отчуждения»

Театр как инструмент критического мышления; разрушение иллюзии; использование песен, прямых обращений к зрителю; политическая направленность

Мать Кураж и её дети, Кавказский меловой круг, Жизнь Галилея

Повлиял на политический и документальный театр; принципы отчуждения использовались в кино (Жан-Люк Годар, Ларс фон Триер); идеи легли в основу современного театра с социальным подтекстом


Питер Брук (Англия/ Франция)

Пустое пространство, межкультурный театр

Минимализм в сценографии; акцент на живом контакте актёра и зрителя; универсальность театра; эксперименты с пространством и культурным обменом

Сон в летнюю ночь (1970), Махабхарата (1985), книга The Empty Space

Разрушил барьеры между «высоким» и «народным» театром; повлиял на развитие site-specific театра и перформанса; показал возможность «глобального» театра, соединяющего разные культуры


Ежи Гротовски (Польша)

Театр бедный

Актёр как центр театра; отказ от декораций и техники; телесная и духовная «жертвенность» актёра; лабораторный эксперимент

Акрополь, The Constant Prince (пол. Książę Niezłomny); книга Towards a Poor Theatre

Сильно повлиял на актёрскую педагогику (Stanislavski → Grotowski → Barba → актёрские тренинги по всему миру); предвосхитил перформанс-арт и физический театр (Pina Bausch, The Wooster Group)


Постмодернизм в театре

1. Контекст и философия

Постмодернизм – это культурное явление, которое возникло во второй половине XX века и бросило вызов всем устоявшимся правилам. В театре постмодернизм – это отказ от единой истины, от линейного повествования, от авторского диктата. Он приветствует смешение жанров, цитаты, игру с формой.


2. Ключевые черты постмодернистского театра

Деконструкция текста: Постмодернистский режиссёр может взять классическую пьесу и полностью её переосмыслить, разобрать на части, смешать с современными текстами, вставить в неё песни, видеопроекции.

Интертекстуальность: Постановка может быть наполнена цитатами из других произведений искусства – кино, литературы, музыки.

Сомнение в авторитете: Нет единственного «правильного» прочтения пьесы. Зритель становится соавтором, он сам должен складывать мозаику смыслов.

Технологии: В отличие от «бедного театра», постмодернизм активно использует технологии – видео, проекции, звуковые инсталляции, что позволяет создавать многомерное пространство.


3. Примеры

Роберт Уилсон: Американский авангардный режиссёр, чьи спектакли – это сложные, медитативные, визуально насыщенные произведения, где текст не играет главной роли.

Томас Остермайер: Немецкий режиссёр, который ставит Шекспира и Ибсена в современных декорациях, используя видео, музыку и импровизацию.

Постмодернизм оказал огромное влияние на кино, перевернув традиционные представления о повествовании, жанрах и роли зрителя. Он бросил вызов классическим киноправилам, внеся в фильмы иронию, цитатность и игру с реальностью.


Основные черты постмодернистского кино

Интертекстуальность и пастиш: Постмодернизм активно использует цитаты и отсылки к другим фильмам, жанрам, литературным произведениям и поп-культуре. Это создаёт многослойное повествование, где зритель, улавливая эти отсылки, получает дополнительное удовольствие. Например, Квентин Тарантино в своих фильмах постоянно цитирует старое криминальное кино, вестерны и аниме.

Смешение жанров: Постмодернистские фильмы часто не вписываются в один жанр. Они смешивают комедию с драмой, триллер с мюзиклом, создавая непредсказуемый и эклектичный мир. Фильм «Бегущий по лезвию» (1982) сочетает в себе элементы научной фантастики, нуара и философии.

Ирония и саморефлексия: Постмодернистское кино часто разрушает «четвёртую стену», обращаясь напрямую к зрителю или комментируя собственный сюжет. Это создаёт ироническую дистанцию, заставляя зрителя осознавать, что он смотрит фильм. Примером может служить «Крик», где персонажи знают правила фильмов ужасов.

Нелинейное повествование: Сюжет может быть разбит на части, которые показываются не в хронологическом порядке. Это бросает вызов традиционной структуре и заставляет зрителя самостоятельно собирать историю воедино, как в «Криминальном чтиве»

Стирание границ между «высоким» и «низким» искусством: Постмодернизм уравнивает по значимости классические произведения и элементы массовой культуры, такие как комиксы, видеоигры или реклама.


Особенности восточного театра

В отличие от западного, где важны психологизм и реализм, восточный театр более условен, символичен и синтетичен. Здесь ключевое значение имеют:

Ритуал и традиция: Сюжеты, жесты, костюмы и грим передаются из поколения в поколение.

Синтез искусств: Театр включает в себя музыку, танец, акробатику и поэзию.

Символизм: Каждый жест, цвет или предмет имеет глубокий символический смысл.


Китай: Пекинская опера (Цзинцзюй)

1. Истоки и жанры

Пекинская опера – это не просто опера, а синтетическое искусство. Она возникла в XVIII веке и сочетает в себе музыку, танец, акробатику, пантомиму и боевые искусства.

Четыре основных амплуа:


Шэн (Sheng): Мужские роли.

Дань (Dan): Женские роли.

Цзин (Jing): Герои с раскрашенными лицами (герои, злодеи).

Чоу (Chou):): Комичные персонажи.


Мастерство и канон: Актёры учатся всю жизнь, осваивая тысячи жестов и поз.

2. Роль режиссёра

Режиссёра в западном понимании не существует. Постановкой руководит мастер-актёр, который обучает молодых артистов по строгим канонам.


Япония: Театр Кабуки и Но

1. Театр Но (Noh)

Театр Но – старейший вид японского театра, зародившийся в XIV веке. Это медитативное, утончённое искусство.

Символизм: Минимум декораций, маски, символические движения.

Маски и костюмы: Каждая маска точно определяет характёр персонажа.

Театр «ожидания»: Движения очень медленные, с длительными паузами.

2. Театр Кабуки (Kabuki)

Кабуки – более яркий и динамичный театр, возникший в XVII веке.

Синтез искусств: Сочетание танца, музыки и драматической игры.

Визуальная сторона: Яркие костюмы, сложный грим, динамичные позы.

Онамэ (Onnagata): Все женские роли исполняют мужчины.


Индия: Театр Катхакали

Катхакали – один из самых зрелищных видов индийского театра. Это форма ритуального танца-драмы, зародившаяся в XVII веке в Керале.

Движение и мимика: Актёры используют до 500 жестов руками, а также мимику глаз и бровей.

Грим и костюмы: Яркий грим и сложные костюмы – важная часть спектакля.

«Навираса»: Вся игра построена на девяти базовых эмоциях.


Маски и жесты – это ключевые элементы в восточном театре, которые служат для передачи информации, эмоций и социального статуса персонажа. В отличие от западного театра, где мимика и речь играют основную роль, здесь они – это сложный язык, который зритель должен уметь «читать»


Маски и грим

Маски и грим в восточном театре – это не просто украшение, а инструмент, который определяет характер, возраст, социальное положение и даже судьбу персонажа.

Китай (Пекинская опера): Грим здесь называется лянпу (liănpŭ). Это сложная система, где каждый цвет и узор имеет своё значение.


Красный: Верность, мужество, честность (например, Гуань Юй).

Чёрный: Честность, прямота, но также и ярость (Бао Чжэн).

Белый: Коварство, предательство, хитрость.

Синий: Свирепость, жестокость.

Грим является настолько точным, что опытный зритель может определить персонажа ещё до того, как он произнесёт хоть слово.

Япония (Театр Но): В театре Но используются деревянные маски, которые называются омэны (omote). Маска передаёт только базовую эмоцию (например, гнев, печаль, радость).


Маска молодой женщины (Ко-омэ) – это образ идеальной красоты.

Маска демона (Хання) – гнев и ревность. Интересно, что актёр, управляя наклоном головы, может заставить маску «оживать», меняя её выражение от радости до печали.


Индия (Катхакали): Грим здесь – самый сложный. Лицо актёра покрывается слоями красок, а вокруг него создаются специальные «ободки» Цвет лица также символичен:


Зелёный: Благородные и героические персонажи.

Красный: Злодеи и демоны.


Жесты и движения

Жесты в восточном театре – это язык, который заменяет диалог и передаёт эмоции. Каждый жест имеет своё название и точное значение.

Китай (Пекинская опера): Жесты здесь называются цзылу (zìlù). Они включают в себя не только движения рук, но и позы, шаги и повороты головы. Например:


Поправить шляпу: Означает не только это действие, но и удивление, или что персонаж задумался.

Взмах длинным рукавом: Может означать гнев, печаль или попытку что-то скрыть.


Япония (Театр Кабуки): В Кабуки есть целые системы движений. Один из самых известных приёмов – миэ (mie).


Миэ: Это резкая, застывшая поза, которую принимает актёр, чтобы подчеркнуть кульминацию или важный момент. Актёр держит позу несколько секунд, пока зрители аплодируют, а потом продолжает движение. Это создаёт особую динамику и драматизм.


Индия (Катхакали): Здесь жесты называются мудры (mudrā). Их более 500, и они могут передавать всё – от названия животных до сложных философских понятий.


Например, мудра хаста (движение рук) может обозначать цветок, а другая – воду или огонь.

Таким образом, в восточном театре маски и жесты – это не просто дополнение, а основа всего представления. Они образуют сложный, символический язык, который актёр должен знать в совершенстве, а зритель – уметь понимать.


Центральная Азия: от эпоса к кино

Кинематограф Центральной Азии уникален тем, что он тесно связан с богатой устной традицией. Современные фильмы часто черпают вдохновение из древних эпических сказаний, перенося их героев и сюжеты на большой экран.

«Сказание о Рустаме» (1971), реж. Борис Кимягаров: Этот фильм, снятый на «Таджикфильме», является экранизацией части эпоса «Шахнаме» Фирдоуси. Он интересен тем, как режиссёр переносит на экран эпический размах и пафос сказания. В фильме используются:

Яркая визуальная стилистика: Костюмы, декорации, батальные сцены, которые напоминают театральные постановки.

Архетипичные образы: Рустам – это классический архетип героя, который сражается со злом и отстаивает справедливость.

«Кыз Жибек» (1970), реж. Султан-Ахмет Ходжиков: Этот фильм, снятый на «Казахфильме», является экранизацией одноименного казахского эпоса. «Кыз Жибек» – это лиро-эпическая поэма о трагической любви. В фильме:

Используются элементы мюзикла: Фильм наполнен песнями, которые исполняют сами актёры. Это дань традициям акынов и жырау.

Эстетика кочевой культуры: Режиссёр уделяет большое внимание показу быта, костюмов и тенгрианских традиций казахского народа.

Фильм называют «визиткой Великой степи», эталоном изображения номадической культуры, с высоким уровнем этнографической точности (костюмы, быт, пейзажи).

Картина отличается масштабностью съемок, яркой операторской работой и глубоким психологизмом, раскрывающим тему личной свободы против родовых предрассудков.

«Игла» (1988), реж. Рашид Нугманов

Этот культовый советский артхаус-триллер, ставший символом перестройки и «казахской новой волны», снятый в Казахстане, является ярким примером того, как постмодернизм пришёл в центральноазиатское кино. «Игла» сочетает в себе:

Символизм и метафоры: Фильм полон отсылок к восточным мифам, но при этом действие происходит в современной, разрушенной реальности. В фильме много условных сцен — например, знаменитая сцена в больнице, «под кайфом», где Дина говорит измененным голосом.

«Рок-н-ролльная» эстетика: Главный герой, которого играет Виктор Цой, – это образ современного «воина-одиночки», который борется со злом. Это сочетание эпического героя и современного бунтаря.

Смешение жанров: «Игла» – это и боевик, и драма, и мюзикл. Этот фильм стал культовым и показал, что кинематограф Центральной Азии способен говорить на современном языке.

Фильм, с Виктором Цоем в роли Моро, переосмыслил тему наркомании через эстетику неоромантизма и нуара. Картина выделяется рваным монтажом, минимализмом диалогов, музыкой группы «Кино» и натурными съемками в Алма-Ате и на Арале.

Нуар и эстетика: Нугманов создал мрачную, но стильную картину. Городской пейзаж (багровая тахта, мрачные подъезды) противопоставлен «чистому», бескровному пространству Аральского моря.

Экспериментальный подход: Режиссер использовал непрофессиональных актеров (многие из окружения Цоя), что придало фильму документальную достоверность.

Смысловые пласты:

Наркомания: Впервые в СССР проблема наркотиков показана открыто, без морализаторства, как болезнь общества.

Экология: В сюжет вплетена тема катастрофы Аральского моря, ставшая метафорой умирания, «укола» природы.

Музыка: Саундтрек группы «Кино» (песни «Группа крови», «Звезда по имени Солнце») стал неотъемлемой частью атмосферы, подчеркивая драйв и романтизм Моро.

Финал: Открытый финал, где Моро, получив удар ножом, продолжает идти, закрепил за ним статус бессмертного героя.


Примеры фильмов

«Криминальное чтиво» (1994), реж. Квентин Тарантино: Самый яркий пример постмодернизма. Нелинейный сюжет, цитирование старых фильмов, диалоги, которые не имеют прямого отношения к сюжету, и ироническое отношение к насилию.

«Бегущий по лезвию» (1982), реж. Ридли Скотт: Этот фильм, снятый в жанре «киберпанк», размывает границы между реальностью и симуляцией, поднимая вопросы о том, что значит быть человеком.

«Матрица» (1999), реж. Вачовски: Фильм, который ставит под сомнение саму природу реальности, используя философию Жана Бодрийяра о симулякрах.


Задачи для самостоятельной работы и литература

Задачи на сравнение:

Сравните принципы «бедного театра» Гротовского и «пустого пространства» Брука. Найдите сходства и различия.

Сравните театр Кабуки и Пекинскую оперу. Найдите сходства и различия в амплуа, гриме и музыке.

Анализ:

Посмотрите отрывок из спектакля Роберта Уилсона или Томаса Остермайера. Попробуйте найти в нём черты постмодернизма.

Посмотрите фильм «Герой» Чжан Имоу. Найдите в нём элементы, присущие китайскому традиционному театру: символизм цвета, пластика движений, «сражения» как танец.

