# Простое рисование на пленэре. Упражнения для самостоятельной практики в городе и на природе

Дмитрий Горелышев

Третья книга Дмитрия Горелышева из серии «Простое рисование» посвящена пленэрному рисованию – искусству наблюдать, фиксировать и передавать живое дыхание природы. Это не просто сборник упражнений, а продуманная система, которая помогает развить внимательность, лучше понимать пространство, цвет и форму, а главное – научиться свободно и уверенно рисовать на улице.

Автор делится проверенными заданиями, которые можно выполнять в удобном порядке, адаптируя под свой ритм. Они развивают наблюдательность, учат видеть натуру по-новому и ставить перед собой интересные художественные задачи. Помимо упражнений, в книге собраны советы по организации рабочего места, обзор графических материалов и размышления о том, как пленэр меняет восприятие окружающего мира.

Издание включает множество работ самого Дмитрия, его коллег и учеников, демонстрируя, как по-разному можно передавать красоту натуры. Эта книга – вдохновение и практическое руководство для всех, кто хочет рисовать свободно, смело и с удовольствием


Фишки книги

– Дмитрий Горелышев – старший преподаватель кафедры академического рисунка и кафедры коммуникативного дизайна МГХПА им. С. Г. Строганова, преподаватель Британской высшей школы дизайна

– Упражнения в книге придуманы для занятий в Простой школе, РГХПУ им. С. Г. Строганова и Британской высшей школе дизайна

– Главы дополнены полезными заметками автора

– Для самостоятельной практики на природе, в городе, с натуры и по фото

– Возможность присоединиться к комьюнити рисовальщиков, выложив свои рисунки с хештегом из книги


Как читать книгу

– Читайте и делайте упражнения параллельно – эта книга предназначена в первую очередь для практики.

– Вы можете выполнять задания в любой последовательности, выбирая то, что интересует вас в данный момент.

– Рисунки, сделанные по упражнениям из книги, вы можете выложить в соцсети с хештегом #простоерисование – и стать частью сообщества.


От автора

Вы держите в руках третью книгу из серии «Простое рисование». Как и предыдущие, она представляет собой сборник упражнений и рекомендаций, которые помогут организовать личную рисовальную практику и сделать ее более структурированной. Эти задания развивают наблюдательность, помогают увидеть натуру под неожиданным углом и поставить перед собой новые задачи. Такое рисование для меня – это не работа и не хобби, а особый способ восприятия среды и пребывания в ней. Рисование меняет то, как мы смотрим на мир, делает этот взгляд более внимательным. Людям нравится смотреть на пейзаж потому, что он бесконечно разнообразен. Пейзаж содержит в себе все поводы для рисования: форму, пространство, ритмы, цвет, движение, фактуры и текстуры, изменчивое состояние, течение времени. Мои упражнения направлены на то, чтобы сознательно поработать с этими темами по отдельности и в совокупности.


Для кого эта книга

Для тех, кто только начинает рисовать и хочет уверенно освоить пленэр.

Для опытных художников, стремящихся глубже понять пространство, свет и композицию.

Для всех, кто хочет сделать рисовальную практику осознаннее, интереснее и свободнее.

Для преподавателей, ищущих новые упражнения и подходы для работы с учениками.

Для любителей творчества, которым важно запечатлеть впечатления и эмоции на бумаге.

# Дмитрий Горелышев. Простое рисование на пленэре. Упражнения для самостоятельной практики в городе и на природе

Допущено Федеральным УМО в качестве учебно-методического пособия для обучающихся по дисциплине «Рисунок»


Все права защищены. Никакая часть данной книги не может быть воспроизведена в какой бы то ни было форме без письменного разрешения владельцев авторских прав.


