Влад Юм
История Аниме

История аниме имеет глубокие корни, уходящие в начало XX века, когда японцы начали активно интересоваться иностранными техниками анимации. В то время японские художники начали экспериментировать с различными стилями и методами, заимствованными из западной анимации, что стало основой для формирования уникального японского стиля. Первым заметным произведением, которое можно отнести к аниме, считается мультфильм «Легенда о Белой Змее», созданный студией Toei Animation в 1958 году. Этот фильм стал важным шагом в развитии японской анимации и показал, что аниме может быть не только развлекательным, но и художественным искусством. В 1963 году студия Otogi выпустила первый аниме-сериал под названием Otogi Manga Calendar, который представлял собой черно-белые мультфильмы с историческими сюжетами. Этот проект открыл новую эру в анимации, продемонстрировав, что аниме может быть не только кино, но и сериалом, который будет привлекать зрителей на протяжении длительного времени. Настоящим прорывом в мире аниме стало создание Осаму Тэдзукой, известного как «Бог манги», студии Mushi Productions. В 1963 году он выпустил свой первый аниме-сериал Tetsuwan Atom (в международной версии известный как Astro Boy), который стал культовым и положил начало настоящему буму аниме. Этот сериал не только привлек внимание к анимации, но и заложил основы для многих жанров, которые мы знаем сегодня, таких как меха, фэнтези и научная фантастика. С тех пор аниме стало неотъемлемой частью японской культуры и получило признание по всему миру. Оно начало развиваться в различных направлениях, включая разнообразные жанры, такие как сёнэн, сёдзё, хоре и многие другие. Аниме также вдохновило создание множества манги, видеоигр и других медиаформатов, что способствовало его популяризации за пределами Японии.

В 1970-е годы аниме претерпело значительные изменения, отрываясь от своих иностранных корней и формируя уникальные жанры, которые стали основой для дальнейшего развития японской анимации. В этот период на свет появились такие культовые произведения, как "Lupin III" и "Mazinger Z", которые не только завоевали популярность в Японии, но и начали оказывать влияние на анимацию в других странах. Жанр меха, который стал одним из самых популярных направлений в аниме, появился именно в это время. Он характеризуется использованием гигантских роботов, которые часто сражаются друг с другом или защищают человечество от различных угроз. "Mazinger Z", созданный Го Нагайем, стал одним из первых аниме, где механические существа играли центральную роль, что дало толчок развитию жанра и появлению множества его последователей. Важным аспектом этого периода стало появление новых авторов и режиссёров, которые начали формировать лицо аниме как искусства. Хаяо Миядзаки, Осаму Дэдзаки, Ёсиюки Томино, Мамору Осии и Ёсиаки Кавадзири – все они начинали свою карьеру в 1970-е годы, и их работы заложили основы для будущих шедевров анимации. Например, Миядзаки, который позже стал одним из самых известных аниматоров в мире, уже в это время проявлял свой уникальный стиль и внимание к деталям, что впоследствии привело к созданию таких шедевров, как "Унесённые призраками" и "Мой сосед Тоторо". Также стоит отметить, что в 1970-е годы аниме стало более доступным для широкой аудитории, что способствовало его популяризации не только в Японии, но и за её пределами. Начали появляться первые международные фестивали анимации, где японские аниме получили признание. Это время стало настоящим расцветом для аниме-индустрии, когда начали формироваться сообщества поклонников, а аниме стало неотъемлемой частью поп-культуры.

К 1980-м годам аниме и манга стали неотъемлемой частью японской культуры и начали активно завоевывать популярность как в самой Японии, так и за её пределами. Этот период принято называть «Золотым веком» аниме, когда индустрия достигла новых высот в творчестве и коммерческом успехе. В это время стартовал выпуск первых серий культового цикла Gundam, который стал основополагающим для жанра меха и оказал огромное влияние на развитие аниме в целом. Gundam не только привнес в аниме элементы сложного сюжета и глубоких персонажей, но и создал целую армию поклонников, вдохновив множество последующих проектов. Одной из ключевых фигур этого периода стала Румико Такахаси, чьи работы, такие как «Ураганные хроники» и «Инюаша», завоевали огромную популярность благодаря уникальному стилю и запоминающимся персонажам. Она смогла создать миры, в которых сочетались комедия, драма и фэнтези, что сделало её произведения любимыми у широкой аудитории. Важным событием 1988 года стал выход полнометражного фильма «Акира», который не только установил рекорд бюджета для аниме, составив около 10 миллионов долларов (включая расходы на производство и маркетинг), но и произвел революцию в самой анимации. «Акира» представила зрителям новый уровень детализации и динамики, а также более зрелые и сложные темы, что привлекло внимание не только поклонников аниме, но и критиков. Фильм стал культовым, оказав значительное влияние на западную поп-культуру и вдохновив множество режиссеров и аниматоров по всему миру.