Практическое упражнение:

Возьмите небольшой рассказ или стихотворение. Сделайте его «постмодернистскую» постановку, используя видео, музыку, цитаты из других произведений.

Выберите короткий сюжет. Подумайте, как бы вы поставили его в стиле театра Но (медленно, символически) и в стиле Кабуки (ярко, динамично).

Выберите любой фильм, который вы считаете постмодернистским. Проанализируйте, как в нём проявляются черты, о которых мы говорили: интертекстуальность, смешение жанров, ирония.

Сравните два фильма на одну и ту же тему, но из разных эпох: один – классический, другой – постмодернистский. Например, «Грязная дюжина» (1967) и «Бесславные ублюдки» (2009).


Рекомендуемая литература

Гротовский и «Бедный театр»

Grotowski, J. Towards a Poor Theatre. New York: Theatre Communications Group, 1968.

Гротовский, Е. К бедному театру. – Москва: Искусство, 2003.

Brook, P. The Empty Space. London: Penguin Books, 1968.

Брук, П. Пустое пространство. – Москва: ЁЁ Медиа, 2022.

Постмодернизм

Hassan, I. The Concept of Postmodernism. University of Michigan Press, 1987.

Hassan, I. Beyond the Postmodern. London: Palgrave, 1991.

Jameson, F. Postmodernism, or, The Cultural Logic of Late Capitalism. Durham: Duke University Press, 1991.

Бодрийяр, Ж. Симулякры и симуляция. – Москва: Рипол Классик, 2017.

Восточные школы театра

Féral, J. Theatre in Asia: An Overview. Paris: Presses Universitaires de France, 2000.

Wichmann, E. Kabuki: A Critical Bibliography. New York: Garland Publishing, 1985.

Kersenboom, S. Nō and Kyōgen: Classical Japanese Theatre. Leiden: Brill, 2004.

Kothari, S. Kathakali: The Art of Storytelling. New Delhi: Roli Books, 2005.

Фирдоуси. Шахнаме. – Москва: Эксмо, 2012.

Дополнительно (кино и постмодернистские примеры)

Tarantino, Q. Selected Filmography (Pulp Fiction, 1994; Kill Bill, 2003).

Scott, R. Blade Runner. Warner Bros., 1982.

Wachowski, L., Wachowski, L. The Matrix. Warner Bros., 1999.

Кимягаров, Б. Сказание о Рустаме. Душанбе: Таджикфильм, 1971.

Ходжиков, С-А. Кыз Жибек. Алматы: Казахфильм, 1970.

Нугманов, Р. Игла. Алматы: Казахфильм, 1988.


Раздел 3. Истоки и формы замысла

Занятие 5: Как Рождается Замысел

Сегодня мы поговорим о самом таинственном и, пожалуй, самом важном этапе в работе режиссёра – рождении замысла. Замысел – это не просто идея, это зерно будущего произведения, его сверхзадача. Многие думают, что это исключительно вопрос вдохновения, но это не так. Мы будем исследовать, откуда черпаются идеи и как можно использовать структурированные методы, такие как ТРИЗ (Теория решения изобретательских задач), чтобы научиться осознанно подходить к творческому процессу.

Мы поговорим о том, как возникают идеи, что питает вдохновение, и как внутренний мир режиссёра формирует его уникальный взгляд на мир и способность к созданию «гармонии». Понимание этих механизмов – важная часть «алгебры» самопознания для любого художника.


Замысел – Это Не Просто Идея

Замысел – это искра, это внутреннее побуждение, это та глубинная интуиция, которая подсказывает художнику: «Вот об этом я хочу говорить, вот это я хочу создать» Откуда же она берется? Он редко рождается в пустом пространстве. Он часто является результатом сложной комбинации внешних стимулов и внутренних процессов.


Творчество как Процесс: Не Только Вдохновение

Существует романтический миф о том, что творчество – это чистый порыв, озарение, которое приходит «свыше» Конечно, момент вдохновения существует, и он прекрасен. Однако, психологи давно доказали, что творчество – это сложный, многоступенчатый процесс, который требует не только таланта, но и огромной работы. Можно выделить несколько ключевых этапов:

Накопление (Подготовка): Это этап, когда художник активно собирает информацию, впечатления, опыт. Он читает книги, смотрит фильмы, слушает музыку, путешествует, общается с людьми, наблюдает за жизнью, изучает историю, философию, психологию. Все, что он видит, слышит, чувствует, накапливается в его подсознании. Это своеобразный «банк данных», из которого потом будет черпаться материал. Для режиссёра это означает постоянное расширение кругозора, глубокое погружение в материал будущей постановки.

Инкубация (Созревание): На этом этапе, казалось бы, ничего не происходит. Художник может отвлечься от проблемы, заниматься обычными делами. Но на самом деле, в подсознании идет активная работа: накопленные данные перегруппировываются, устанавливаются новые связи, идеи бродят и сталкиваются друг с другом. Именно здесь «варится» замысел, словно суп на медленном огне. Часто именно во время прогулки, во сне или в душе, когда мозг расслаблен и не занят рутиной, приходит озарение.

Озарение (Инсайт): Это тот самый момент «Эврики!», когда решение или идея внезапно вспыхивает в сознании. Все элементы, казалось бы, разрозненные, вдруг складываются в единую картину, возникает четкое видение. Это самый волнующий момент, который часто сопровождается сильным эмоциональным подъемом.

Проверка (Реализация): После озарения начинается кропотливая работа по воплощению замысла. Идея, какой бы гениальной она ни была, должна быть проверена на прочность, доработана, воплощена в конкретных формах. Здесь подключается та самая «алгебра»: режиссёр начинает думать о мизансценах, актёрах, свете, звуке. Часто в процессе реализации замысел может немного меняться, уточняться, обрастать деталями.


Источники Замысла: Где режиссёр черпает идеи?

Так что же служит толчком для возникновения замысла? Источников может быть множество, и часто они переплетаются:

Личный опыт и переживания: Самые сильные и искренние произведения часто рождаются из личного осмысления мира режиссёром, его боли, радости, вопросов. Автобиографические элементы или просто темы, которые глубоко трогают самого художника, становятся мощным двигателем.

Замысел может возникнуть неожиданно: во время прогулки, во время чтения заметки в газете, во время звука, донесшегося с улицы.

Пример: у художника Василия Сурикова идея картины «Боярыня Морозова», как утверждал сам Суриков, возникла после того, как он увидел в сугробе ворону с распростертыми крыльями, примёрзшую к снегу. Эта картина поразила его своей трагической выразительностью и дала толчок к созданию образа мятущейся, но непоколебимой Морозовой, прикованной к саням.

Социальные и политические события: Режиссёр, как чуткий барометр общества, реагирует на происходящее вокруг. Замысел может родиться из желания осмыслить важные общественные проблемы, высказаться о несправедливости, поднять острую тему. Искусство часто является зеркалом эпохи.

Вдохновение от других произведений искусства: Чтение книги, просмотр фильма, посещение выставки или концерта могут стать отправной точкой. Не для копирования, а для переосмысления, для развития чужой идеи в новом ключе. «А что, если посмотреть на это вот так?»

Научные открытия и философские концепции: Иногда замысел может быть спровоцирован новой теорией, научным прорывом, или глубоким философским вопросом о смысле жизни, смерти, свободе. Режиссёр пытается «экранизировать» или «поставить» абстрактные идеи, сделать их понятными и осязаемыми.

Сновидения и подсознание: Многие художники отмечают, что яркие образы, неожиданные связи, а порой и целые сюжеты приходят к ним во сне или в пограничных состояниях сознания. Подсознание – это кладезь нераскрытых связей и символов.

Заказ или необходимость: Иногда замысел рождается из внешнего заказа, например, постановки классической пьесы. Но даже в этом случае задача режиссёра – найти в ней свое личное отношение, свой уникальный ракурс, чтобы сделать её не просто воспроизведением, а новым художественным высказыванием.


Внутренний мир режиссёра: «Алгебра» личности

Режиссёр – это не просто набор техник, это личность, которая пропускает через себя мир и преобразует его в искусство. Ваш внутренний мир – это ваш главный инструмент:

Эмпатия: Способность сопереживать, понимать чужие эмоции и мотивы.

Наблюдательность: Умение видеть детали, подмечать нюансы в окружающем мире и в поведении людей.

Воображение: Способность создавать новые миры, образы, ситуации.

Интеллект: Аналитические способности, эрудиция, философское мышление.

Эмоциональная глубина: Готовность переживать сложные эмоции и выражать их.

Саморефлексия: Понимание собственных мотивов, чувств, убеждений, что позволяет быть искренним в искусстве и эффективным в работе.


Роль интуиции и рационального мышления

В процессе зарождения замысла особенно важны два аспекта человеческого мышления:

Интуиция: Это способность постигать истину непосредственно, без логических рассуждений. Интуиция – это та самая искра, которая соединяет разрозненные элементы в единое целое, это «чутье», которое ведёт художника. Именно интуиция часто отвечает за моменты озарения.

Рациональное мышление: После того, как интуиция дала толчок, включается разум. Он анализирует, структурирует, проверяет замысел на жизнеспособность, ищет оптимальные пути его воплощения. Именно здесь начинается работа с «алгеброй» – поиск формы, которая наилучшим образом передаст «гармонию» замысла.

Великий режиссёр – это тот, кто умеет гармонично сочетать мощную интуицию с острым аналитическим умом. Он не боится доверять своему внутреннему голосу, но при этом способен критически осмыслить свою идею и найти для нее наиболее точное и выразительное воплощение.


Методы стимуляции креативности и работа с творческими «блоками»

Творчество – это не всегда непрерывный поток вдохновения. Часто режиссёр сталкивается с так называемыми «творческими блоками» – периодами, когда идеи не приходят, нет вдохновения, чувствуется застой. Понимание методов стимуляции креативности и способов преодоления этих блоков является важнейшей практической «алгеброй» для поддержания непрерывного творческого процесса.

Методы стимуляции креативности:

Смена обстановки и впечатлений: Путешествия, посещение новых мест, музеев, выставок, концертов. Выход из рутины помогает «перезагрузить» мозг и открыть новые источники вдохновения.

«Мозговой штурм» и ассоциации: Запись всех приходящих в голову идей, даже самых абсурдных, без цензуры. Создание ментальных карт, цепочек ассоциаций вокруг центральной темы.

Случайные стимулы: Использование случайных слов, изображений, звуков (например, через генераторы случайных чисел или просто открыв книгу на любой странице), чтобы найти новые точки зрения.

Физическая активность: Прогулки, спорт, танцы – физическая активность часто стимулирует работу мозга и способствует появлению новых идей.

«Метод погружения»: Глубокое изучение материала, темы или феномена, связанного с замыслом, сбор максимально широкого спектра информации.

Ведение творческого дневника/блокнота: Регулярная фиксация мыслей, наблюдений, идей, снов. Это помогает отслеживать ход мыслей и не упускать ценные моменты.

Сотрудничество и обмен идеями: Обсуждение с коллегами, единомышленниками. Чужая перспектива может «разблокировать» ваши собственные мысли.

Ограничения: Парадоксально, но иногда искусственные ограничения (например, «сделать фильм без диалогов» или «рассказать историю, используя только два цвета») могут стимулировать креативное мышление и поиск нестандартных решений.


Работа с творческими «блоками» (преодоление застоя):

Признание и принятие: Не паниковать и не винить себя. Творческие блоки – это нормальная часть процесса.

Отдых и перерыв: Иногда лучший способ преодолеть Раздел – это полностью отвлечься от работы, дать мозгу отдохнуть и переключиться.

Возвращение к основам/простым задачам: Если сложная задача не поддается, попробуйте выполнить что-то простое и рутинное, связанное с вашей работой, чтобы «разогреться»

Анализ причин блока: Иногда Раздел вызван страхом неудачи, перфекционизмом, усталостью, личными проблемами. Осознание причины – первый шаг к её преодолению.

Изменение привычной среды/ритуалов: Попробуйте работать в другом месте, в другое время, изменить свой обычный распорядок.

«Метод фонтана»: Если не знаете, что делать дальше, просто «выливайте» всё, что приходит в голову, не критикуя. Это может быть набор слов, рисунков, звуков. Цель – запустить поток, снять внутренний цензор.

Намеренная практика «плохих» идей: Позвольте себе создать что-то намеренно «плохое» или «глупое» Это снимает давление перфекционизма и может неожиданно привести к хорошим идеям.

Многие режиссёры работают в тандеме: однофамильцы «братья» Васильевы (Г. В. и С. А. Васильевы, «Чапаев», братья Коэн (Джоэл и Итан), сёстры Вачовски (Лана и Лилли), дуэт Алов и Наумов, – когда идеи и концепции перевариваются и рождаются в спорах и дискуссиях.

Поэтому для вас, будущих режиссёров, очень важно развивать не только насмотренность и аналитические способности, но и свою чувствительность к миру, свою эмпатию, умение слушать свой внутренний голос и доверять ему. Именно там, в глубинах вашего сознания и подсознания, рождаются те уникальные замыслы, которые однажды превратятся в высокохудожественные произведения. Понимание психологии творчества – это не только путь к вдохновению, но и к устойчивости в профессии. Развивая эти аспекты, вы сможете более эффективно использовать свою «алгебру» для создания «гармоний» и преодолевать трудности на своём творческом пути.


Примеры:

Источники вдохновения:

Личный опыт: Андрей Тарковский часто черпал вдохновение из собственного детства и воспоминаний («Зеркало»).

Социальные явления: Кен Лоуч (Британия) создаёт фильмы, вдохновленные актуальными социальными проблемами и жизнью рабочего класса («Я, Дэниел Блейк»).

Визуальные образы: Тарсем Сингх (США/Индия) часто отталкивается от визуальных концепций, а не от сюжета («Клетка», «Запределье»).

Музыка: Вонг Кар-Вай часто начинает работу над фильмом с выбора музыки, которая задает настроение и ритм повествования («Любовное настроение»).

Сновидения: Многие сюрреалистические и артхаусные режиссёры (например, Дэвид Линч) используют образы из сновидений.

Процесс формирования идеи:

«Мозговой штурм» и ассоциации: режиссёр может собирать идеи, образы, эмоции, которые затем постепенно «кристаллизуются» в единую концепцию.

Инкубация: Идея может «вынашиваться» годами, прежде чем будет готова к воплощению.

