Иван Старостенко
Хоррорлогия

Истоки литературной готики

Чувство страха – одно из главных свойств человеческой натуры. Страх является самым базовым человеческим чувством. Именно по этой причине литература ужасов зародилась с появлением письменной культуры как таковой. Больше всего в этой области преуспели английские романисты, чей фольклор всегда был наиболее богатым на различного рода мистических существ. Если даже в целом взять, в фольклоре любой страны всех времён всегда присутствовали ужасающие мифические существа.

В 18 веке в Европе зародилось понятие «готический роман». Изначально слово «готический» имел значение «варварский», что отображало интерес к Средневековью в то время. Культура Средневековья наряду с изображением чего-то таинственного и мистического стали основой литературной готики. Главными атрибутами данной литературы были: старинные замки, монастыри, часовни, склепы, подземелья. Основными же элементами были: гроза в ночи, крики сов, чёрные птицы, летучие мыши и наличие мистических существ – призраков, вампиров… В готических романах всегда отображалось нечто запретное, таинственное и ужасное. Ведь, как известно – «запретный плод сладок». Именно эта концепция легла в основу как литературы, так и фильмов ужасов.

Основоположником литературной готики является Хорес Уолпол. Его роман «Замок Отранто» (1764) считается первым готическим произведением. Уолпол всегда интересовался культурой Средневековья, и даже построил замок в готическом стиле близ Лондона.

В «Замке Отранто» были все атрибуты готики: старинный замок, призраки разгуливающие в коридорах замка, родовое проклятие, и т.д.

По стопам Уолпола шла английская писательница Анна Рэдклифф, также являющаяся одним из основоположников готического романа. Наиболее выдающимися её произведениями являются: «Итальянец» (1797) и «Удольфские тайны» (1794). В произведениях Рэдклифф чувствуется поэтическая атмосфера таинственного и потустороннего. Её произведениям присуща тонкая психологическая проработка персонажей, вкупе с пугающим чувством чего-то неизведанного.

Весьма необычную концепцию в литературный роман ввёл английский писатель Мэтью Грегори Льюис. Он написал роман «Монах» (1796), в котором раскрыл такие, раннее запретные темы, как: чёрная магия, инцест и сатанизм.

Но главные достижения в литературе ужасов произошли в начале 19 века. Летом 1816 года на берегу Женевского озера, на вилле Диодати собралась компания, состоящая из: поэта Перси Шелли, его жены – писательницы Мэри, её сводной сестры Клэр, Лорда Байрона и его личного врача – Джона Полидори. Вечерами они рассказывали друг другу страшные истории. И тогда Лорд Байрон предложил в качестве соревнования написать каждому из присутствующих по страшной истории. В результате всех превзошла 19-летняя Мэри Шелли, написав потрясающий роман ужасов – «Франкенштейн, или Современный Прометей».

На написание романа её побудил страшный сон, в котором она увидела учёного, создавшего человека, но впоследствии отрекшегося от него, ввиду его внешней деформации.

В 19 веке применяли теорию гальванизма, как идею воскрешения мёртвой плоти за счёт электрических разрядов и молнии. Это и легло в основу эпохального произведения Мэри Шелли.

Масштабные познания в области науки, отраженные в романе, Шелли получила благодаря своему отцу, который всегда был окружен людьми из научного света.

Начинается роман с записок капитана Уолтона, намеренного исследовать Северный Полюс. Прибыв на Полюс, капитан и его команда находит едва живого, замёрзшего человека в снегах. Его имя – Виктор Франкенштейн. Поначалу Франкенштейн говорит нечленораздельные речи, но со временем он полностью приходит в себя, и начинает рассказывать капитану историю своей жизни.

Франкенштейн родился в обеспеченной семье в Женеве. С самого детства Виктор был поглощён науками о неизведанном. Постоянно читал труды известных учёных и мечтал постичь тайны человеческой жизни. Его родители удочерили юную Элизабет, на которой Виктор женился спустя несколько лет.