1990-е и 2000-е годы стали эпохой, когда аниме получило широкое признание за пределами Японии, что стало важным поворотным моментом в истории анимации. Культовые фильмы, такие как «Акира» (1988), «Манускрипт ниндзя» (1993) и «Призрак в доспехах» (1995), заложили основу для международного интереса к японской анимации, открыв двери для более широкой аудитории. Эти фильмы не только продемонстрировали уникальный стиль и глубокие сюжеты, но и привлекли внимание к японской культуре в целом. В 1997 году вышел полнометражный аниме-фильм «Принцесса Мононоке», который собрал 170 миллионов долларов в мировом прокате. Этот фильм стал знаковым событием, продемонстрировавшим, что аниме может конкурировать с голливудскими блокбастерами. Позже, в 2001 году, «Унесённые призраками» Хаяо Миядзаки не только завоевали Оскар, но и собрали более 300 миллионов долларов, что подтверждало рост популярности аниме на международной арене. Фильмы, такие как «Твоё имя» (2016) и «Судзумэ, закрывающая двери» (2022), продолжили эту тенденцию, привлекая миллионы зрителей по всему миру и показывая, что аниме охватывает широкий спектр тем и жанров. Рекордный успех аниме был также подтверждён фильмом «Истребитель демонов: Поезд Бесконечный» (2020), который собрал впечатляющие 507 миллионов долларов в мировом прокате, став одним из самых кассовых аниме-фильмов всех времён. Это свидетельствовало о том, что аниме не просто развлечение, а полноценная форма искусства, способная затрагивать важные темы и вызывать сильные эмоции у зрителей. В то же время, в Японии продолжалось совершенствование технологий анимации. Студии начали активно использовать компьютерную графику и трёхмерную анимацию, что позволило создавать более сложные и визуально привлекательные произведения. Это изменение способствовало тому, что аниме стало более доступным и разнообразным, охватывая не только детские мультфильмы, но и серьёзные, глубокие истории, предназначенные для подростков и взрослых. Аниме превратилось из простых детских развлечений начала XX века в многогранную культуру, создающую произведения, которые могут быть как забавными, так и эмоциональными, порой затрагивающими философские и социальные вопросы. В результате, аниме стало важной частью мировой поп-культуры, влияя на различные аспекты искусства, моды и даже музыки.

Истоки

Старейшее известное аниме, обнаруженное в 2005 году, было создано примерно в 1907 году и называется «Кацудо сясин». Этот короткий мультфильм состоит из пятидесяти кадров, нарисованных на целлулоидной ленте. На этих кадрах изображён мальчик, который рисует иероглифы, означающие «движущиеся фотографии», термин, использовавшийся в то время для обозначения кино. Затем мальчик поворачивается к зрителю, снимает шляпу и кланяется, что символизирует приветствие и уважение к аудитории. К сожалению, имя художника, создавшего эту анимацию, осталось неизвестным, что подчеркивает анонимность многих ранних аниматоров. С 1917 года в Японии начали появляться первые анимационные фильмы, которые имели продолжительность от одной до пяти минут. Среди них можно выделить такие работы, как «Дэкобоко сингатё» («Новый альбом набросков») Дэкотэна Симокавы и «Сару кани кассэн» («Сражение краба и обезьяны»). Эти ранние анимации часто черпали вдохновение из западной культуры, но также нередко обращались к японским народным сказкам и мифам. Например, мультфильм «Момотаро» (1918) Сэйтаро Китаямы стал одним из первых анимационных фильмов, основанных на японских легендах. В первой четверти XX века анимация в Японии развивалась благодаря энтузиастам, которые стремились создать что-то новое, вдохновляясь работами своих иностранных коллег. Эти аниматоры часто экспериментировали с различными стилями и техниками, что способствовало развитию уникального японского стиля анимации. В 1920-х годах продолжительность отдельных мультфильмов могла достигать 15 минут, что позволяло создавать более сложные сюжеты и развивать персонажей. В 2024 году было найдено аниме под названием «Гигиена полости рта», которое длится 8,5 минут и относится к 1923 году. Это произведение также приписывается Сэйтаро Китаяме и демонстрирует, как анимация начала развиваться не только как развлечение, но и как средство передачи информации и образовательных тем. «Гигиена полости рта» подчеркивает важность заботы о здоровье, что является актуальной темой и в наше время.