Исследование: Для исторических или социально-ориентированных фильмов режиссёр глубоко погружается в материал, собирает факты, свидетельства.


«Пробуждение гения» по Генриху Альтшуллеру

Генрих Альтшуллер – создатель ТРИЗ (Теории решения изобретательских задач).

Эта техника – не эзотерика и не мотивационный лозунг, а конкретная методика системного развития креативного мышления, применимая как в технических, так и в художественных профессиях, включая кино, театр и литературу.


Кто такой Генрих Альтшуллер

Советский инженер, изобретатель, основатель ТРИЗ.

Его подход базируется на анализе тысяч патентов и выявлении закономерностей креативных решений.

Считал, что творчество – не врожденная мистическая способность, а навык, который можно развивать.


Суть техники «Пробуждение гения»

Пробуждение гения – это образное название стадии, когда человек, применяя системные инструменты ТРИЗ, начинает мыслить творчески на уровне «вне шаблонов», подобно изобретателям, художникам или новаторам.

Альтшуллер под «гением» понимает:

Способность выходить за рамки очевидного.

Осознанное использование противоречий как источника прогресса.

Поиск решений через анализ закономерностей, а не слепое вдохновение.


Этапы пробуждения творческого мышления по Альтшуллеру

1. Осознание стереотипов

Выявить, где мышление идёт по привычке.

В кино: клише, избитые драматургические ходы, стандартные персонажи.

2. Работа с противоречием

Найти «конфликт интересов» или проблему, которая кажется неразрешимой.

Пример: зрителю нужна оригинальность, но студия требует кассовости.

3. Применение инструментов ТРИЗ

АРИЗ – алгоритм решения изобретательских задач.

40 принципов изобретательства – каталог методических приёмов, многие применимы в искусстве.

4. Генерация нестандартных решений

Снятие внутренних ограничений.

Игра с парадоксами, аналогиями, смелыми комбинациями.


Примеры применения в творчестве

Кино:

Противоречие: хочется показать глубокий философский сюжет, но массовый зритель не готов к сложной форме.

Решение (по ТРИЗ): внедрение многослойного повествования – поверхностный сюжет + скрытые смыслы (пример – «Начало» Нолана).

Литература:

Проблема: описать внутренний мир героя, не прибегая к затянутым монологам.

Принцип ТРИЗ: «Переход в другое измерение» – использование снов, символов, отражений.

Театр:

Конфликт: ограниченное сценическое пространство и желание показать масштабное действие.

Решение: минималистичная сценография, работа со светом, проекциями, которые расширяют восприятие пространства (пример – театр Брука).


5. Некоторые из принципов ТРИЗ – примеры для искусства

Вот некоторые из принципов, которые можно адаптировать:


Принцип

Применение в искусстве


Разделение

Параллельные сюжетные линии, монтажная структура.


Объединение

Слияние жанров: драма + фантастика.


Инверсии

Переворачивание привычного: антигерой становится героем.


Динамичность

Изменяемая сценография, интерактивное пространство.


Использование посредника

Персонаж-наблюдатель, через которого раскрывается действие.


Как тренировать «Пробуждение гения»

Постоянно искать противоречия и не убегать от них.

Применять принципы ТРИЗ в сценариях, постановках, концептах.

Анализировать нестандартные решения других мастеров.

Вести «журнал идей», даже самых смелых и парадоксальных.


Применение ТРИЗ в режиссуре

Вместо поиска идей через «ассоциации», необходимо выявлять технические противоречия проекта:

Выявление противоречия: Пример: «Чтобы передать масштаб трагедии, мне нужна массовка в 1000 человек (Требование А), но бюджет позволяет нанять только 10 (Ограничение Б)».


Традиционный подход: Искать деньги или упрощать сцену.

ТРИЗ-подход: Разрешение противоречия в пространстве или времени.


Применение приёмов разрешения противоречий (на базе АРИЗ):


Принцип «Вынесения»: Убрать объект из кадра, оставив его звуковую проекцию. Масштаб трагедии передаётся через аудио-контрапункт, физическое присутствие 1000 человек не требуется.

Принцип «Инверсии»: Вместо того чтобы показывать толпу, показать одного человека, чья реакция на невидимую толпу создаёт эффект масштаба.

Принцип «Посредника»: Использовать зеркала, тени или цифровое размножение (если это оправдано концепцией).


Алгоритм АРИЗ для творческих задач

АРИЗ – это пошаговый протокол деконструкции «блока»:

Шаг 1. Формулировка Идеального Конечного Результата (ИКР): Функция выполняется, но объект отсутствует.


В режиссуре: Эмоция зрителем получена, но дорогостоящий/сложный ресурс для этого не затрачен.


Шаг 2. Анализ ресурсов (ВПР – Вещественно-полевых ресурсов): Какие элементы кадра (свет, звук, фактура, оптика) уже есть в системе и могут взять на себя функцию недостающего элемента?

Шаг 3. Устранение физического противоречия: Изменение свойств системы.


Пример: Кадр должен быть одновременно статичным (для передачи скуки) и динамичным (для передачи внутренней тревоги).

Решение: Статичная композиция при сверхбыстром внутрикадровом движении мелких частиц (пыль, дождь) или динамический свет в статичной декорации.


Вещественно-полевые ресурсы (ВПР)

Вещественно-полевые ресурсы (ВПР) в ТРИЗ (Теории решения изобретательских задач) – всё, что находится внутри или вокруг технической системы и может быть использовано для улучшения, устранения недостатков или решения изобретательской задачи без существенного усложнения системы.

Использование ВПР – ключевой принцип, позволяющий повысить идеальность системы, то есть получить «больше функции за меньшие деньги/ресурсы». В процедурах АРИЗ поиск ВПР – это шаг, направленный на решение противоречия.

В кинопроизводстве использование ВПР (Вещественно-Полевых Ресурсов) – это основа магии кадра, особенно в условиях ограниченного бюджета. Вместо того чтобы покупать дорогое оборудование или строить сложные декорации, киношники используют то, что уже есть «под рукой».

Вот несколько примеров по категориям:

1. Вещественные ресурсы (В)

1

Использование локации «как есть»:

Съемка в заброшенном здании вместо строительства декораций (использование ресурса пространства и вещества).

2

Подручные отражатели:

Вместо профессионального светового оборудования — лист белого пенопласта или обычная простыня, чтобы подсветить лицо актера.

3

Пищевые продукты:

Использование кукурузного сиропа и красителя вместо дорогой бутафорской крови.

4

Мусор как декорация:

В фильме «Район №9» или «Безумный Макс» реальный металлолом и старые запчасти использовались для создания аутентичного мира будущего.

2. Полевые ресурсы (П) — Энергия

1

Естественный свет (Гравитационное/Световое поле):

Съемка в «режимное время» (золотой час на закате), чтобы получить идеальный свет бесплатно.

2

Ветер (Механическое поле):

Использование естественного ветра для динамики волос или одежды в кадре вместо установки мощных вентиляторов.

3

Тепло и влага:

Съемка сразу после дождя. Мокрый асфальт (вещество) идеально отражает свет (поле), делая картинку «глубокой» и кинематографичной.

3. Пространственно-временные ресурсы

Массовка из съемочной группы: Когда оператор, гример или ассистент встают на задний план, чтобы изобразить прохожих (ресурс «лишних людей» на площадке).

Эффект Кулешова (Время и Порядок): Использование монтажа для создания эмоции. Актер просто смотрит в никуда, а зритель «считывает» голод, если следующим кадром идет тарелка супа, или грусть, если гроб. Ресурс здесь — воображение зрителя.

Форсированная перспектива (Пространство): В «Властелине колец» хоббитов делали маленькими, просто ставя актеров на несколько метров дальше от камеры, чем «высоких» персонажей, хотя в кадре кажется, что они рядом.

4. Информационные ресурсы

Звуковой дизайн (Фоли): Использование звука ломающегося сельдерея для имитации хруста костей. Информация (звук) подменяет реальное действие.

Интересный факт: Один из самых известных примеров ВПР в кино — фильм «Челюсти». Когда механическая акула сломалась, Спилберг начал показывать её «присутствие» через музыку и плавающие бочки. Он использовал информационный ресурс (нагнетание страха), что сделало фильм страшнее, чем если бы мы видели куклу.


Вывод

Техника Альтшуллера – инструмент не для пассивного вдохновения, а для структурированной работы с воображением, которая «пробуждает» творческое мышление до уровня профессионального новаторства.


Задачи/Упражнения:

«Дневник вдохновения»: В течение недели фиксируйте все, что вас задевает, вызывает эмоции, заставляет задуматься: увиденную сцену на улице, услышанный разговор, прочитанную новость, фотографию, мелодию. Попробуйте каждую запись оформить как потенциальную «затравку» для будущего произведения, обозначив основную эмоцию или идею.

«Визуализация замысла»: Выберите одну из ваших идей (из предыдущих заданий или новую). Попробуйте выразить её не словами, а ассоциативным рядом: подберите 3-5 изображений, 1-2 музыкальных фрагмента, опишите 1-2 звуковых ощущения, которые, по вашему мнению, передают суть вашего замысла.

Задача 1: Выберите один из фильмов, которые мы обсуждали сегодня. Попробуйте найти в нём «замысел» и проанализировать, как режиссёр использовал принципы ТРИЗ для его воплощения.

Задача 2: Возьмите любую известную сказку. Используйте принципы ТРИЗ, чтобы создать из неё новый, оригинальный замысел для фильма.

Задача 3: «Оптимизация замысла». Студенту дается сцена и вводится жёсткое ограничение (например, «запрет на использование лиц актёров»). Студент должен применить алгоритм ТРИЗ, чтобы сохранить смысл сцены (Гармонию) через доступные ресурсы (Алгебру).


Итог: ТРИЗ в режиссуре – это не способ «придумать что-то новенькое», а способ сохранить концептуальную целостность при столкновении с реальностью производства. Только такая подача устраняет противоречие между «интуицией» и «строгой логикой», делая интуицию управляемым процессом.


Рекомендуемая литература

Мэмет Д. О режиссуре фильма. – Москва: Новое литературное обозрение, 2005.

К.С. Станиславский. Работа актёра над собой. – Москва: «АСТ», 2018.

Александр Митта. Кино между адом и раем. – Москва: АСТ, 2019.

Алтшуллер Г. С. Творчество как точная наука. Теория решения изобретательских задач. – Москва: Сов. радио, 1979.

Кракауэр З. Теория кино. Искупление физической реальности. – Москва: Искусство, 1974.

Г. Рид. Краткая история немого кино. – Москва: Искусство, 1968.

Козинцев Г. Творчество и режиссура. – Москва: 1962.

Кэмпбелл Дж. Тысячеликий герой. – Москва: АСТ, 2004 (переизд. 2017).

Юнг К. Г. – Москва: – Москва: Канон+, 1996; – Москва: Академический проект, 2019.


Занятие 6: Тема и Идея. Фабула и Сюжет

Сегодня мы поговорим о фундаментальных понятиях, без которых невозможно создать осмысленное и глубокое произведение, будь то фильм, сериал или даже рекламный ролик. Речь пойдёт о теме и идее.


Что такое тема?

Тема – это предметное поле произведения, та сфера человеческой жизни, явления или конфликт, на которые обращает внимание автор. Это то, о чём произведение. Это своего рода универсальная, часто абстрактная категория, которая затрагивает общечеловеческие проблемы, понятия или конфликты. В теме всегда заложен фокус: социальный, психологический, исторический, бытовой, философский.

Это может быть:

4

любовь;

5

дружба;

6

предательство;

7

смерть;

8

справедливость;

9

месть;

10

власть.

Тема отвечает на вопрос: "О чём это произведение в глобальном смысле?". Например, фильм "Крёстный отец" – это не просто история про мафию, его основная тема – власть и коррупция, семья и утрата моральных принципов.

«Иваново детство» (А. Тарковский, 1962) – тема детства, отнятого войной.

«Список Шиндлера» (С. Спилберг, 1993) – тема Холокоста и человеческого гуманизма.

«Паразиты» (Пон Джун-хо, 2019) – тема социального неравенства и классового конфликта.


Что такое идея?

Идея – это то, что автор хочет сказать о своей теме. Это авторское осмысление темы, философский вывод, который автор делает и предлагает зрителю. Это его позиция, его отношение к проблеме, которую он поднимает. Идея всегда конкретна и уникальна. Она отвечает на вопрос: "Зачем автор снял этот фильм? Какую мысль он хочет донести?

Идея всегда конкретнее и глубже темы. Она связана с позицией режиссёра, сценариста, художника. В идее проявляется смысл произведения.

Если тема – это "любовь", то идея может быть такой: "Настоящая любовь требует жертв", или "Любовь может спасти человека от одиночества", или, наоборот, "Любовь – это иллюзия, которая обрекает на страдания".

Идея – это авторский комментарий к теме. Именно она придаёт произведению глубину и уникальность. Без идеи произведение может быть зрелищным, но останется пустым.


Примеры:

Фильм "Побег из Шоушенка" (Фрэнк Дарабонт, 1994)

Тема: Надежда, вера, свобода.

Идея: Надежда и вера в лучшее способны сохранить человеческое достоинство и волю к жизни даже в самых невыносимых условиях.

Фильм "Матрица" (братья Вачовски, 1999)

Тема: Реальность и её восприятие, свобода воли, бунт против системы.

Идея: Наша реальность может быть иллюзией, и только осознанный выбор и борьба за истинную свободу делают нас по-настоящему людьми.

Фильм "Джокер" Тодд Филлипс, 2019)

Тема: Одиночество, социальное неравенство, безумие.

Идея: Социальная несправедливость и отчуждение могут довести человека до безумия и превратить его в монстра, которому нечего терять.

Фильм «Летят журавли» (Михаил Калатозов, 1957)

Тема: Война и личная судьба человека в её потоке.

Идея: Любовь и человечность выше разрушительной силы войны.

Фильм «Иваново детство» (Андрей Тарковский, 1962)

Тема: детство, отнятое войной.

Идея: Война не имеет права на существование, потому что она разрушает невинное

Фильм «Список Шиндлера» (Стивен Спилберг, 1993)

Тема: Холокост и человеческий гуманизм.

Идея: Один человек способен изменить судьбу сотен и противостоять злу.