© Дмитрий Горелышев, 2024

© ООО «МИФ», 2025

* * *

## Введение

Вы держите в руках третью книгу из серии «Простое рисование». Как и предыдущие, она представляет собой сборник упражнений и рекомендаций, которые помогут организовать личную рисовальную практику и сделать ее более структурированной. Эти задания развивают наблюдательность, помогают увидеть натуру под неожиданным углом и поставить перед собой новые задачи. При создании упражнений я опираюсь на личный рисовальный и преподавательский опыт, а также на находки других художников и преподавателей. В книги вошли упражнения, придуманные для занятий в Простой школе, РГХПУ им. С. Г. Строганова и Британской высшей школе дизайна. Вместе эти три книги могут стать опорой для практики и самостоятельного обучения на много лет.


Фото Евгении Филатовой


Первая книга, «Простое рисование», была задумана так, чтобы быть полезной начинающим и опытным рисовальщикам. В ней вы найдете материалы о композиции, основных понятиях графики, техниках, рисовании с натуры и без нее. Все упражнения этой книги ставят задачи, которые интересно решать с любым уровнем навыков.

Вторая книга, «Простое рисование. Фигура человека», была посвящена наброскам обнаженной и одетой фигуры – с натуры и по воображению. В ней я собрал упражнения, которые позволяют превратить рисование набросков в студии или на улице в полноценное учебное занятие.

Книга, которую вы держите в руках, посвящена рисованию пейзажа. Именно эта тема сейчас интересна мне самому, я много рисую на улице – в Москве и в поездках, с натуры и по фото. Такое рисование для меня – это не работа и не хобби, а особый способ восприятия среды и пребывания в ней. Рисование меняет то, как мы смотрим на мир, делает этот взгляд более внимательным. Когда я вижу свои рисунки любой давности, я могу вспомнить обстоятельства, место и время, когда они были сделаны. В этом смысле рисунок ценнее фотографии – с его помощью мы полнее проживаем и запоминаем увиденное. Вот почему я рекомендую рисовать даже тем, кто не занимается изобразительным искусством целенаправленно.

Каждое лето я провожу пленэрные интенсивы и мастер-классы в Москве и других городах, веду онлайн-курсы о рисовании на улице. Более чем за десять лет такой практики у меня накопилось много проверенных упражнений, которыми я теперь хочу поделиться с широкой аудиторией.

Людям нравится смотреть на пейзаж потому, что он бесконечно разнообразен. Мы не можем создать или вообразить что-то даже немного приближенное к этой сложности и гармонии. Рисование пейзажа – это попытка воспринять и передать хотя бы небольшую часть этой сложности. Пейзаж содержит в себе все поводы для рисования: форму, пространство, ритмы, цвет, движение, фактуры и текстуры, изменчивое состояние, течение времени. Мои упражнения направлены на то, чтобы сознательно поработать с этими темами по отдельности и в совокупности.

Кроме упражнений вы найдете в книге советы об организации рабочего места на пленэре и наблюдения об особенностях пленэрного рисования вообще.

> А в качестве полезного дополнения в книгу включены заметки из моего телеграм-канала: это короткие наблюдения о рисовании и преподавании, а также ответы на вопросы читателей.

Для наибольшей пользы рекомендую читать и делать упражнения параллельно – эта книга предназначена в первую очередь для практики. Вы можете выполнять задания по порядку или выбирать то, что для вас интереснее и полезнее в данный момент.

Я хочу, чтобы мои книги и задания объединяли людей. Ощущение себя частью сообщества поддерживает в работе и помогает сделать то, с чем сложно справиться в одиночку, например начать. Поэтому зовите на пленэр друзей, объединяйтесь в группы, создавайте чаты, в которых люди из вашего города могли бы находить друг друга и рисовать вместе. А рисунки, сделанные по упражнениям, выкладывайте с хештегом #простоерисование – так мы все сможем видеть успехи друг друга.

Желаю вам открытий и радости от рисования!

## глава 1. О пейзаже в графике

Пейзаж – один из основных жанров изобразительного искусства, но самостоятельным и полноценным жанром графики он стал далеко не сразу.