В течение первых десятилетий XX века, когда анимация только начинала развиваться, множество произведений этого периода, к сожалению, не сохранились до наших дней. Однако известно, что некоторые из этих анимационных фильмов имели успех и демонстрировались в кинотеатрах, где собирали неплохие кассовые сборы. В эпоху немого кино яркими представителями анимационного искусства стали такие талантливые аниматоры, как Дэкотэн Симокава, Дзюнъити Коти, Сэётаро Китаяма, Санаэ Ямамото и Ясудзи Мурата. Особенно стоит отметить Санаэ Ямамото, чей мультфильм «Гора Обасутэ» считается старейшим известным именованным аниме и стал важной вехой в истории японской анимации. Эти аниматоры, как правило, работали в домашних условиях, что было характерно для многих творческих людей того времени. Несмотря на отсутствие современных технологий и ресурсов, они проявляли невероятное упорство и креативность, создавая свои произведения. Владельцы кинотеатров играли важную роль в поддержке аниматоров, приобретая права на показ их работ и тем самым способствуя популяризации анимации среди широкой аудитории. Работы этих аниматоров отличались простотой и доступностью, что сделало их привлекательными для зрителей. Они часто использовали элементы традиционной японской культуры и фольклора, что позволило им находить отклик в сердцах зрителей. Постепенно анимация начала завоевывать популярность, и зрители стали ожидать новых работ, что способствовало развитию этого жанра. Кроме того, в этот период наблюдается интересный феномен: анимация начала влиять на другие виды искусства и развлечений. Многие аниматоры экспериментировали с новыми техниками и стилями, что привело к появлению уникальных произведений, которые стали основой для дальнейшего развития анимации в Японии и за ее пределами.

Второе поколение японских аниматоров начало формироваться в предвоенный период, когда японская анимация начала активно развиваться и привлекать внимание не только зрителей, но и государства. В это время традиционные элементы японского фольклора, которые ранее были основой для создания анимационных произведений, постепенно уступили место новым сюжетам, зачастую с юмористическим уклоном и вдохновлённым западными образцами. Эта эволюция анимации стала возможной благодаря влиянию американской анимации, которая в тот период пользовалась огромной популярностью как в Японии, так и за её пределами. Министерство образования Японии осознало потенциал анимации как образовательного инструмента и начало оказывать финансовую поддержку аниматорам. Первоначально аниме использовалось в учебных заведениях в качестве вспомогательного материала, что способствовало его популяризации среди молодежи. Анимация стала не только развлечением, но и эффективным средством передачи знаний, что открыло новые горизонты для её применения в образовательной сфере. Со временем аниме вышло за рамки учебных заведений и стало востребованным в различных областях, включая науку, рекламу и даже политику. Анимированные ролики начали использоваться для популяризации научных идей, рекламных кампаний и даже для политической агитации, что свидетельствовало о том, что анимация может служить мощным инструментом воздействия на общественное мнение. В этот период также были приняты первые законы, регулирующие содержание анимационных произведений. В частности, некоторые аниме были признаны пригодными для демонстрации только лицам старше 15 лет. Это решение было вызвано необходимостью защиты несовершеннолетних от неподобающего контента, который мог бы оказать негативное влияние на их психическое развитие.