Фильм «Паразиты» (Пон Джун-хо, 2019)

Тема: социальное неравенство и классовый конфликт.

Идея: Общество, основанное на жёстком классовом разделении, обречено на конфликт и насилие


Вывод:

Тема – о чём произведение.

Идея – зачем оно создано, какой вывод предлагает автор.

Они существуют в неразрывном единстве: тема задаёт материал, а идея формирует его смысловую энергию.


Пример в учебной практике

Возьмём студенческий короткометражный фильм о подростке:

Тема: взросление и поиск себя.

Идея: «Человек становится личностью, когда учится делать выбор и отвечать за него».


Сравнительная таблица: Тема и Идея аудиовизуального произведения


Категория

Тема

Идея


Определение

Предметное поле произведения, сфера жизни, явление или конфликт, которые рассматривает автор.

Авторское осмысление темы, главный смысл и вывод, ради которых создано произведение.


Вопрос

О чём фильм?

Зачем снят фильм? Какую мысль автор доносит?


Характер

Более широкая, общая, может быть многозначной.

Конкретная, целевая, содержит авторскую позицию.


Функция

Организует материал произведения, задаёт проблемное поле.

Определяет смысл, формирует воздействие на зрителя.


Примеры (кино)

«Война и судьба человека» (Летят журавли)

«Любовь и человечность сильнее войны».


«Детство, отнятое войной» (Иваново детство)

«Война разрушает самое невинное – детство».


«Холокост и судьба евреев» (Список Шиндлера)

«Один человек способен спасти сотни и противостоять злу».


«Социальное неравенство» (Паразиты)

«Классовое разделение ведёт к конфликту и трагедии».


В учебной практике

Тема: взросление подростка.

Идея: личность рождается через выбор и ответственность.


Роль для режиссёра

Определяет сюжетное и визуальное поле.

Определяет авторский стиль, эмоциональный и философский уровень.


Методический акцент для студентов:

Начинать работу с темы (широкий замысел), но всегда доводить до идеи (осмысленный вывод).

Хороший фильм всегда можно пересказать через формулу: «Тема – это про что. Идея – это зачем».


Примеры фильмов с сильной темой, но слабой идеей

1. «Трансформеры» (реж. М. Бэй, 2007–2017)

Тема: столкновение человека и технологии, угроза глобальной войны, дружба и предательство.

Идея: внятной философской идеи почти нет; всё сводится к схеме «доброе добро против злого зла» с примесью патриотической риторики.

Для анализа: студенты могут увидеть, что при зрелищной теме (техногенные мифы XXI века) отсутствует настоящая авторская мысль.


2. «2012» (реж. Р. Эммерих, 2009)

Тема: глобальная катастрофа, судьба человечества перед лицом апокалипсиса.

Идея: редуцирована до банальной морали «главное – семья» и «человечество должно объединиться».

Для анализа: тема грандиозна (выживание цивилизации), но идея поверхностна и не раскрывает глубинных смыслов.


3. «Парк юрского периода: Мир юрского периода» (2015, реж. К. Треворроу)

Тема: человек и природа, опасности генной инженерии.

Идея: сведена к «не будите монстров», что превращает фильм в аттракцион без нового философского слоя.

Для анализа: студенты видят, что мощный архетипический материал (Прометей, техногенный миф) может быть использован лишь как фон для зрелища.


4. «Армагеддон» (реж. М. Бэй, 1998)

Тема: спасение Земли от астероида, самопожертвование.

Идея: в глубине – шаблонный патриотизм и мелодраматический пафос.

Для анализа: показательный пример, как «великая тема» (гибель планеты) растворяется в конвенциях жанра.


5. «Игра престолов» (последние сезоны, HBO, 2017–2019)

Тема: борьба за власть, цикличность истории, цена предательства.

Идея: к финалу размывается, многие линии не получают философского завершения.

Для анализа: хороший пример, как при мощной теме (власть, война, судьба) отсутствие ясной идеи вызывает разочарование аудитории.


Упражнение:

Выбрать фильм с сильной темой и слабой идеей.

Сформулировать, какая могла бы быть сильная идея, если бы режиссёр захотел придать глубину.


Задачи в работе над темой и идеей

Задание 1: Анализ

Выберите один из этих фильмов: "Форрест Гамп", "Бойцовский клуб" или "Интерстеллар". Посмотрите его и письменно ответьте на вопросы:

Какова основная тема фильма?

Какую идею автор вложил в своё произведение?

Обоснуйте свою точку зрения, приведя конкретные сцены или диалоги из фильма.


Задание 2: Практическая работа

Представьте, что вы сценарист. Перед вами две темы: "предательство" и "прощение". Придумайте две разные идеи для каждой из тем, а затем напишите короткую синопсис (краткое изложение сюжета) для одного из этих четырёх вариантов.

Например, для темы "предательство" можно придумать такие идеи:

"Предательство неизбежно влечёт за собой разрушение отношений и невозможность доверия в будущем".

"Предательство, совершённое ради спасения близкого человека, может быть оправдано, но имеет свою цену".

Этапы работы над темой и идеей:

Определить предмет рассмотрения (тема). Например: «семья», «война», «искусство», «природа человека».

Найти конфликт – без него тема останется абстрактной.

Сформулировать авторскую позицию (идея). Это мысль, ради которой произведение существует.

Перевести идею в аудиовизуальный образ – через драматургию, монтаж, цвет, ритм, музыку.


Фабула и Сюжет

Эти два понятия – основа любой истории, но их часто путают. Фабула – это хронологический порядок событий, «что случилось» Сюжет – это то, как эти события представлены зрителю, «как это было рассказано». Именно с помощью сюжета режиссёр создаёт интригу, напряжение и эмоциональное воздействие. Понимание этой разницы – ключ к созданию осмысленного кино.


Фабула: Скелет истории

Фабула – это голая хронология, каркас, на который нанизывается всё остальное. Она отвечает на вопрос: «Что произошло?» Фабула всегда линейна и не содержит пропусков.

Линейность. События идут одно за другим, как в дневнике. Например, утром герой проснулся, позавтракал, поехал на работу, встретил коллегу.

Функция. Фабула создаёт логическую основу. Если её нарушить, история станет бессвязной.

Пример. В фильме «Криминальное чтиво» фабула выглядит так:


Бандиты Винсент и Джулс получают задание от босса.

Винсент проводит вечер с женой босса.

Два неудачника пытаются ограбить кафе.

Боксёр Бутч сбегает от гангстеров. Эти истории, хоть и разрозненные, имеют чёткую хронологию.


Сюжет: Драматургический инструмент

Сюжет – это художественная обработка фабулы. Он отвечает на вопрос: «Как это было представлено?» Сюжет может быть нелинейным, он может скрывать информацию от зрителя, чтобы создать интригу.

Нелинейность. Сюжет может начинаться с конца, использовать флешбэки, чтобы показать прошлое, или параллельно вести несколько историй.

Драматургия. Главная цель сюжета – управлять вниманием и эмоциями зрителя. Нелинейность сюжета в «Криминальном чтиве» заставляет зрителя собирать пазл, создавая напряжение.

Пример:


«Криминальное чтиво»: Фильм начинается с разговора двух грабителей в кафе, а затем переключается на другие истории.

«21 грамм»: Режиссёр Алехандро Гонсалес Иньярриту разбросал фабульные события по всему фильму, так что зрителю приходится самостоятельно восстанавливать хронологию. Это создаёт ощущение хаоса и безысходности, что соответствует замыслу фильма.

«Необратимость» (Irreversible): Фильм Гаспара Ноэ построен на обратной хронологии. Зритель видит финал истории в самом начале. Это создаёт гнетущее чувство, потому что мы знаем, чем всё закончится, и бессильны что-либо изменить.

«Круг» (Circle): Весь фильм построен на одной локации и одном событии (люди в кругу). Фабула – последовательность их смертей, а сюжет – их диалоги и попытки понять, что происходит.


Приёмы работы с сюжетом

Флешбэки и флешфорварды. Возвращение в прошлое (флешбэк) или взгляд в будущее (флешфорвард) – отличный способ дать зрителю новую информацию, которая меняет восприятие происходящего. Например, во многих триллерах флешбэк вскрывает мотивы преступника.

Параллельный монтаж. Одновременное развитие нескольких сюжетных линий. Это создаёт напряжение и позволяет сравнить судьбы разных героев. В фильме «Вавилон» Иньярриту показывает, как одно событие в одной стране влияет на жизни людей по всему миру.

«Рамочная» композиция. История, которая начинается и заканчивается в одном и том же месте, а внутри неё рассказывается другая история. Это позволяет зрителю посмотреть на события глазами одного из персонажей.


Разновидности сюжета и их структура

Классический трёхактный сюжет: (Начало – развитие конфликта – развязка)

Линейный сюжет: Когда события разворачиваются в хронологическом порядке.

Нелинейный сюжет: С использованием флешбэков, флешфорвардов и других временных сдвигов.

Эпизодический сюжет: История состоит из отдельных, но связанных между собой эпизодов.

Многосюжетный (многолинейный) фильм: Когда несколько историй идут параллельно и пересекаются (как в «Вавилоне»).


Роль персонажа и его влияние на сюжет

Сюжет не существует в вакууме. Он развивается благодаря действиям и решениям персонажей. Сюжет – это не просто последовательность событий, а то, как эти события влияют на героя.

Мотивация персонажа: Каждое действие героя должно быть мотивировано. Например, в фильме «Джокер» фабула – история человека, который сходит с ума. А сюжет – это последовательность событий, которые заставляют его меняться, и мы понимаем, почему он так поступает. Мотивация персонажа – двигатель сюжета.

Конфликт: Сюжет строится на конфликте.


Внешний конфликт: Борьба героя с антагонистом, природой, обществом.

Внутренний конфликт: Борьба героя с самим собой, своими страхами, сомнениями. Именно внутренний конфликт часто делает героя глубоким.


Арка персонажа: Сюжет – это путь, который проходит герой. В начале он один, в конце – другой. Эта трансформация и есть арка персонажа.


Связь с другими элементами фильма

Сюжет не существует в вакууме. Режиссёр использует все инструменты, чтобы рассказать историю.

Сюжет и жанр: В детективе, например, сюжет всегда строится на интриге и раскрытии тайны, а в хорроре – на нарастании напряжения.

Сюжет и визуальный язык: Сюжетный поворот можно подчеркнуть с помощью света и цвета. Например, когда герой принимает роковое решение, кадр может стать темнее или, наоборот, озариться ярким, неестественным светом.

Сюжет и звук: Звук – мощный инструмент для создания атмосферы. Например, в фильме «Дюнкерк» Кристофера Нолана звуковое оформление (тиканье часов, шум волн) поддерживает напряжение, делая историю более захватывающей.


Пример фильма, где сюжет и фабула совпадают: «12 разгневанных мужчин» – история, которая почти полностью линейна и разворачивается в реальном времени.

Пример с «двойной» фабулой: «Помни» (Memento) – в нём есть две фабулы, одна из которых идёт вперёд, а другая – назад.


36 сюжетов Ж. Польти


«36 сюжетов Польти» (или «Тридцать шесть драматических ситуаций») – это классификация, предложенная французским театроведом и драматургом Жоржем Польти в его книге, впервые опубликованной в 1895 году.

Польти проанализировал огромное количество драматических произведений, от древнегреческих трагедий до современных ему французских пьес, и пришёл к выводу, что все сюжеты, независимо от их жанра, эпохи и культуры, могут быть сведены к 36 основным драматическим ситуациям.

Каждая из этих ситуаций представляет собой базовый конфликт, в котором участвуют определённые персонажи с заданными ролями. Польти детально описывает каждую ситуацию, приводит примеры из классической литературы и театра, а также указывает на "необходимые элементы" (действующие лица).

Многочисленные попытки дополнить этот список, только подтвердили верность исходной классификации основных (или бродячих) сюжетов.


I. Драматические ситуации, связанные с человеческими отношениями

Мольба: Проситель, Преследователь, Власть (которая сомневается в своём решении).

Спасение: Несчастный, Угроза, Спаситель.

Месть за преступление: Преступник, Мститель.

Месть близкому за близкого: Виновный родственник, Мстящий родственник, Память о Жертве (которая является родственником обоим).

Затравленный (Преследуемый): Наказание или Немезида, Беглец.

Внезапное бедствие: Побежденный Властелин, Вестник.

Жертва жестокости или несчастья: Несчастный, Тиран.

Бунт: Тиран, Заговорщик.

Смелый подвиг: Отважный лидер, Объект, Противник.

Похищение: Похититель, Похищенный, Опекун.

Разгаданная загадка: Детектив, Загадка, Искатель.

Получение: Один из партнеров, Второй партнер (оба могут быть победителями или проигравшими), Третий (арбитр).

Вражда близких: Один родственник-ненавистник, Второй родственник-ненавистник.

Соперничество близких: Один родственник-соперник, Второй родственник-соперник, Третий (объект соперничества).

Убийственное прелюбодеяние: Два прелюбодея, Обманутый супруг.

Безумие: Безумец, Жертва.

Роковая неосторожность: Неосмотрительный человек, Жертва.

Невольное преступление любви: Любовник, Возлюбленная, Обнаруживающий.

Убийство близкого, которое не узнают: Невольный убийца, Неизвестная жертва, Разоблачитель.


II. Драматические ситуации, связанные с моральными дилеммами

Самопожертвование во имя идеала: Герой, Идеал, Жертва.

Самопожертвование во имя родных: Герой-жертва, Родственник-жертва.

Жертва страсти: Влюбленный, Влюбленная, Обнаружитель.

Необходимость принести в жертву близкого: Герой, Жертва (близкий), Необходимость.

Соперничество с равным: Соперник, Второй соперник, Предмет соперничества.

Прелюбодеяние: Два прелюбодея, Обманутый супруг.

Преступления любви: Любовник, Любимая, Преступление.

Бесчестие (потеря репутации): Герой, который пал, Обвинитель.

Обнаружение близкого: Обнаружитель, Обнаруженный.

Несовместимая любовь: Влюбленный, Второй влюбленный, Несовместимость.

Потерянный: Потерявший, Потерянный.


III. Драматические ситуации, связанные с личным выбором

Колебание перед долгом: Герой, Долг, Соблазн.