Самым ранним примером относительно реалистического графического пейзажа можно назвать китайские свитки, первые из которых датируются VI веком нашей эры. Китайские художники рисовали не с натуры, а по воображению или по памяти. А благодаря вытянутому горизонтальному или вертикальному формату эти пейзажи сложно сразу охватить взглядом: вид раскрывается постепенно, пока зритель скользит глазами по свитку. То же можно сказать и о композиционных решениях – там редко встретишь явный акцент, детали спрятаны, а множество визуальных событий подталкивает к долгому внимательному рассматриванию. Все это делает восприятие такого рисунка похожим на созерцание реального пейзажа.


Инь Хун. Птицы собираются под весенней ивой. Китай, ок. XV–XVI вв.

The Cleveland Museum of Art


Амир Хусрау Дихлеви. Развлечения в саду. Иран, кон. XVI в.

The Metropolitan Museum of Art


Период Средневековья в Европе и на Ближнем Востоке стал временем расцвета книжной миниатюры. На тщательно сделанных небольших иллюстрациях, кроме персонажей и орнаментов, часто изображали интерьер или пейзаж. Пейзаж в этом случае был не самостоятельным жанром, а сценой для события, которое описывала иллюстрация. Пространство большинства миниатюр ощущается трехмерным, но при этом условным: в нем еще не используется линейная перспектива, а соотношение масштаба фигур и среды может быть любым, в зависимости от задумки автора.

В эпоху Возрождения регулярная практика натурных зарисовок, в том числе и пейзажных, становится обычной частью работы художника. В зарисовках художники исследовали форму и пространство, расширяли познания в геометрии, изучали устройство разных объектов среды. Иными словами, они рисовали не для красоты, а для того, чтобы разобраться, запомнить и зафиксировать. Художники использовали эти зарисовки в работе над своими основными произведениями – картинами и росписями.


Братья Лимбург. Часослов Жана Французского, герцога Беррийского. Франция, ок. 1405–1409 гг.

The Metropolitan Museum of Art


С точки зрения развития пейзажного искусства главной вехой этого периода стало открытие линейной перспективы, которое приписывают архитектору Филиппо Брунеллески, автору купола собора Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции. Использование перспективы повлияло на работу художников с композицией и сюжетом. Появилась бесконечная глубина, которую художники будут обустраивать в своих картинах и рисунках вплоть до XX века – искать баланс между реалистичным пространством, выразительностью и цельностью.


Доменико Кампаньола. Горный пейзаж со скалой, деревьями и зданиями. Италия, ок. 1520 г.

The Metropolitan Museum of Art


Альбрехт Дюрер. Осада города, 1527 г.

Smithsonian Design Museum


Барокко отличалось повышенным вниманием к натуре, но пейзаж все еще воспринимался как декорация для действия. В пейзажных композициях часто присутствовала фигура человека, а сам пейзаж выглядел скорее фантазийным. Пожалуй, исключением был Рембрандт, который одним из первых начал регулярно делать самоценные пейзажные рисунки и офорты.


Рембрандт. Коттедж среди деревьев, ок. 1650 г.

The Metropolitan Museum of Art


Рембрандт. Коттедж с белым забором, ок. 1648 г.

The Rijksmuseum


С расцветом классицизма в пейзажном жанре произошел поворот в сторону умозрительного конструирования пространства. Художники выстраивали его подобно театральной сцене: на первом плане уплощенные кулисы, на втором – основные события, часто выделенные светом и детализацией, а на третьем плане – нейтральный фон, как задник в театре. Известно также, что некоторые авторы использовали макеты, в которых создавали композицию под одну конкретную точку зрения, затем освещали всю сцену с нужной стороны и рисовали тональный эскиз. Такой подход можно наблюдать в эскизах Никола Пуссена – одного из самых значимых художников того времени.


Никола Пуссен. Лесная тропа, Рим, нач. XVII в.

Albertina, Wien


Каналетто. Венеция, нач. XVIII в.

The Rijksmuseum


Эжен Делакруа. Пейзаж с акведуком, ок. 1827 г.

The Metropolitan Museum of Art


Эдвард Лир. Агия Параскева, Эпир, Греция, 1857 г.

The Metropolitan Museum of Art


Также в это время появляется особый жанр пейзажа с воображаемым или символическим видом, часто с руинами. Формируется специальный графический язык такого пейзажа – как рисуется дерево, архитектура, небо, листва. Рисование пейзажа становится чем-то похожим на сборку конструктора из готовых форм и приемов.