Полностью поглощённый тайнами жизни, Франкенштейн отправляется в университет в Ингольштадте, в Германии. Там он постигает те знания, которые ему особенно необходимы. Но его взгляды во многом расходятся со взглядами профессоров. И он решает самостоятельно заниматься научными исследованиями. Франкенштейн соорудил собственную лабораторию, доступ к которой был лишь у него. Он решает сотворить идеального человека, наделённого блестящим умом и идеальной внешностью, прибегнув к помощи алхимии и гальванизма. Но в результате Франкенштейн с сожалением осознал, что создал монстра, наделённого огромной физической силой. Создатель отрекается от своего Создания. И Монстр сбегает из лаборатории.

Поначалу он, как ребёнок, не умеет разговаривать и ничего не понимает, но его интеллект очень быстро развивается. И со временем его разум, в каком-то смысле, уже превышает человеческий. Обладая доброй натурой, но ужасающей внешностью, он не находит себе места среди людей.

Всеми гонимый и презираемый, разочаровавшийся монстр решает со временем нанести визит своему создателю…

Мэри Шелли наделила Создание Франкенштейна огромным сочувствием. Её персонаж одинок, и отрешён от людей. Он хотел лишь творить добро людям, но их предрассудки по поводу его ужасающей внешности вынудили его сердце наполниться злобой. Это во многом отражает жизнь самой Мэри: ее мать умерла вскоре после родов, а с мачехой она находилась в постоянных конфликтах. Она часто уходила из дома, и проводила много времени у моря. Из-за всего этого Мэри чувствовала себя брошеной и одинокой.

А когда Мэри вышла замуж за Перси Шелли, и родила ребенка, он не прожил и 2 недель. В деяниях Франкенштейна она отразила свое огромное желание вернуть умершую мать и ребенка.

Кроме того, на примере своего персонажа, Шелли хотела показать, что случается с человеком, который не способен понести ответственность за свое творение, бросив его на произвол судьбы. Именно эти составляющие сделали величественное произведение Мэри Шелли бессмертной классикой, которую в будущем адаптировали бесчисленное количество раз – как в театре, так и в кино.

«Франкенштейн» считается первым в истории научно-фантастическим произведением. В нём необычайным образом сочлись готика, ужасы и фантастика.

Роман был напечатан лишь через 2 года после написания.

На следующий год после публикации произведения Мэри Шелли, врач Лорда Байрона – Джон Полидори издал рассказ «Вампир». Он был основан на набросках Байрона, сделанных в ходе предложенного им соревнования на самую страшную историю.

«Вампир» – первое произведение, в котором вампир представлен как аристократичный, обольстительный, загадочный, утончённый и высокомерный антагонист. Полидори во многом позаимствовал черты для своего героя у самого Лорда Байрона. Впоследствии эти черты станут основными в классических произведениях и фильмах о вампирах.

Американская готика

В Америке основу литературной готики заложил писатель, поэт, литературный критик и редактор Эдгар Аллан По. Его произведения буквально пронизаны мраком, готикой и тёмной романтикой. Помимо этого он является основателем детективного жанра. Персонаж его детективных произведений – сыщик-любитель Огюст Дюпен был предшественником таких литературных сыщиков, как Шерлок Холмс и Эркюль Пуаро.

В готических произведениях По зачастую фигурировали персонажи, наделённые утончённостью чувств, меланхолией и неизведанной болезнью. Ещё одной особенностью его произведений было воспевание смерти. В особенности – смерти красивой женщины. По находил это невероятно поэтичным. Очень точно об особенностях его произведений высказался актёр Джон Кьюсак (который сыграл самого По в фильме «Ворон» (2011)): «У Эдгара По понятия красоты и ужаса, любви и страха неразрывно связаны, и просто не могут существовать отдельно. В одном его произведении есть строки: «Я могу предаваться любви только там, где в воздухе ощущается дыхание смерти, смешанное с дыханием красоты»».