Ревность: Ревнивец, Предмет ревности.

Ошибочное суждение: Ошибающийся, Жертва ошибки, Виновный.

Угрызения совести: Виновный, Жертва (умершая или живая), Наблюдатель.

Возвращение: Возвращающийся, Тот, кого он застал.

Похищение и спасение: Похититель, Похищенный, Спаситель.


Ключевая идея его работы:

Все сюжеты конечны: Несмотря на кажущееся бесконечное разнообразие историй, их можно свести к ограниченному числу базовых конфликтов.

Сюжет как основа: Польти рассматривал эти ситуации как фундаментальные строительные блоки, из которых можно создавать новые произведения, комбинируя и варьируя их.

Практическое руководство: Его книга стала своего рода пособием для писателей, сценаристов и драматургов, помогая им находить идеи для новых сюжетов.


«Необходимые элементы» – архетипичные действующие лица – для всех 36 ситуаций.


Задачи для самостоятельной работы

Возьмите сказку «Красная Шапочка» Перескажите её фабулу в хронологическом порядке. А теперь придумайте нелинейный сюжет: начните с того, как охотник находит Волка, затем покажите флешбэк о том, как Шапочка шла по лесу.

Выберите любой фильм, который вы хорошо знаете. Опишите его фабулу и сюжет. Найдите моменты, где режиссёр использовал нелинейность, чтобы создать напряжение или раскрыть персонажа.

Создание истории: Возьмите три-четыре несвязанных события (например, «разбилась ваза«, «герой нашёл старую фотографию», «пошёл дождь») и создайте на их основе:


Линейный сюжет, в котором события идут в хронологическом порядке.

Нелинейный сюжет, в котором события подаются с помощью флешбэков и флешфорвардов. Объясните, как изменение порядка повлияло на смысл истории.


Анализ персонажа и сюжета: Выберите фильм и проанализируйте, как мотивация главного героя (его желание или цель) влияет на развитие сюжета. Как меняется герой на протяжении истории?

Разбор приёмов: Посмотрите фильм с нелинейным сюжетом (например, «21 грамм» или «Криминальное чтиво»). Отметьте, в каких моментах используются флешбэки или параллельный монтаж. Объясните, почему режиссёр использовал эти приёмы именно в этих местах.


Рекомендуемая литература

Аристотель. Поэтика. – Москва: Наука, 1997.

Эйзенштейн С. М. Избранные произведения в 6 т. (Т. 4. Статьи, заметки, сценарии). – Москва: Искусство, 1964–1971.

Жорж Польти. Тридцать шесть драматических ситуаций. – Москва: Радуга, 1991.

Владимир Пропп. Морфология сказки. Л.: Academia, 1928.

Бела Балаш. Кино. Становление и сущность нового искусства. – Москва: Искусство, 1968.

Жан Митри. Эстетика и психология кино. – Москва: Прогресс, 1978.

Кулешов Л. В. Искусство кино. – Москва: Искусство, 1957.

А. Тарковский. Запечатлённое время. – Москва: Искусство, 1986.

Лотман Ю. М. Семиотика кино и проблемы киноэстетики. Таллин: Александра, 1994.

Олег Аронсон. Кино и философия. От текста к образу. – Москва: Новое литературное обозрение (НЛО), 2003.

Дэвид Бордуэлл, Кристин Томпсон. Искусство кино. Введение в историю и теорию кинематографа. – Москва: Бомбора, 2024.

James Monaco. How to Read a Film. New York: Oxford University Press, 2010.

Сид Филд. Киносценарий: Основы написания. – Москва: Айрис-пресс, 2005.

Роберт Макки. История на миллион долларов: Мастер-класс для сценаристов, писателей и не только. – Москва: Альпина нон-фикшн, 2018.

Линда Сегер. Как хороший сценарий сделать великим. – Москва: Альпина Паблишер, 2019.

Джон Труби. Анатомия истории. – Москва: Альпина Паблишер, 2020.

Джон Йорк. Как написать сценарий. Пять ключей мастерства. – Москва: Альпина Паблишер, 2019.

Кристофер Воглер. Путешествие писателя. Мифологические структуры в кино и литературе. – Москва: Альпина Паблишер, 2017.

Roland Barthes. Image – Music – Text. Hill and Wang, Нью-Йорк, 1977.


Занятие 7: Жанры и Поджанры. Смешение Жанров

Тема нашего очередного занятия – «Жанры и поджанры. Смешение жанров» Жанр – это не просто ярлык, который мы вешаем на фильм. Это своего рода контракт между режиссёром и зрителем. Зритель, покупая билет на триллер, ожидает саспенса, а на комедию – смеха. Сегодня мы разберёмся, как работают эти ожидания, и как современные режиссёры используют смешение жанров как мощный инструмент для создания чего-то нового, глубокого и непредсказуемого.


Жанры: Правила игры

Что такое жанр?

Жанр – это категория произведений, объединённых общими чертами. Эти черты могут касаться сюжета, персонажей, тем или даже визуального стиля. Мы все интуитивно понимаем жанры.


Академическая формулировка термина «жанр»

Жанр – это исторически сложившаяся система художественных конвенций, включающая устойчивые темы, мотивы, композиционные модели, типы персонажей и стилистические приёмы, которая обеспечивает предсказуемость и узнаваемость произведения для аудитории.


«Система художественных конвенций»

Конвенция (от лат. conventio – соглашение) в эстетике и литературоведении – это устойчивое правило, условность или договорённость между автором и зрителем/читателем о том, как следует понимать произведение.

Когда мы говорим о жанре как о «системе художественных конвенций», имеем в виду, что:

Каждый жанр задаёт набор правил:


как строится сюжет (например, в детективе всегда есть загадка и расследование),

какие типы персонажей допустимы (ковбой в вестерне, вампир в готике),

какой стиль повествования используется (например, эпос – возвышенный, хроника – сухой).


Эти правила – условные, но они понятны зрителю.


В вестерне герой может в одиночку победить целую банду – зритель принимает это как норму жанра.

В комедии возможны нелепые совпадения и абсурд – зритель готов смеяться, а не требовать «реализма».


Система = совокупность конвенций, образующих целостное ожидание.


Если режиссёр снимает фильм ужасов, зритель «ждёт» темноты, напряжённого звука, пугающих ситуаций.

Эти ожидания – и есть результат действия жанровых конвенций.


Пример:

В мюзикле конвенция: персонажи могут внезапно начать петь и танцевать, и это не требует оправдания.

В нуаре конвенция: герой-одиночка, мрачная атмосфера, цинизм – зритель ждёт именно этого.

В артхаусе конвенция: сюжет может быть неочевидным, открытым, «незавершённым» – зритель готов принять отсутствие развязки.


Таким образом, «система художественных конвенций» = совокупность негласных правил, делающих жанр узнаваемым и отличимым.


Основные жанры в искусстве, особенно в кино и литературе, включают:

1. Основные жанры

Драма: Сосредоточена на реальных человеческих переживаниях и конфликтах. Цель – вызвать у зрителя сопереживание.

Комедия: Направлена на то, чтобы рассмешить зрителя. Использует юмор, сатиру и иронию.

Триллер: Создаёт напряжение, саспенс и ожидание. Часто имеет запутанный сюжет и неожиданные повороты.

Ужасы: Цель – напугать зрителя. Использует элементы сверхъестественного, насилия или психологического давления.

Фантастика: Рассказывает о вымышленных мирах, технологиях или событиях, которые невозможны в реальности.

Боевик: Основан на активных действиях, схватках, преследованиях и спецэффектах.

Мелодрама: Сосредоточена на эмоциональных отношениях, любви и страдании героев.

Мюзикл: Сочетает музыку, песни и танцы с повествованием.


Жанровые ожидания: Зритель приходит в кинотеатр с определённым набором ожиданий. Если в начале фильма появляется космический корабль, мы сразу понимаем, что это научная фантастика. Если звучит напряжённая музыка и кто-то прячется в тёмной комнате – это, скорее всего, триллер.

Ужасы: Мы ждём, что нас будут пугать.

Комедия: Мы ждём, что будет смешно.

Мелодрама: Мы ждём, что будет много чувств и переживаний.


Пример: Фильм «Чужой» (1979) Ридли Скотта – это идеальный пример чистого жанра. Он берёт все клише космической фантастики (корабль, экипаж, неизведанная планета) и смешивает их с элементами хоррора. В результате мы получаем чистый жанр – космический хоррор, который работает безупречно, потому что полностью оправдывает ожидания зрителя.


2. Поджанры

Поджанр – это более узкая, специфическая категория внутри жанра.

Триллер может быть психологическим триллером («Молчание ягнят»), политическим триллером («Вся президентская рать») или детективным триллером («Семь»).

Фантастика может быть киберпанком («Бегущий по лезвию»), стимпанком или космической оперой («Звёздные войны»).


Киберпанк – это поджанр научной фантастики, который фокусируется на мире высоких технологий и низкого уровня жизни. Он представляет собой антиутопическое будущее, где могущественные корпорации и искусственный интеллект контролируют общество, а главные герои – изгои и хакеры, борющиеся с системой.


Основные черты киберпанка

Высокие технологии, низкий уровень жизни. Это ключевое противоречие жанра. В киберпанке мир наполнен передовыми технологиями, кибернетическими имплантатами и искусственным интеллектом, но при этом общество страдает от бедности, коррупции и социального неравенства.

Атмосфера нуара. Визуальная эстетика киберпанка вдохновлена нуаром: тёмные, дождливые улицы, неоновые огни, мрачные мегаполисы, которые никогда не спят.

Кибернетика и тело. Тема модификации человеческого тела с помощью технологий – одна из центральных в жанре. Персонажи часто имеют кибернетические имплантаты, которые дают им сверхспособности, но при этом могут угрожать их человечности.

Хакеры и корпорации. Противостояние между одинокими хакерами и всемогущими корпорациями – типичный сюжет. Корпорации заменяют государства и контролируют все аспекты жизни, а хакеры – это современные борцы за свободу.


Примеры киберпанка

Литература: Романы Филипа К. Дика («Do Androids Dream of Electric Sheep?», 1968) и Уильяма Гибсона («Нейромант») считаются предтечей жанра.

Кино:


«Бегущий по лезвию» (1982) – фильм, который определил визуальную эстетику жанра.

«Матрица» (1999) – кинолента, исследующая реальность и виртуальный мир.


Видеоигры: Серия игр «Deus Ex» и «Cyberpunk 2077» являются яркими представителями киберпанка.

Таким образом, киберпанк – это не просто жанр, а мрачное предостережение о будущем, где технологии могут как расширить возможности человека, так и поработить его.


Стимпанк – это поджанр научной фантастики, который сочетает технологии и эстетику XIX века, в частности, паровые машины, с элементами научной фантастики.


Основные черты стимпанка

Технологии и эстетика: В стимпанке технологии основаны на паровых двигателях, механике и сложных часовых механизмах. Визуально это проявляется в обилии шестерёнок, медных труб, паровых машин, дирижаблей и механических протезов.

Эпоха: Действие чаще всего разворачивается в альтернативной викторианской эпохе или в мире, который напоминает XIX век. Это может быть Лондон, где по небу летают дирижабли, или Дикий Запад с паровыми роботами.

Социальный контекст: Часто стимпанк исследует социальные и технологические проблемы, характерные для XIX века, но через призму фантастики. Например, классовое неравенство, индустриализация и её последствия.


Примеры стимпанка

Литература: Романы Жюля Верна и Герберта Уэллса считаются предтечами стимпанка. В более современном виде жанр представлен в романах Уильяма Гибсона и Брюса Стерлинга «Машина различий» (The Difference Engine).

Кино:


«Дикий, дикий Запад» (1999) – фильм, который идеально передаёт эстетику стимпанка, где на Диком Западе используются паровые танки и паукообразные машины.

«Город потерянных детей» (1995) – фильм, в котором стимпанк сочетается с элементами фэнтези.


«Тайна острова Бэк-Кап» (1958). Фильм снят по мотивам произведений Жюля Верна, который считается предтечей этого жанра. Режиссёр Карел Земан использовал уникальную визуальную стилизацию, объединив актёрскую игру с рисованной анимацией, имитирующей старинные книжные гравюры. Благодаря обилию паровых машин, механических устройств и дирижаблей, фильм стал одним из ранних и ярких примеров стимпанка в кино. (Надо иметь в виду, что термин «стимпанк» появился только в 1980-х.)

Видеоигры: Серия игр «BioShock» и игра «Dishonored» являются яркими примерами стимпанка.

Таким образом, стимпанк – это не просто жанр, а целая культурная вселенная, где ретро-футуризм и романтика эпохи пара сочетаются с элементами авантюры и философии.


Отличие «ретрофутуризма» от «строгого стимпанка»

1. Строгий стимпанк

Историческая рамка: жёстко укоренён в викторианской эпохе (середина XIX века, Англия и индустриальная Европа).

Технологическая база: паровые двигатели, механика, сложные шестерёнки, паровые автоматы. Электричество почти отсутствует или играет второстепенную роль.

Эстетика: индустриальная романтика, утопия или антиутопия индустриального прогресса, часто мрачноватая.

Кино-примеры:


«Дикое, дикое Запад» (Wild Wild West, 1999) – чистый стимпанк, хоть и пародийный.

«Город потерянных детей» (La Cité des enfants perdus, 1995).


2. Ретрофутуризм

Историческая рамка: шире – может отсылать не только к XIX веку, но и к другим эпохам. Это всегда сочетание «прошлого образа будущего».

Технологическая база: использует архаичные представления о будущем. Например:


1930-е – ракеты с заклёпками и ламповыми панелями.

1950-е – «атомный оптимизм»: роботы, космолёты с плавными линиями в стиле ар-деко.

1970-е – компьютеры с перфокартами, но в «будущем мире».


Эстетика: не обязательно связана с паром – могут быть электроника, атомная энергия, даже космос. Главное – ностальгическое будущее, которое устарело, но подано как альтернативная реальность.

Кино-примеры:


«Небесный капитан и мир будущего» (Sky Captain and the World of Tomorrow, 2004).

«Бразилия» Терри Гиллиама (1985).

В игровой культуре – «Fallout» (альтернативное будущее в эстетике 1950-х).


Главное различие

Стимпанк = всегда викторианский XIX век + паровая энергия.