Аниме как форма искусства и развлечения отражало не только культурные, но и политические реалии Японии в разные исторические периоды. В 1930-х годах, когда в стране усилилась политическая цензура, а также нарастали милитаристские настроения, анимация начала служить инструментом пропаганды. В 1932 году Кэндзо Масаока основал студию Masaoka Film Production, которая стала одной из первых, сосредоточившихся исключительно на создании анимационных фильмов. Это стало важным шагом в развитии японской анимации, так как студии начали осваивать новые технологии и подходы к созданию мультфильмов. В 1933 году на этой студии был выпущен первый звуковой мультфильм под названием "Chikara to onna no yononaka", что стало знаковым событием для японской анимации. Этот фильм продемонстрировал, как анимация может использоваться для передачи не только развлекательного контента, но и более глубоких социальных и политических сообщений. Одним из первых примеров милитаристской пропаганды в анимации стал 11-минутный мультфильм "Norakuro" (яп. Норакуро, «Ефрейтор Норакуро»), созданный Ясудзи Муратой в 1934 году. Этот мультфильм, основанный на популярном комиксе, рассказывает историю несчастного пса, который становится рядовым в армии зверей. Сюжет, наполненный комическими элементами, на самом деле служил для популяризации военной службы и героизации армии среди молодежи. С началом Второй японо-китайской войны в 1937 году, когда Япония вторглась в Китай, правительство приняло ряд законов, которые значительно упростили контроль над производимой анимацией. Это способствовало тому, что множество аниме стало создаваться по заказу военных, и их основная цель заключалась в агитации патриотизма и национализма. Такие фильмы часто изображали японских солдат как героев, сражающихся за справедливость и честь своей страны, и призывали молодежь к службе в армии.

В преддверии Второй мировой войны японская анимация начала претерпевать заметные изменения в своем стиле и содержании. Японские аниматоры стремились создать уникальный визуальный язык, который бы не напоминал западные мультфильмы. Это стремление стало особенно актуальным после того, как в 1942 году в Токио состоялся закрытый показ американских фильмов, таких как «Унесённые ветром» и «Белоснежка и семь гномов». Эти мультфильмы, отличавшиеся яркими цветами и высококачественной анимацией, произвели значительное впечатление на зрителей, а японское правительство увидело в этом возможность для пропаганды. В результате, в 1943 году было принято решение о создании первого японского полнометражного анимационного фильма, который должен был носить агитационный характер. Для этой цели правительство привлекло талантливого аниматора Мицуё Сэо, который собрал команду профессионалов, чтобы создать фильм, отражающий дух времени. Результатом их работы стал 37-минутный мультфильм под названием «Момотаро – морской орёл» (Momotaro no Umiwashi). Сюжет картины был основан на нападении японских войск на Пёрл-Харбор, что сделало его не только развлекательным, но и политически значимым произведением. В 1945 году Сэо выпустил продолжение своего успешного проекта – «Момотаро – божественный моряк» (Momotarou: Umi no Shinpei). В этом фильме рассказывается о команде бесстрашных животных, которые борются против «дьявольских рогатых пришельцев», символизирующих американские войска. Этот мультфильм стал важным элементом японской пропаганды, подчеркивая идеи патриотизма и единства в борьбе против внешних врагов. Эти работы оказали значительное влияние на молодого Осаму Тэдзуку, который позже стал известным как «бог манги» и основоположником современного аниме. Тэдзука, вдохновленный анимацией Сэо, решил посвятить свою жизнь созданию анимационных фильмов и манги, что в дальнейшем привело к революции в японской анимационной индустрии.

1950—1960-е годы. Toei Animation и Mushi Production

После окончания Второй мировой войны Япония столкнулась с серьезными экономическими трудностями. Страна находилась в состоянии упадка, и восстановление требовало значительных усилий. В это время цензура и государственное вмешательство в сферу анимации практически исчезли, однако на протяжении почти десяти лет японская анимация не смогла произвести заметных произведений. Это было связано как с экономическими проблемами, так и с отсутствием необходимых ресурсов и инфраструктуры для создания качественной анимации. В рамках плана послевоенного преобразования Японии американские власти начали активно ввозить свою кинопродукцию на японский рынок. С началом 1950-х годов, после завершения оккупации, японские прокатчики начали закупать анимационные фильмы на добровольной основе. Это дало японской аудитории возможность познакомиться с множеством популярных американских мультфильмов, таких как приключения Микки Мауса, Дональда Дака и Супермена. Эти фильмы, отличавшиеся высоким качеством анимации и продуманными сюжетами, произвели на японских аниматоров сильное впечатление. Техническое превосходство американских анимационных фильмов стало катализатором изменений в японской анимационной индустрии. Японские аниматоры осознали необходимость создания крупных анимационных студий, способных конкурировать с американскими. Первые такие студии, «Ниппон дога» и «Тохо эйга», были основаны в это время. Студия «Ниппон дога» была основана Масаокой Кэндзо и Ямамото Санаэ, и именно здесь начал свою карьеру известный режиссёр Ясудзи Мори, который впоследствии стал одним из ключевых фигур в развитии японской анимации. Небольшие анимационные студии не могли справиться с растущими запросами публики, и в условиях экономической нестабильности создание крупных компаний представляло собой рискованное предприятие. Однако, несмотря на эти трудности, в Японии начали появляться новые анимационные проекты, которые постепенно привели к возрождению индустрии. Важным шагом стало внедрение новых технологий и методов анимации, что позволило японским аниматорам создавать уникальные произведения, которые сочетали в себе как элементы западной анимации, так и традиционные японские мотивы. К концу 1950-х годов японская анимация начала набирать популярность как внутри страны, так и за её пределами. В это время возникали новые студии и проекты, которые в дальнейшем стали основой для создания таких культовых анимационных сериалов и фильмов, как «Astro Boy» и «Speed Racer». Эти произведения не только изменили представление о японской анимации, но и заложили основы для будущих успехов в этой области.