Вероятнее всего, на создание большинства произведений По повлиял тот факт, что школа, в которой он учился прилегала к кладбищу, и, поскольку учителям порой даже не хватало денег на учебники, уроки математики проходили прямиком на кладбище, где ученики учились считать по средствам даты рождения и смерти усопших.

Наиболее известное произведение По – «Падение дома Ашеров». В нём, как и в большинстве его рассказов, повествование ведётся от лица безымянного рассказчика.

Рассказчик прибывает в старинное мрачное поместье, в котором живёт его друг юности Родерик Ашер со своей сестрой Мэделин. Когда рассказчик встречает своего старого друга, то с трудом узнаёт его – он выглядит очень болезненным и побледневшим. Родерик оказывается творческой и утончённой натурой – он рисует картины и музицирует на гитаре. Кроме того, Родерик и его сестра страдают от необъяснимой болезни. Родерик болезненно воспринимает яркий свет, яркие краски и не переносит громких звуков. Все его чувства обострены до предела. Сестра же Родерика постоянно придаётся мрачному унынию и апатии. Она, словно свеча, тает день ото дня. Родерик говорит, что всё дело в самом поместье, в котором таится некая зловещая сила, хранившаяся здесь ещё с древних времён.

Вскоре Мэделин умирает от неизведанной болезни. Родерик намерен хранить её тело на протяжении двух недель в подземелье собственного дома, поскольку вполне возможно, что у неё каталепсия, чему нередко подвергался род Ашеров. И вполне вероятно, что неизведанная болезнь доведёт последних из оставшихся членов рода Ашеров к смерти.

«Падение дома Ашеров» – очень эмоциональное и мрачное произведение. В нём Эдгар По довёл до совершенства свой мастерский стиль, делая акцент на деталях и эмоциональной составляющей. В данном рассказе наиболее ярко продемонстрированы основные составляющие произведений По: злой рок нависший над главными героями, необъяснимая болезнь, родовое проклятие, меланхолия и чувство страха перед неизведанным.

В рассказе «Морелла» речь идёт о женщине практикующей мистицизм, по имени Морелла. В результате своих оккультных экспериментов Морелла смогла добиться того, что душа её никогда не сможет покинуть материальный мир. И после своей смерти её душа переселилась в тело дочери, после рождения которой Морелла умерла.

Переселение душ и реинкарнация также были основной темой в произведениях По. Его всегда интересовала мысль того, что происходит с человеком после его телесной смерти. Эту идею он развил в рассказе «Правда о том, что случилось с мистером Вальдемаром». В этом произведении По исследовал теорию месмеризма, который тогда только зарождался благодаря теории Фридриха Месмера. Главный герой – Мистер Вальдемар, умирающий от чахотки. Его личный врач просит у него дозволения на акт месмеризма в момент смерти, в качестве научного эксперимента. Он соглашается. Всё это приводит к ужасающим последствиям.

По также славился готическими стихотворениями. Наиболее известное из которых – «Ворон».

Безымянный рассказчик скорбит по смерти своей умершей возлюбленной Леноры. Чтобы заполнить свою печаль он проводит время за чтением старинных книг. Вдруг ему послышался стук в дверь. Но за дверью никого нет. Оказалось, стук раздавался из-за окна. Открыв окно, рассказчик увидел чёрного ворона. Рассказчик спрашивает у ворона его имя, на что тот отвечает «Nevermore” (“Никогда»). И впредь, что бы рассказчик не спрашивал у ворона, он лишь только это слово и молвит. Герой интересуется у ворона, воссоединится ли он когда-нибудь с возлюбленной Ленорой. На это ворон снова отвечает «Никогда». Рассказчик принимает ворона за некоего зловещего пророка, который пришёл за его смертью.

«И ворон, неподвижный, все еще сидит на бледном бюсте Паллады, как раз над дверью моей комнаты, и глаза его смотрят, словно глаза мечтающего

дьявола; и свет лампы, падающий на него, бросает на пол его тень; и душа моя

из круга этой тени, колеблющейся по полу, не выйдет больше никогда!»