Ретрофутуризм = любое «альтернативное будущее прошлого» (будь то XIX, 1930-е или 1950-е), основанное на устаревших представлениях о будущем.

Иными словами:


все стимпанки – ретрофутуризм,


но не каждый ретрофутуризм – стимпанк.


Смешение жанров: Нарушение правил

1. Что такое смешение жанров?

Смешение жанров (или гибридизация) – это сочетание элементов разных жанров в одном произведении. Это постмодернистский приём, который позволяет режиссёру создавать что-то новое, неожиданное и более сложное.


Зачем это нужно?

Новизна: Комбинируя жанры, можно создать уникальную эстетику. Например, если смешать мюзикл с вестерном, мы получим что-то, что зритель ещё не видел.

Глубина: Смешение жанров позволяет исследовать сложные темы. Фильм ужасов может стать платформой для разговора о социальной несправедливости (как в «Прочь»).

Примеры:

«Бегущий по лезвию» (1982) – это не просто научная фантастика. Это научно-фантастический нуар. От нуара фильм взял атмосферу обречённости, детективный сюжет и роковую женщину. От научной фантастики – футуристические декорации и философские вопросы о человечности.

«Бесславные ублюдки» (2009) – Квентин Тарантино смешал военную драму, комедию и вестерн. Серьёзные сцены соседствуют с абсурдом, а саспенс – с чёрным юмором.

«Игла» Рашида Нугманова – это фильм, который активно использует музыкальные клипы и музыкальную драматургию, что роднит его с мюзиклом, но не делает им.

Классический мюзикл: В нём музыка и песни являются частью сюжета. Персонажи поют, чтобы выразить свои чувства или продвинуть историю.

Фильм «Игла»: Музыка группы «Кино» является не частью сюжета, а его атмосферной и идейной основой. Песни звучат как комментарий к происходящему, как голос эпохи и как выражение внутреннего мира главного героя.

Таким образом, «Игла» – это не мюзикл, а рок-драма с элементами арт-кино. Он смешивает жанры боевика, драмы и музыкального видео, что делает его ярким примером постмодернистского подхода к кино.


2. Как работать со смешением жанров?

Принцип доминанты: В любом смешении жанров один из них, как правило, является основным. Например, в «Зомби по имени Шон» (2004) основной жанр – комедия, а зомби-апокалипсис – это лишь фон, чтобы сделать шутки более абсурдными.

Ироническое смешение: Режиссёр может использовать жанровые клише, но с иронией, чтобы посмеяться над ними или дать им новый смысл.

Смешение для раскрытия темы: В фильме «Дом у озера» (2006) смешиваются мелодрама и фантастика, чтобы исследовать тему времени и судьбы.


Постмодернизм и смешение жанров

Постмодернизм – это не просто приём, а целая культурная философия, которая лежит в основе современного искусства.

Цитирование и аллюзии: Постмодернистские фильмы часто цитируют и отсылают к классическим произведениям, создавая многоуровневый диалог с культурой.

Разрушение границ: Смешение жанров – это один из способов разрушить традиционные границы и создать что-то новое.


Эволюция жанров

Жанры не статичны. Они развиваются вместе с обществом.

Жнры реагируют на изменения в обществе: Например, классический вестерн (где «хорошие парни» всегда побеждали) сменился «ревизионистским вестерном» (например, «Джанго освобождённый»), который исследует расовые и социальные проблемы.

Новые технологии создают новые жанры: С появлением спецэффектов и компьютерной графики стало возможным создание таких жанров, как космическая опера.


Ансамблевость как структура повествования

Ансамблевый фильм – это не жанр, а структурный подход к истории, где нет одного главного героя. Повествование строится вокруг нескольких персонажей, которые имеют примерно равное значение для сюжета. Их истории часто переплетаются и влияют друг на друга. Цель такого подхода – показать сложное, многогранное явление через призму разных судеб.


Жанры, в которых ансамблевость особенно популярна

Ансамблевые фильмы могут быть сняты в самых разных жанрах, но есть те, где этот подход наиболее органичен.

Драма: Это, пожалуй, самый распространённый жанр для ансамблевых фильмов. Например, в фильме «21 грамм» истории трёх героев – матери, математика и бывшего преступника – переплетаются, чтобы показать сложность человеческой судьбы и моральных выборов.

Комедия: Ансамблевые комедии часто строятся на взаимодействии группы друзей или коллег. Отличный пример – сериал «Друзья», где каждый из шести главных героев является равноправным участником сюжета.

Боевик: В этом жанре ансамблевость используется для создания команд. Например, в фильме «Мстители» каждый супергерой имеет свою арку и свой вклад в общий сюжет.


Почему не «жанр»?

Сам термин «ансамблевый фильм» описывает не тематику или эмоциональный тон произведения, а распределение ролей и структуру сюжета. Например, «Мстители» – это ансамблевый боевик, а «Друзья» – ансамблевая комедия. Ансамблевость – это инструмент, который режиссёр может использовать для создания определённого эффекта в рамках выбранного жанра.

Таким образом, вместо того чтобы говорить «ансамблевый жанр», лучше говорить «ансамблевый фильм» в рамках жанра. Это позволяет более точно описать и содержание, и структуру произведения.


Задачи для самостоятельной работы

Выберите два разных жанра, которые, на ваш взгляд, совершенно не сочетаются (например, мюзикл и вестерн). Придумайте синопсис фильма, где эти жанры смешиваются. Опишите главного героя, место действия и основную идею.

Выберите любой фильм, который вы хорошо знаете. Определите, какие жанры в нём смешиваются и как это влияет на восприятие сюжета.

Анализ смешения жанров: Выберите фильм, где жанры смешиваются (например, «Джанго освобождённый» Тарантино). Определите, какие жанры в нём сочетаются и как это влияет на восприятие сюжета.

Анализ поджанра: Выберите поджанр (например, киберпанк или стимпанк) и найдите в нём отличительные особенности. Объясните, как эти особенности влияют на сюжет и атмосферу фильма.


Рекомендуемая литература

Фредерик Джеймисон. Постмодернизм, или культурная логика позднего капитализма. – Москва: Изд-во ИНИОН РАН, 1998.

Жан Бодрийяр. Симулякры и симуляция. – Москва: Изд-во «Добросвет», 2015.

Умберто Эко. Роль читателя: исследования по семиотике текста. СПб.: Symposium, 2005.

Роберт Макки. История на миллион долларов. – Москва: Альпина Паблишер, 2016.

Тодоров Ц. Введение в фантастическую литературу. СПб.: Азбука, 1999.

Бахтин М. М. Формы времени и хронотоп в романе. (в «Вопросы литературы и эстетики»). – Москва: Художественная литература, 1975.

Джанетт Ж. Фигуры. Т. 1–2. – Москва: Изд-во им. Сабашниковых, 1998.

Соболев Н. А. История киноязыка. – Москва: Искусство, 1983.


Раздел 4. Работа с литературным материалом

Занятие 8: Концепция Фильма и Принцип Троичности

Концепция фильма – это всеобъемлющее видение режиссёра, которое трансформирует исходный замысел в целостное художественное произведение. Это не просто пересказ сюжета, а сложная система образов, смыслов, стилистических решений и эмоциональных состояний. Если замысел – это искра, мимолетная идея, которая рождается из наблюдения, переживания или вопроса к миру, то концепция – это детальная карта, которая ведёт всю съемочную группу к реализации этой искры на экране.


Что прежде всего должен делать режиссёр?

При разработке концепции, режиссёр должен задавать себе ряд ключевых вопросов, которые позволяют структурировать замысел и наполнить его содержанием. Вот на что нужно обратить внимание в первую очередь:

Сверхзадача. Первый и самый главный вопрос, который должен задать себе режиссёр: «Что я хочу, чтобы зритель почувствовал и понял, выйдя из кинотеатра?». Это не то, что вы хотите сказать, а то, что зритель должен усвоить. Режиссёрская сверхзадача – это основная мысль, эмоциональный посыл, который пронизывает весь фильм. Он ведёт за собой всю команду, помогает принимать решения от выбора декораций до работы с актёрами.

Жанр и стиль. Какой жанр лучше всего подходит для передачи вашей идеи? Жанр – это не просто ярлык. Это система правил и ожиданий, которые режиссёр может использовать, чтобы вызвать определённые эмоции у зрителя. Например, в триллере напряжение создаётся за счёт саспенса и ограниченной цветовой палитры, а в комедии – за счёт ритма монтажа и диалогов. Стиль (визуальный, звуковой, монтажный) должен служить сверхзадаче. Важно определить, какой визуал будет соответствовать эмоциональному тону фильма: мрачные, холодные тона для драмы или яркие, насыщенные для мюзикла.

Персонажи и их мотивация. Кто эти люди? Почему они так поступают? Погружение в психологию героев – ключ к созданию убедительной истории. Режиссёр должен не просто понять, что персонажи делают, но и почему они это делают. Их мотивы, страхи, мечты – все это формирует их поступки и создаёт конфликт.

Метафоры и символы. Кино – это искусство, работающее с образами. Режиссёр должен использовать метафоры и символы, чтобы усилить подтекст. Дождь может символизировать очищение или меланхолию, а зеркало – внутренний конфликт или двойственность. Эти детали, незаметные на первый взгляд, делают фильм глубже и многослойнее.


Режиссёрская экспликация – это подробный документ, где режиссёр описывает, как он будет воплощать свою концепцию. Это техническое задание для всей съёмочной группы. Экспликация включает в себя:

Жанр и стилистику: Выбор жанра и визуальной эстетики.

Работа с актёрами: Характеристики персонажей, идеи для их игры.

Визуальное решение: Цвет, свет, композиция, операторские приёмы.

Звуковое решение: Музыка, шумы, закадровый голос.

Монтаж: Ритм и структура фильма.


Природные алгоритмы и законы

В искусстве кино нет строгих формул, но есть универсальные законы драматургии, которые сродни природным алгоритмам, поскольку отражают естественное восприятие человеком истории. Они действуют на подсознательном уровне, помогая создавать цельные, эмоционально насыщенные произведения. К таким законам относятся:

Закон триединства. Еще со времен Аристотеля драматургия опирается на триединство: единство действия, единство времени и единство места. В современном кино эти правила часто нарушаются, но их суть остаётся неизменной: история должна быть сфокусированной и концентрированной, чтобы не распылять внимание зрителя.

Закон трёх актов. Большинство успешных фильмов строятся по классической трехактной структуре:


Завязка (Первый акт): знакомство с героями и миром. Возникает основной конфликт.

Развитие действия (Второй акт): герой пытается решить конфликт, сталкивается с препятствиями, его характер раскрывается. Кульминация наступает, когда напряжение достигает пика.

Развязка (Третий акт): герой преодолевает главное испытание, конфликт разрешается, и история приходит к своему логическому завершению.


Закон конфликта. В основе любой истории лежит конфликт. Это может быть внешний конфликт (человек против человека, человек против природы) или внутренний (борьба героя с самим собой). Без конфликта нет движения, нет драмы, нет интереса. Режиссёр должен четко определить, какой конфликт является движущей силой его истории.

Закон ритма и темпа. Кино – это динамичное искусство. Ритм и темп, создаваемые монтажом, движением камеры и звуком, должны соответствовать эмоциональному содержанию сцены. Быстрый монтаж для погони, медленные панорамы для медитативных сцен – все это интуитивно воспринимается зрителем и влияет на его переживания.

Разработка концепции – это процесс, который требует не только творческой интуиции, но и глубокого понимания человеческой психологии и законов драматургии. Это та стадия, где режиссёр превращается из мечтателя в архитектора, строящего мост между своей идеей и сердцем зрителя.


Принцип троичности в природе. Тезис – Антитезис – Синтез. Три акта в драматургии

Поговорим о принципе троичности. Мы рассмотрим, как эта идея, зародившаяся в философии, нашла своё отражение в природе, и, что самое главное для нас, в структуре драматургии. Тема раздела – «Принцип троичности в природе. Тезис – Антитезис – Синтез. Три акта в драматургии».


Иллюстрация 2


Философская триада: Тезис – Антитезис – Синтез

Истоки этой идеи лежат в классической немецкой философии, в трудах Иоганна Фихте. Он разработал диалектический метод, который описывает развитие всего сущего через три ступени:

Тезис: Исходное утверждение, идея или состояние. Например, мир как он есть.

Антитезис: Противоположность тезиса, его отрицание, конфликт. Мир вступает в конфликт с чем-то.

Синтез: Разрешение конфликта, новое, более сложное состояние, которое включает в себя элементы и тезиса, и антитезиса. Мир после конфликта.

Эта триада стала универсальным инструментом для анализа развития идей, общества и личности. Связанная с тремя законами диалектики (борьба и единство противоположностей; отрицание отрицания; переход количественных накоплений в новое качество) триада также лежит в основе развития живого организма в отличие от мёртвого. И если вы хотите, чтобы ваше аудиовизуальное произведение было живым, рекомендуется опираться на эти законы и принципы!

Фильм «Паразиты» – идеальный пример использования диалектического подхода. Вся его структура построена на принципе триады:

Тезис (богатство): Семья Пак. Они живут в идеальном, залитом светом доме, символизирующем богатство и благополучие. Это мир, который кажется непоколебимым, чистым и упорядоченным.

Антитезис (бедность): Семья Ким. Они обитают в полуподвальном помещении, в мире, где всё пропитано сыростью, затхлостью и хаосом. Это мир, который является полной противоположностью дому Паков.

Синтез (катастрофа - отрицание нормативной диалектической схемы!): Когда семьи пересекаются, начинается синтез, который в конечном счёте приводит к катастрофе. Обе семьи, стремясь к сосуществованию, разрушают не только мир друг друга, но и свои собственные. Этот «синтез» не приводит к гармонии, а наоборот – обнажает всю ложь и хрупкость социального устройства, заканчиваясь трагедией. Синтез не всегда happy end! Пон Чжун Хо использует анти-синтез намеренно, как критический приём.


Принцип троичности не ограничен только западной культурой.

Восточная философия: В китайской философии есть триада Небо – Земля – Человек. Это показывает, что концепция трёх начал, находящихся в динамическом взаимодействии, является универсальной.

В языческих культурах: Многие мифологии строятся на триаде богов (например, три богини судьбы или три бога-правителя).