С момента своего основания в 1956 году, Toei Animation, изначально известная как Toei Doga, сыграла ключевую роль в развитии японской анимации. Созданная Хироси Окавой после приобретения компании «Ниппон дога», Toei Animation стала первой студией, которая начала производить аниме на профессиональном уровне, что изменило представление о японской анимации и положило начало новой эре в этом искусстве. Первым произведением студии стал короткометражный чёрно-белый мультфильм «Каракули котенка» (яп. Конэко но ракугаки), который стал отправной точкой для дальнейших экспериментов и развития анимационного искусства в Японии. Однако настоящий прорыв произошёл в 1958 году с выходом первого полнометражного цветного аниме-фильма «Легенда о Белой Змее» (яп. Хакудзядэн). Этот фильм не только стал коммерчески успешным, но и оказал значительное влияние на многих аниматоров, включая Хаяо Миядзаки, который впоследствии стал одним из самых известных и уважаемых мастеров анимации в мире. Toei Animation с самого начала ориентировалась на создание анимационных фильмов, которые бы соответствовали международным стандартам. Первые полнометражные фильмы студии во многом следовали традициям Disney, что выражалось в использовании ярких красок, музыкальных вставок и сюжетов, основанных на японских народных сказках. В этих фильмах часто встречались животные, которые поддерживали главных героев, что придавало историям дополнительную эмоциональную глубину и делало их более привлекательными для широкой аудитории. Однако Toei не ограничивалась только полнометражными фильмами. С первых лет своего существования студия также активно работала над созданием аниме-сериалов, что позволило ей занять прочное место на рынке телевизионной анимации. Одним из ключевых проектов стал фильм «Путешествие на Запад» (яп. Сайю:ки), созданный по мотивам манги известного художника Осаму Тэдзуки. Этот проект стал важным шагом в развитии аниме как жанра, который начал привлекать внимание не только в Японии, но и за её пределами. На сегодняшний день Toei Animation остается одной из самых старых и влиятельных анимационных студий в Японии, продолжая производить как полнометражные фильмы, так и популярные аниме-сериалы. Студия активно экспериментирует с новыми технологиями и стилями, что позволяет ей оставаться актуальной в быстро меняющемся мире анимации. В её портфолио можно найти множество известных аниме-сериалов, таких как «Драконий жемчуг», «Наруто» и «Сенен Сет», которые завоевали сердца миллионов зрителей по всему миру.