В XIX веке, когда на смену классицизму пришел романтизм, художники снова обратили внимание на натуру. Они рисовали пейзаж не только для того, чтобы изучить ее, но и для того, чтобы передать конкретное состояние. Это состояние, выразительность которого усиливали форма, цвет и композиция, становилось основным содержанием произведения, даже когда на рисунке не было персонажей. Так пейзаж постепенно приобрел статус полноценного и самостоятельного произведения.


Теодор Руссо. Лес в Буармонде, 1842 г.

The J. Paul Getty Museum


Следующий значимый шаг в развитии пейзажного жанра сделали барбизонцы – французские художники, которые работали в окрестностях деревни Барбизон: Теодор Руссо, Жан Франсуа Милле, Шарль Франсуа Добиньи. В отличие от художников классицизма, они принципиально писали и рисовали с натуры. Именно от этого движения берет начало романтизированный впоследствии образ художника как человека с этюдником. В своих работах они передавали красоту конкретного места, не приукрашивали природу, а искали гармонию в простоте и честном наблюдении. В России это реалистическое течение ярко отозвалось в работах Алексея Саврасова, Федора Васильева, Архипа Куинджи, Исаака Левитана.


Теодор Руссо. Скалы Мальбека в Мон-Доре, Овернь, ок. 1830 г.

The Metropolitan Museum


Импрессионизм и постимпрессионизм стали во многом определяющими стилями для искусства ХХ века. Развивая идею барбизонцев, импрессионисты продолжили рисовать и писать с натуры, но изменили визуальный язык. На смену приглушенному колориту и отработанным техническим приемам классической живописи пришли чистый цвет и акцент на субъективное впечатление автора. Стало уже не так важно, насколько точно произведение отображает действительность – не в последнюю очередь благодаря появлению и распространению фотографии. Так форма в графике и в искусстве в целом сначала стала равной содержанию, а впоследствии приобрела и самостоятельную роль.


Рауль Дюфи. Перед началом скачек. Нач. XX в.

Finnish National Gallery / Hannu Karjalainen


Отдельно нужно отметить влияние на пейзажный жанр художников кубизма и футуризма: они сместили фокус с ясного статичного изображения пейзажа на передачу движения, изменили отношение к тому, как можно показывать форму и пространство. Мы помним, что в Средневековье пространство было условным, а начиная с эпохи Возрождения и до конца XIX века большинство художников использовали линейную перспективу. Достижения кубистов и футуристов свидетельствовали, что объект и пространство можно показывать сразу с нескольких ракурсов, совмещать точки зрения подобно коллажу, использовать в одном изображении перспективу и уплощенное пространство. Эти находки применяются художниками и иллюстраторами до сих пор.

На протяжении XX века в пейзажной графике произошло столько событий, что они не уместились бы даже в отдельную книгу, не говоря об этом кратком введении в тему. После всех «измов» начала века стили и течения постепенно стали терять значимость, а пейзажный жанр в графике разделился на множество направлений, в которых ведут поиски отдельные художники и небольшие группы.


Дмитрий Митрохин. Отдых на траве, Ленинград, 1937 г. Бумага, резцовая гравюра

Екатеринбургский музей изобразительных искусств


Вот художники, работы которых я советую посмотреть по теме этой книги: Владимир Фаворский, Петр Митурич, Дмитрий Митрохин, Бен Николсон, Джорджо Моранди, Морис Брианшон, Эдвард Боуден, Владимир Конашевич, Татьяна Маврина, Виктор Вакидин, Анатолий Кокорин, Георгий Верейский, Николай Лапшин, Май Митурич, Галина Макавеева, Александр Ливанов, Ричард Дибенкорн, Джулиан Тревельян, Палле Нильсен, Сол Стейнберг, Том Фейрс, Дэвид Хокни, Бретт Уайтли, Лоренцо Маттотти, Пол Хогарт, Йозеф ван Райссфельт, Андреа Серио, Пер Адольфсен, Бенуа Гийом, Янн Кебби, Шарлотта Эйджер, Лора Карлин, Стейси Колдуэл, Ирина Васильева, Мэтт Рота.