Троичность в природе

Принцип троичности проявляется и в природе:

Время: Прошлое – Настоящее – Будущее.

Живой мир: Рождение – Жизнь – Смерть.

Христианство: Бог-Отец – Бог-Сын – Святой Дух.


Троичность в народном фольклоре

Во многих сказках существует троичность. Вспомните: «Было у отца три сына, двое умных, а третий – дурак». Или какие-то действия или события происходят только на третий раз.

Эти примеры показывают, что триада – это не просто философская абстракция, а глубоко укорененный в нашем сознании архетип и психология восприятия действительности.

1. Получить информацию; 2. Обработать информацию; 3. Принять решение.

Вспомните, как себя ведут зверушки, вылезающие из норы: 1. Вылезают из норы – раз. Осматриваются, чтобы оценить опасность – это два. Успокаиваются и начинают играть – это три!

И это выражение закона о количественном накоплении, переходящем в новое качество.


Драматургическая триада

Драматургическая структура, состоящая из трёх актов, является прямым отражением диалектической триады Фихте. Идея троичности в драматургии восходит к Аристотелю, который делил пьесу на начало, середину и конец. В XX веке эта структура была систематизирована и популяризирована в американской сценарной школе, прежде всего благодаря Сиду Филду.


Структура трёхактной пьесы:

Акт 1: Тезис (Завязка)

Цель: Представить мир героя таким, какой он есть. Показать его обычную жизнь.

События: Происходит событие, которое нарушает привычный порядок. Это называется «Завязка» Оно ставит перед героем проблему, которую он должен решить.

Конец акта: Герой принимает вызов. Он делает выбор, который определяет всё дальнейшее.

Акт 2: Антитезис (Конфликт)

Цель: Усилить конфликт, довести его до предела.

События: Это самый длинный и напряжённый акт. Герой сталкивается с препятствиями, его планы рушатся, он терпит поражения. Конфликт обостряется. Это кульминация борьбы.

Конец акта: Герой достигает «Точки невозврата» Ситуация кажется безвыходной. Герой должен собраться с силами, чтобы продолжить борьбу.

Акт 3: Синтез (Развязка)

Цель: Разрешить конфликт.

События: Герой, используя полученный опыт, идёт на последний, решающий бой. Он принимает окончательное решение.

Конец акта: Проблема решена, конфликт разрешён, мир изменился. Герой становится другим человеком.


Пример: «Звёздные войны: Эпизод IV – Новая надежда»

Акт 1: Жизнь Люка Скайуокера на Татуине. Он встречает дроидов, узнаёт о принцессе Лее, получает сообщение.

Акт 2: Люк, Оби-Ван и Хан Соло летят на «Звезду Смерти» Они спасают принцессу, но Оби-Ван погибает.

Акт 3: Люк вступает в ряды повстанцев и уничтожает «Звезду Смерти» Он побеждает.


Примеры из современных медиа, в которых принцип триады работает и сегодня:

Сериалы: В современных сериалах (например, «Игра престолов») каждая серия и даже целый сезон часто строятся по трёхактной структуре.

Видеоигры: В видеоиграх также присутствует трёхактная структура: обучение (акт 1), развитие сюжета и рост сложности (акт 2), финальное сражение и развязка (акт 3).


Финал фильма «Летят журавли» (1957)

Тезис: Вероника, главная героиня, долго и мучительно ждёт своего возлюбленного Бориса с войны. Её надежда – это её единственная опора. На её лице – надежда и вера в его возвращение.

Антитезис: Она выходит на площадь, чтобы встретить солдат. И тут она видит человека, который говорит ей, что Борис погиб. Это – отрицание её надежды, её веры. Она переживает шок, боль и безысходность.

Синтез: Вероника находит в себе силы пройти через эту боль. Она видит солдат, которые возвращаются, и дарит им цветы, поздравляя с победой. Она уже не просто Вероника, ждущая своего Бориса. Она – воплощение всех жён, матерей и невест, которые потеряли своих близких. Её личная трагедия превращается в общечеловеческую. Она принимает свою судьбу и продолжает жить, найдя новый смысл. Это и есть синтез – примирение с реальностью и движение вперёд.


Финал фильма «Ночи Кабирии» (1957)

Тезис: Кабирия, наивная и добрая проститутка, вновь верит в любовь. Со своим женихом она сидит в ресторане на открытой террасе и, счастливая, показывает ему деньги, вырученные от продажи дома, мечтая о новой, счастливой жизни. Её лицо выражает надежду и искреннюю веру в добро.

Антитезис: Жених приглашает её прогуляться и приводит к обрыву над озером. Мы из начала фильма знаем, что Кабирия не умеет плавать. Она понимает, что жених хочет её убить и забрать её деньги. Кабирия отдаёт их ему и остаётся одна, без денег, без надежды. Она лежит на краю обрыва, её вера уничтожена. Это состояние полного опустошения.

Синтез: Она поднимается и идет по шоссе, одна и опустошённая. Её догоняют и окружают молодые люди, они кружатся вокруг неё под игру на гитаре. Один из них ободряюще улыбается ей. Кабирия отвечает ему улыбкой. Это не радость, а синтез, принятие своего горя. Она не обрела любовь, но обрела силы жить. Она осознала, что, несмотря на все трагедии, жизнь продолжается. Её трагедия не разрушила её, а сделала сильнее.

Более того, сцена «На краю обрыва» по принципу тождества и подобия сама также построена по триаде «Тезис – Антитезис – Синтез». Она вдруг понимает, что любимому нужна не она, а её деньги, и что он хочет её убить! Она со страхом и неверяще спрашивает: «Ты хочешь меня убить?» – это Тезис.

Потом она отдаёт ему деньги, падает перед ним на колени, ползёт к нему (не от него!) и просит: «Не убивай меня, не убивай!» – это Антитезис. Наконец, в полном отчаянии и разочаровании она взывает к нему: «Убей меня, убей! Я не хочу больше жить!» – и это Синтез!


Иллюстрация 3


Итог

Принцип троичности – это не просто форма, это философия, которая лежит в основе любого развития, будь то природные процессы или драматический сюжет. Понимание этой структуры позволяет режиссёру создавать глубокие, логически выверенные и эмоционально насыщенные истории.


Восточноазиатская драматическая структура

"Кисё-тэн-кэцу" (起承転結, ki-shō-ten-ketsu) – это традиционная восточноазиатская четырёхчастная драматургическая структура, которая резко отличается от западной трёхактной модели, так как в ней нет обязательного конфликта с точки зрения западных стереотипов..


Структура кисё-тэн-кэцу

Ki (起) – Введение


Представление ситуации, героев, фона.


→ Аналогично экспозиции: задаётся контекст.

Shō (承) – Развитие


Продолжение, углубление, расширение исходной ситуации.


→ Но ещё без конфликта, без столкновения.

Ten (転) – Поворот


Неожиданный поворот или острое столкновение перспектив. Может быть событие, образ, мысль, которая переворачивает восприятие зрителя.


→ Это «удивление», «резонанс», а не кризис.

Ketsu (結) – Завершение


Итог, гармония, объединение первого и третьего элемента. Всё складывается в новое восприятие.


Сравнение с западной структурой

Триактовая модель (Аристотель – Сид Филд):


Завязка – Конфликт – Развязка.


Движущая сила – конфликт.

Кисё-тэн-кэцу:


Введение – Развитие – Поворот – Завершение.


Движущая сила – перспектива и контраст, а не борьба.


Примеры

Японская поэзия (хайку, танка):


Первые строки вводят образ (Ki, Shō), третья строка – поворот (Ten), финальная – вывод (Ketsu).

Манга и аниме:


Сюжетные арки строятся через смену точек зрения, неожиданные повороты, финал – это не победа в борьбе, а «смыкание смыслов».

Фильмы Хаяо Миядзаки:


Например, «Мой сосед Тоторо»:


Ki: семья переезжает в деревню.

Shō: девочки знакомятся с природным духом.

Ten: пропадает младшая дочь, и всё видится с другой стороны.

Ketsu: возвращение, восстановление гармонии.


Нет злодея, нет конфликта – но есть развитие и катарсис.


Влияние

Восточноазиатский нарратив (Япония, Китай, Корея) часто тяготеет к созерцательности, цикличности и гармонии.

Западная драма – к конфликту, динамике, борьбе.

Сегодня режиссёры и сценаристы (включая западных) всё чаще смешивают модели: например, в сериалах можно встретить «эпизоды без конфликта», построенные по кисё-тэн-кэцу.


Задачи для самостоятельной работы

Выберите свой любимый фильм и разделите его на три акта. Опишите, что происходит в каждом акте и как герой меняется от начала до конца.

Попробуйте проанализировать какое-либо событие в своей жизни, используя триаду «тезис – антитезис – синтез»

Анализ персонажа: Выберите персонажа из своего любимого фильма. Проанализируйте, как он меняется, используя триаду:


Тезис: Каким был герой в начале? (Например, Люк Скайуокер – фермер.)

Антитезис: С какими препятствиями он столкнулся? (Обучение у Оби-Вана, потеря близких.)

Синтез: Каким он стал в конце? (Герой, спасающий галактику.)


Анализ события: Возьмите событие из фильма или книги. Проанализируйте его, используя триаду.


Тезис: Что привело к этому событию?

Антитезис: Что стало основным конфликтом?

Синтез: Каков итог, и как он изменил мир произведения?


Творческое задание: Придумайте короткую историю из трёх предложений, каждое из которых будет соответствовать одному из этапов триады: тезис, антитезис, синтез.


Рекомендуемая литература

Аристотель. Поэтика. – Москва: «Наука», 1967; – Москва: «Азбука», 2017.

Лаланд А. Философский словарь. – Москва: Республика, 1996.

Филд С. Сценарий: основы сценарного мастерства. – Москва: Альпина нон-фикшн, 2007.

Филд С. Справочник сценариста. СПб.: Питер, 2005.

Гегель Г. В. Ф. Энциклопедия философских наук. – Москва: Мысль, 1974 (т. 1–3).

Митта А. Кино между адом и раем. – Москва: Альпина Паблишер, 2013.

Кэмпбелл Дж. Тысячеликий герой. – Москва: Питер, 2022.


Занятие 9: Разработка Проекта

1) Термины и различия

Замысел – интуитивное ядро, эмоциональный импульс («о чём я хочу сказать и почему именно сейчас»).

Тема – область вопросов/конфликта (например: власть и совесть; цена свободы; взросление).

Идея (авторская позиция) – внешняя формулировка ответа, отношения к теме (тезис).

Концепция – структурированная система решений, превращающая идею в опыт для зрителя (драматургия + визуально-звуковая грамматика + правила мира и реализация).

Логлайн – одно предложение, описывающее героя/цель/препятствие/ставки.

Тон/жанровый регистр – эмоциональная температура и «код» ожиданий зрителя.

Проверка на 1 минуту:

Замысел: «Хочу исследовать…» (1 фраза).

Идея: «Верю, что…» (1 фраза).

Логлайн: герой + цель + антагонист + ставки (1 фраза).


2) Алгоритм перехода «от замысла к концепции» (12 шагов)

Ядро смысла: сформулируйте тему и идею в 1–2 фразах. Добавьте «почему сейчас».

Драматургический двигатель: главный вопрос/двусмысленность, которая тянет повествование (что будет, если…?).

Герой и оппонент: ценности, потребность, рана/дефицит; у оппонента – внятная правда и ресурсы.

Конфликт и ставки: что герой может утратить/приобрести (личные, социальные, экзистенциальные).

Мир и правила: время/пространство, степень условности, социальный и физический законы.

Тон и перспектива: POV (чья камера?), дистанция к герою, степень юмора/иронии/эмпатии.

Визуальная грамматика: композиция, цвет/свет, оптика, движение камеры, масштаб планов.

Звуковая концепция: соотношение тишины/шума/музыки, мотивы, принципы монтажа звука.

Структура: карта сюжета (3 акта / 5 движений / эпическая мозаика), точки поворота.

Этический вектор: границы изображения, позиция автора к насилию/интимности/политике.

Производственные параметры: бюджет, локации, состав группы, техника – как часть эстетики.

Пруф-оф-концепт: 1–2 тестовых кадра/сцены, look-test, звуковой эскиз, тизер-абзац.


3) Диалектическая рамка (сквозной метод курса)

Тезис: первичная идея.

Антитезис: сильный контраргумент/позиция оппонента в истории.

Синтез: новое качество/вывод фильма после столкновения сил. (Стоит помнить, что «синтез» не всегда happy end – иногда это трагический вывод.)

Инструмент: разметьте ключевые сцены по триаде. Каждая сцена либо продвигает тезис, либо антитезис, либо подготавливает синтез.


4) Природные алгоритмы восприятия (законы/регулярности) и их применение

Ниже – не догмы, а устойчивые закономерности человеческого восприятия. Используйте как практические правила при разработке концепции.

Фигура–фон (гештальт): зритель сначала вычленяет фигуру на фоне.


Применение: подсвечивайте смысловой центр контрастом масштаба/света/резкости/движения.

Пример: «Гражданин Кейн» (1941, О. Уэллс), сцена в доме родителей – ребёнок в окне на фоне снега «выдвигается» за счёт резкого контраста масштаба и света.


Принципы группировки (близость, сходство, хорошее продолжение, общая судьба).


Применение: блокинг и мизансцена должны «собирать» отношения в читаемые кластеры.

Пример: «Седьмая печать» (1957, И. Бергман), пляска смерти – фигуры выстроены в единую линию, «сходство и общая судьба» считываются мгновенно.


Ограниченная ёмкость внимания (≈ 3–5 элементов одновременно).


Применение: в кадре – один главный акцент + 1–2 вторичных; в сцене – одна доминирующая цель.

Пример: «Однажды в Америке» (1984, С. Леоне), сцена опиумной курильни – крупный план лица, дым и звук скрипки: три слоя, легко удерживаемые вниманием.


Предсказание и нарушение ожиданий: мозг прогнозирует; смысл рождается на разнице (surprisal). В фильме Хичкока «Психо» зритель ожидает, что героиня будет главной – её убивают на 30-й минуте.


Применение: стройте ритм «узнавание → сдвиг → новое правило»; нарушение – мотивировано.