Ранние работы студии Toei Animation оказали значительное влияние на формирование современного аниме, особенно благодаря внедрению техники «ключевых сцен». Этот метод, который стал стандартом в индустрии, позволяет сократить затраты на анимацию, сохраняя при этом высокое качество визуальных эффектов. Суть техники заключается в том, что определенные ключевые кадры, имеющие особую важность для сюжета или эмоциональной нагрузки, прорисовываются с гораздо большей детализацией, чем остальные, менее значимые сцены. Ясуо Оцука, талантливый аниматор из Toei, был одним из первых, кто начал применять этот прием. Он разработал его в ходе экспериментов, направленных на упрощение процесса создания анимации, что позволило значительно ускорить работу над проектами и снизить затраты. Одним из первых и самых известных аниме, использовавших эту технику, стал «Атом» (Tetsuwan Atomu) Осаму Тэдзуки, который вышел в 1963 году. Этот сериал положил начало целой эпохе в анимации, представив зрителям образ героического мальчика-робота, обладающего сверхчеловеческими способностями. В нем сочетались элементы научной фантастики и драмы, что сделало его привлекательным для широкой аудитории. Главный герой, Атом, не только сражается с различными злодеями, но и ищет свое место в мире, сталкиваясь с вопросами о человечности и морали. В аниме 60-х годов также активно использовалась тема поддержки со стороны обычных людей. Герои часто находили помощь и понимание в лице профессоров, ученых и своих друзей, что создавало ощущение общности и единства в борьбе со злом. Примеры таких аниме включают «Space Ace», «Prince Planet» и «Dolphin Oji», где центральные персонажи, обладая уникальными способностями, взаимодействуют с окружающими, что подчеркивает важность дружбы и сотрудничества.

В 1960-е годы японская анимация претерпела значительные изменения, и одним из главных факторов, способствовавших этому, стало повсеместное распространение телевидения в стране. Это новое средство массовой информации открыло двери для анимации, позволяя ей достигать широкой аудитории. В 1963 году Осаму Тэдзука, выдающийся художник и писатель манги, основал свою анимационную студию Mushi Productions, которая стала важным игроком на рынке анимации. Именно в этом году Тэдзука выпустил свой первый анимационный черно-белый телесериал под названием Tetsuwan Atomu, известный на Западе как Astro Boy или «Могучий Атом». Этот сериал часто считается началом истории японских аниме-сериалов, хотя стоит отметить, что первым аниме-сериалом, показанным по японскому телевидению, был Otogi Manga Calendar, который начал выходить в 1962 году. Тем не менее, Tetsuwan Atomu стал первым сериалом, в котором были использованы элементы сквозного сюжета и постоянные персонажи. Это означало, что герои не оставались статичными, а развивались на протяжении всего сериала: они могли появляться и исчезать, взрослеть и стареть. Такой подход к повествованию значительно обогатил анимацию, сделав её более привлекательной для зрителей. Tetsuwan Atomu также стал одним из первых аниме-сериалов, который был показан по американскому телевидению, что способствовало его международной популярности и знакомству западной аудитории с японской анимацией. Успех Tetsuwan Atomu привел к тому, что произведения Тэдзуки мгновенно завоевали популярность, сравнимую с их манга-прототипами. Это вдохновило других художников и аниматоров на создание собственных телевизионных сериалов. К 1963 году в Японии уже было основано четыре новых анимационных студии, что свидетельствует о росте интереса к анимации как к жанру. Сам Осаму Тэдзука, благодаря своему вкладу в анимацию, получил прозвище «Бог манги», что подчеркивает его влияние на эту индустрию. В 1964 году была основана Tokyo Movie Shinsha, которая быстро стала одной из крупнейших анимационных студий в Японии. Эта студия сыграла важную роль в развитии анимации, выпуская множество успешных проектов. В 1965 году Mushi Productions выпустила свой первый цветной мультсериал под названием Jungle Taitei, известный на Западе как Kimba the White Lion. Интересно, что сюжет этого мультсериала впоследствии стал основой для знаменитого диснеевского мультфильма «Король Лев», что подчеркивает влияние японской анимации на мировую индустрию. В 1966 году Toei Doga, еще одна важная анимационная студия, выпустила свой первый сёдзё-сериал под названием Mahoutsukai Sally. Этот сериал стал значимым шагом в развитии жанра сёдзё, который ориентирован на подростков и молодых девушек, и открыл новые горизонты для анимационных историй, ориентированных на женскую аудиторию. В этом контексте стоит отметить, что 1960-е годы стали временем экспериментов и новаторства в анимации, когда создавались не только развлекательные, но и социальные и культурные произведения.