Это очень маленькая выборка из невероятного многообразия авторов, но думаю, что вы найдете в их графике совершенно разные подходы к пейзажу и работе с материалом.

Познакомиться с творчеством всех этих художников можно на моем сайте «Музей рисунка»: www.drawing-museum.org.

В наше время рисование в скетчбуке стало обычной практикой не только для студентов и профессиональных художников, но и для людей, не связанных напрямую со сферой изобразительного искусства. Рисование на улице – это не только развитие навыков или профессиональная рутина, но и повод побыть на свежем воздухе и внимательно посмотреть вокруг.

> «Забудьте все, чему вас учили»

> Помните, что говорящий так преподаватель скорее хочет произвести впечатление на новобранцев, чем намеревается создать условия для их развития. Этот прием обесценивает предыдущий опыт студентов и попутно снимает с ведущего ответственность: не нужно вникать, кто с чем пришел, просто учи всех одинаково.

> И ведь многие рады услышать эту фразу, потому что недовольны собой и хотят изменить все прямо сейчас, начать с начала. Но память, вкус и моторные навыки невозможно обнулить, только постепенно надстраивать новое с опорой на существующий опыт.

## глава 2. Темы для рисования

Чтобы рисовать на улице с интересом и пользой, полезно знать, какие задачи можно ставить перед собой в пейзажном рисунке, с какими темами можно работать. Список, который я привел ниже, конечно, не полный, но на него можно опереться в начале, чтобы не заблудиться в огромном разнообразии возможностей. Ясная тема помогает начать и завершить работу, выбрать подходящую технику и расставить акценты.

### Пространство

Изображение пейзажа всегда рассказывает о пространстве – широком или камерном, глубоком или уплощенном. Реальный пейзаж содержит множество пространственных планов, и то, как эти планы перекрывают друг друга, как смещаются друг относительно друга в динамике, открывает возможности для бесконечных вариаций и настроек.

Глубину пространства можно передать с помощью линейной и воздушной перспективы, подчеркнутыми тональными контрастами между различными планами и разницей масштаба объектов на ближнем и дальних планах.


Дмитрий Горелышев. Бурса, Турция. Акварель и карандаши


Самое интересное в рисовании пространства – рисовать не только объекты, но и воздух между ними – контрформы. Сам воздух мы изобразить не можем, но можем показать «разницу» между объектами таким образом, чтобы между ними ощущалось пустое пространство определенной формы.

Пространство как тема может стать оболочкой для других тем в рисунке. Например, вы выстраиваете глубину с помощью перспективы и тональных акцентов, а затем добавляете к этому тему ритма или цвета.

> Композиция и пауза

> Композитор Карлхайнц Штокхаузен сказал в интервью Хансу Ульриху Обристу:

> «Когда я преподавал композицию, я часто давал студентам задание вставить в композицию долгую паузу, отдельно обращая их внимание на важность того, с чем граничит эта пауза – какой звук раздается после и с чего она начинается. Она наступает внезапно, как разрез в плотном звуковом потоке, или музыка постепенно ослабевает перед ней?»

> Из книги «Краткая история новой музыки» (перевод С. Кузнецовой)


> Внимание к тишине между звуками обостряет восприятие самих звуков. Это работает и в изобразительном искусстве, мы называем такую паузу контрформой – пустотой между формами. Очертания и размер пространственной паузы между объектами влияет на композицию наравне с качествами самих объектов.

> Можно почувствовать это даже без рисования, передвигая два разных предмета. Постепенно сближайте их и отдаляйте друг от друга, наблюдая, как меняется восприятие этой пары от размера и формы паузы между ними. Какой эта пауза получилась по форме и характеру: пустая, тугая, острая, вялая? Так постепенно можно ощутить эту пустоту материальной и активной, как мы ощущаем магнитное поле, когда пытаемся сблизить одинаковые полюса двух магнитов.