Пример: «Психо» (1960, А. Хичкок), сцена убийства в душе – зритель уверен, что Мэрион героиня фильма, но её внезапно убивают на 30-й минуте.


Контраст и адаптация (динамический диапазон восприятия).


Применение: чередуйте напряжение/разрядку, свет/тьму, тишину/шум; избегайте «плато».

Пример: «Апокалипсис сегодня» (1979, Ф. Коппола), вертолётная атака под Вагнера – резкий переход от тишины к шуму винтов и музыки рождает эмоциональный удар.


Закон Хикса (больше вариантов – дольше выбор).


Применение: в кадре и в драматургии ограничивайте ветвления до ясных бинарных решений героя.

Пример: «Матрица» (1999, Л. и Л. Вачовски), сцена с красной и синей таблеткой – чистая бинарность, максимально ускоряющая драматический выбор.


Закон Вебера–Фехнера (логарифмическая чувствительность к интенсивности).


Применение: наращивайте не только громкость/яркость, но и качество изменения (тембр, фактура, цветовая температура).

Пример: «Космическая одиссея 2001» (1968, С. Кубрик), стыковка корабля и станции – нарастание темпа и громкости «Голубого Дуная» ощущается экспоненциально.


Эффекты края (primacy/recency): лучше запоминаются начало и конец.


Применение: особенно тщательно прорабатывайте открывающий образ и финальный синтез.

Пример: «Список Шиндлера» (1993, С. Спилберг), финал у могилы – живые люди кладут камни на могилу, последний эмоциональный аккорд запоминается сильнее всего.


Ритм и синхронизация: зритель «подхватывает» периодичности (энтрейнмент).


Применение: создавайте распознаваемый пульс (монтаж, пластика актёра, музыкальные мотивы), затем умно нарушайте.

Пример: «Огни большого города» (1931, Ч. Чаплин), боксёрский матч – синхронный ритм движений и звуков, нарушенный неожиданным выпадом.


Лицо и взгляд – сверхстимулы.


Применение: в ключевых поворотах отдавайте приоритет выразительности лица/взгляда (крупность, ось).

Пример: «Андрей Рублёв» (1966, А. Тарковский), сцена отливки колокола – крупный план лица Бориски в финале концентрирует катарсис.


Кулешов-эффект (контекст образует смысл).


Применение: концепция монтажа – не только склейка, но и система контекстов/смысловых векторов.

Пример: классический эксперимент Кулешова: лицо актёра + тарелка супа / мёртвый ребёнок / женщина – смысл меняется в зависимости от соседнего кадра.


Мультимодальная избыточность (когнитивные принципы обучения): слова + соответствующий им образ > слова или образ по отдельности.


Применение: ключевые понятия дублируйте согласованными визуальными и звуковыми метками (но избегайте «переговора»).

Пример: «ВАЛЛ·И» (2008, Э. Стэнтон) – имя робота звучит одновременно с крупным планом его экрана, аудио и визуализация усиливают друг друга.


5) Три контура концепции

Смысловой контур: тема, идея, вопрос, конфликт, ставки, этика, позиция.

Визуальный контур: палитра, свет, оптика, композиция, движение, фактуры, костюм/реквизит, пространство.

Аудио-контур: тишина/шум, музыка (дигетическая/неди-гетическая), темпо-ритм, мотивы, акустика локаций.

Правило согласования: каждый важный поворот дублируется сигналами в 2–3 контурах одновременно.


6) Визуальная концепция – чек-лист

Цвет: ограниченная палитра (2–3 доминирующих тона + акцент). Переходы палитры = дуга героя.

Свет: принцип освещения (мягкий/жёсткий), источник мотивирован или символичен.

Оптика: диапазон фокусных, глубина резкости как смысловой инструмент.

Камера: правила движения (когда статична, когда следует за героем, когда «сопротивляется»).

Композиция: ось действия, уровни и линии силы; геометрия (диагонали/треугольники/симметрия).

Пространство: трансформация локаций по актах; «домашние» и «враждебные» пространства.

Фактура: материалity кадра (зерно, дождь, пыль, стекло) как носитель смысла.

Формулировка «камера сопротивляется герою» – это метафора, которая описывает, как сама визуальная стратегия может становиться анти-эмпатическим инструментом: зрителю не дают привычного «погружения» в психологию персонажа. Вместо поддержки – дистанция, отчуждение.

На примере «Догвилля» (2003, Ларс фон Триер):

В фильме почти нет декораций: стены заменены меловыми линиями на полу, весь город – как на театральной площадке.

Камера часто занимает высокие ракурсы, наблюдая сверху за персонажами, словно за «фигурами на шахматной доске».

В моменты драматического напряжения (например, унижения Грейс) камера не «сближается», не даёт крупного плана, а наоборот, отдаляется и фиксирует всё в общем плане.

Это создаёт эффект, что камера «не встаёт на сторону героини», не помогает зрителю эмоционально слиться с её страданиями. Напротив, зритель вынужден видеть её боль в «холодной» структуре – как социальный эксперимент.

В этом смысле можно сказать, что камера «сопротивляется» герою: она не поддерживает его субъективность, а навязывает другой ракурс – аналитический, критический.


7) Звуковая концепция – чек-лист

Молчание как событие: где тишина важнее музыки.

Шумовой дизайн: повторяющиеся метки (скрип двери, поезд, вентиляция) как лейтмотивы.

Музыка: правило входа/выхода, чья точка зрения обозначается музыкой.

Пространственный звук: даль/близь, реверберация – часть драматургии.

Речь: дикция, темп, пауза; слои (overlapping dialogue) – осознанно и дозированно.


8) Драматургические формы: что «естественно», а что – конвенция

Естественно для восприятия: наличие цели, ясные причинно-следственные связи, контраст, ритм, предсказание/сюрприз.

Конвенции: 3 акта, «путешествие героя», правила жанров. Это инструменты, а не законы природы. Подчиняйте их своей идее.


9) «Решето концепции» – 12 вопросов перед питчем

В чём смысловой конфликт? (1–2 предложения)

Что делает проект неизбежным сейчас?

Как формулируется логлайн?

Кто зритель и какой опыт он получит? (эмоциональный сценарий просмотра)

В чём новизна формы? Что я делаю иначе?

Какие правила мира и когда они нарушаются?

Как три контура поддерживают ключевые повороты?

Где риски непонимания и как я их страхую?

Какой этический выбор делает автор?

Какая производственная стратегия встроена в эстетику?

Как выглядит пруф-оф-концепт? (кадр/сцена/звук)

Что останется у зрителя через неделю? (формула следа)


10) Матрицы и шаблоны (для работы в классе/проекте)

A. Concept Canvas – «одна страница»

Тема:

Идея (тезис):

Антитезис:

Синтез/сообщение:

Логлайн:

Герой/Оппонент/Ставки:

Тон и жанровый регистр:

Правила мира:

Визуальные принципы (цвет, свет, оптика, движение):

Звуковые принципы (тишина/шум/музыка):

Структура (ключевые поворотные точки):

Пруф-оф-концепт (что покажу):

B. Диалектическая карта сцен


Сцена

Функция (Т/А/С)

Конфликт

Визуальная метафора

Аудио-метка

Примечание по актёрскому действию


1

Т


2

А


3

С


C. Визуально-звуковая палитра (таблица решений)


Параметр

Правило

Исключения (когда нарушаем и зачем)


Цвет


Свет


Оптика


Камера


Монтаж


Звук/Музыка


11) Мини-эксперименты для проверки концепции

Look-test: 3–5 кадров с реальными локациями/светом/фактурами.

Sound-test: 60-секундный звуковой этюд (тишина→шум→мотив).

Table read + сторибитинг: чтение сценарных битов с таймингом пауз и переключений внимания.

Монтажный A/B-тест: две версии одной сцены (разная крупность/ритм) – измеряйте понятность и эмоциональный след.


Table Read (читка за столом)

Table read – это первый групповой разбор сценария вслух.

Все актёры (или ассистенты) собираются за столом и читают роли.

Режиссёр слушает ритм текста, проверяет, как звучат диалоги.

Сценарист и продюсер тоже обычно присутствуют.

Задачи table read:

выявить «провисающие» сцены, ненужные диалоги;

почувствовать темп истории (где скучно, где слишком быстро);

дать актёрам возможность первого контакта с материалом;

иногда уже на читке рождаются первые идеи по интонациям, ритму, взаимодействию.

В театре – это аналог первой репетиции за столом.


В кино – это «живое тестирование» сценария.


Storyboarding (сторибординг)

Сторибординг – визуализация сценария в виде последовательности рисунков (кадров).

Сторибординг (storyboarding) = раскадровка.

В российской и постсоветской традиции чаще говорят «раскадровка» – это набор рисунков, показывающих, как будет выглядеть фильм/сцена кадр за кадром.

В англоязычной индустрии используется слово storyboard – дословно «доска истории».

По сути это одно и то же:

план будущего фильма в картинках,

с возможным добавлением стрелок движения камеры, текста диалога, ремарок по свету или музыке.

Но:

Раскадровка у нас часто воспринимается как «чисто визуальная подготовка» (наброски кадров).

Storyboarding в западной школе – это целый этап разработки фильма, включающий:

рисунки,

тайминг,

монтажные переходы,

иногда даже звук (аниматик).

То есть, можно сказать так:


«Раскадровка» – минимальный набор рисунков.


«Сторибординг» – более широкий процесс визуального планирования.

Делается режиссёром, художником или совместно.

Показывает, как будет выглядеть каждая сцена: композиция, движение камеры, мизансцена.

Это переход от слова к изображению.

Задачи сторибординга:

проверить, работает ли драматургия в визуальной форме;

найти «ключевые кадры» и ритм монтажа;

помочь команде (оператору, художнику, продюсеру) увидеть фильм «на бумаге»;

экономить бюджет – лучше ошибиться в рисунках, чем на съёмочной площадке.

Современные формы:

аниматик (кадры сториборда, смонтированные в видео с черновым звуком);

3D-превиз (черновая анимация сцен с камерой и движением).


Как они работают вместе

Table read проверяет историю через звук и актёрскую игру.

Storyboarding проверяет историю через визуальный ряд.

Вместе они дают двойную проверку концепции: «звучит ли» и «выглядит ли».


Можно сказать так: table read – это ухо режиссёра, а storyboard – его глаз.


12) Источники вдохновения и ориентиры (для углубления)

Брехт – дистанция/отчуждение как ресурс мышления зрителя.

Питер Брук – «пустое пространство», межкультурная ясность жестов.

Ежи Гротовски – «бедность» как концентрация на актёре и действии.

Дзига Вертов–Эйзенштейн – смысл монтажа/аттракцион/конфликт.

Ииттен/Альберс – системная работа с цветом.

Майер (мультимедийные принципы) – соотнесение слова и изображения.


13) Частые ошибки

Концептуальная расплывчатость: слишком много «о чём» и нет одного «зачем».

Тональный дрейф: несоответствие между идеей и стилем (драма, снятая как клип).

Перегруз кадра: слишком много объектов/движения без иерархии.

Иллюстративность: звук и картинка дублируют друг друга без добавочной информации.

Этическая слепая зона: эффектно, но бессмысленно травмирует.


14) Короткий рабочий ритуал

Запишите идею (1 фраза) и антитезис (1 фраза).

Составьте логлайн (1 предложение).

Выберите 3 визуальных принципа и 2 звуковых.

Назовите один поворотный кадр и опишите его в 2 предложениях.

Решите, что покажете как proof-of-concept в течение недели.


Proof-of-concept (PoC)

Proof-of-concept (PoC) – буквально «доказательство концепции» – в кино и театре это маленький, экспериментальный элемент, который на практике показывает, как будет работать задуманная идея.

Зачем нужно PoC режиссёру:

проверить, жизнеспособна ли концепция (не только на бумаге, но и «вживую»),

убедить продюсера или команду, что идея реализуема,

найти верные художественные и технические приёмы ещё до запуска полного производства.


Варианты Proof-of-concept в кино

Look-test – короткая пробная съёмка (с актёрами, светом, костюмом), показывающая атмосферу.

Mood-video / тизер – минутный ролик из фрагментов (снятых или найденных), передающий стиль будущего фильма.

Аниматик / раскадровка в движении – черновой монтаж из рисунков и звука.

Тестовая сцена – одна ключевая сцена снята полностью (часто с упрощёнными ресурсами).

Sound-test – короткий звуковой этюд (например, игра с тишиной и шумами, если это ключ к концепции).


В театре

«Этюд» на актёрском материале: актёры играют сцену в ключевой условности (например, без декораций, только через движение).

Световой или звуковой эскиз: показывается «атмосфера», а не сюжет.

Мини-показ из 5–7 минут, где опробуется приём (например, взаимодействие актёров со зрителями).


Примеры

Перед «Безумным Максом: Дорога ярости» Джордж Миллер сделал аниматик из кадров-комиксов на весь фильм → продюсеры согласились.

Многие независимые режиссёры снимают короткометражку по мотивам будущего фильма – как PoC.

В театре Питер Брук делал этюды на пустой площадке, проверяя, «держит ли» сама форма без декораций.

Итого: PoC – это как «черновая проба кисти у художника» или «эскиз в глине у скульптора».


Не финальный результат, а убедительное доказательство, что идея работает.

В театре proof-of-concept – этюд, в кино – тизер

В театре сторибординг вторичен, в кино – первичен.


Оптика как инструмент управления пространством

1. Фокусное расстояние и психология дистанции

В кино мизансцена строится не только перемещением актёров, но и выбором фокусного расстояния. Это «алгебра», которая диктует эмоциональное состояние зрителя.

Широкий угол (14–24 мм): Увеличивает пространство, подчёркивает одиночество героя или давление среды. Гипертрофирует движение вглубь кадра.

Нормальный угол (35–50 мм): Приближен к естественному человеческому взгляду. Создаёт эффект присутствия и объективности.

Телеобъектив (85–200 мм): Сплющивает пространство, сближает удаленные объекты. Создаёт ощущение клаустрофобии, несвободы или интимности.


2. Глубина резкости (DOF) как иерархия внимания

Режиссёр управляет взглядом зрителя через диафрагму и ГРИП (глубину резко изображаемого пространства).

Малая глубина резкости: Изолирует героя от фона. Это технический способ сказать: «Важен только этот человек и его эмоция».