В 1968 году на экраны вышел полнометражный анимационный фильм под названием «Taiyo no Ouji: Horus no Daibouken» (в русском переводе «Принц Солнца: Приключения Хоруса»), который стал значимой вехой в истории японской анимации. Режиссёром картины выступил Исао Такахаata, а среди его соавторов были такие выдающиеся личности, как Хаяо Миядзаки и Ясудзи Мори. Фильм рассказывает о приключениях юного героя по имени Хорус, который, обладая храбростью и добротой, сражается с тёмными силами и стремится спасти свою деревню от злого колдуна. Несмотря на то что «Приключения Хоруса» привлекли внимание зрителей, особенно среди молодежной аудитории и студентов, критики и руководители студии Toei Doga остались недовольны кассовыми сборами, которые оказались ниже ожидаемого. Это разочарование привело к тому, что Такахата был понижен в должности, что стало для него большим ударом. Однако фильм оставил заметный след в анимационной индустрии и впоследствии приобрёл культовый статус. Интересно, что «Приключения Хоруса» стали первой совместной работой Миядзаки и Такахаты, что предопределило их дальнейшую успешную карьеру в анимации. Оба режиссёра впоследствии основали студию Ghibli, которая создала множество шедевров, завоевавших международное признание. Фильм также известен своим новаторским подходом к анимации и сюжету, что отличает его от традиционных детских мультфильмов того времени. В нём затрагиваются серьёзные темы, такие как борьба добра со злом, важность дружбы и самопожертвования, что делает его актуальным и по сей день. Кроме того, «Приключения Хоруса» стали важной вехой в развитии анимационного стиля, который позже был использован в других работах Миядзаки и Такахаты. Фильм сочетает в себе элементы фэнтези и приключений, а также яркие и запоминающиеся персонажи, что способствовало его долгожданному признанию в анимационном сообществе.

Поздние 1960-е годы стали важным этапом в развитии аниме, характеризующимся смелыми экспериментами как в форме, так и в содержании. На тот момент анимация уже успела утвердить свои жанровые каноны, среди которых выделялся сёнэн – история о мальчике с необычными способностями, стремящемся достичь своей цели и взрослеющем на протяжении испытаний. Однако именно в этот период начались попытки создать анимацию, способную заинтересовать более зрелую аудиторию, что стало возможным благодаря усилиям таких пионеров, как Осаму Тэдзука. Тэдзука, известный как "бог манги", активно выступал за то, чтобы анимация и комиксы были доступны для всех возрастов. Он создал несколько фильмов, которые были ориентированы на взрослую аудиторию, среди которых особое место занимают «Тысяча и одна ночь» (1969), «Клеопатра» (1970) и «Печальная Беладонна» (1973). Последний фильм, «Беладонна», стал особенно значимым и необычным произведением, и многие критики и зрители считают, что он оказал влияние на создание таких культовых аниме, как Revolutionary Girl Utena (1997). Этот фильм выделялся своей стилистикой и темами, затрагивающими сложные и глубокие аспекты человеческой природы и общества. В 1971 году начался показ первого "взрослого" аниме-сериала Lupin III, который также открыл новые горизонты для анимации, демонстрируя, что аниме может быть не только развлекательным, но и интеллектуальным. К концу 1960-х годов были сформированы каноны и для других жанров аниме, которые позже развивались и обогащались. Например, жанр меха-сэнтай, представленный такими произведениями, как Cyborg 009, стал основополагающим для многих последующих аниме о роботах и киборгах. Спокон, или спортивные аниме, нашел свое выражение в таких сериалах, как Kyojin no Hoshi и Attack No. 1, которые вдохновили целое поколение юных спортсменов. Мистика также заняла свое место в аниме, с такими произведениями, как Humanoid Monster Bem, которые исследовали темы сверхъестественного и потустороннего. Научная фантастика, повседневность, пародия и комедия также начали активно развиваться, создавая многообразие жанров, доступных зрителям. В 1969 году вышли два анимационных фильма, ставшие классикой жанра кодомо и завоевавшие популярность в России – «Кот в сапогах» и «Летающий корабль-призрак». Эти фильмы не только развлекали детей, но и привносили в их жизнь элементы культуры и искусства. Интересно, что в это время произошло четкое разделение аниме по половому признаку, что также отразило растущее разнообразие целевой аудитории. Конец 1960-х годов также стал периодом перехода от черно-белой анимации к цветной. Одним из первых цветных аниме-сериалов стал Dolphin Oji, хотя он не получил широкой популярности. Изначально разработчики планировали выпустить черно-белую версию, но после четвертой серии решили перейти к цветной анимации, что стало важным шагом в эволюции визуального языка аниме.

Конец ознакомительного фрагмента.

Текст предоставлен ООО «Литрес».

Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию на Литрес.

Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.