«Ворон» – потрясающее мрачное и высокохудожественное стихотворение. Скорбь по возлюбленной – наиболее часто встречаемая сюжетная линия в произведениях По. В «Вороне» эта сюжетная линия показана очень ярко и наиболее экспрессивно.

С древних времён ворон считался предвестником смерти. Именно этой идеей и располагал Эдгар По при написании своего наиболее известного стихотворения. Той же идеей он располагал и при написании рассказа «Чёрный кот», в котором главный герой – алкоголик случайно убил свою жену и замуровал её в стену. И именно чёрный кот выдал преступника.

В произведении «Колодец и маятник» над безымянным рассказчиком свершается смертная казнь во времена Инквизиции. После постановления казни, главный герой просыпается в кромешной тьме. Место, в котором он очнулся, оказывается камера со средневековыми ловушками. Герою с трудом удаётся спастись от падения в колодец, которой и должен был стать обителью его смерти. Вскоре он снова теряет сознание. Когда он в очередной раз очнулся, то увидел себя привязанным ремнём к скамье, а рядом с ним лежала миска с едой. Над ним возвышался маятник, который начал раскачиваться из стороны в сторону, с каждым взмахом медленно приближающийся к его телу. Эта казнь несла в себе медленную и мучительную смерть. У героя уже не было никакой надежды на спасение. Но вдруг он увидел крыс, которые хотели съесть еду из миски. Тогда он натёр ремни жиром из миски. Крысы начали грызть ремни, и вскоре герою удалось высвободиться из смертельной ловушки. Но как только он высвободился, стены его темницы стали сужаться…

«Колодец и маятник» во многих аспектах раскрывает символику жизни. По мере того, как главный герой пытается спастись от смертельных ловушек, он всё больше ценит свою жизнь. На примере главного героя Эдгар По пытается сказать читателю, что чтобы в жизни не происходило, надо всегда бороться и двигаться вперёд.

Наиболее красочным рассказом По является «Маска красной смерти».

Над страной нависла смертельная болезнь, которую люди прозвали Красной смертью. Величественный Принц Просперо решает со своими подчинёнными запереться в монастыре, в период пока смертельная болезнь не покинет их окрестности. Но, как известно, от смерти невозможно укрыться.

Главной особенностью «Маски красной смерти» стала своего рода цветовая гамма. Комнаты в монастыре, где скрылся Просперо, окрашены в различные цвета, что символизирует собой различные состояния и эмоции. Сама Красная смерть в человеческом обличии является из комнаты, окрашенной в кроваво-красный цвет. После чего передвигается в комнату синего цвета, что символизирует собой рождение.

Вполне возможно, что По придумал название Красная смерть после смерти от туберкулёза своей жены. Либо это символизирует разросшуюся эпидемию холеры в 1831 году в Балтиморе, в котором По прожил несколько лет.

Первый детективный рассказ По – «Убийство на улице Морг», в котором воссозданы идеальные логические умозаключения и аналитические познания сыщика, которые и приводят к раскрытию преступления. Данный рассказ считается первым детективным произведением.

В рассказе «Преждевременное погребение» По отразил свой страх быть похороненным заживо.

Последний рассказ Эдгара По «Маяк» остался незаконченным. По умер при загадочных обстоятельствах в 1849 году на 40 году жизни. Его произведения впоследствии стали бессмертной классикой готической, и мировой литературы в целом.

Славянская готика

Немаловажен вклад в литературную готику и со стороны российских писателей. Мистические произведения российских писателей 19 века были пропитаны сюжетами, навеянными славянским и восточноевропейским фольклором.

Писатель, поэт и драматург Граф Алексей Константинович Толстой, который был больше всего известен по произведениям, описывающих жизнь русских царей, в конце 1830-х годов написал 3 мистических рассказа: «Встреча через 300 лет», «Семья вурдалака» и «Упырь». Первые 2 рассказа Толстой написал в 1839 году, по пути из Франции в Франкфурт, где он был прикомандирован к Российскому Посольству. Оба произведения написаны на французском языке, и, к тому же, связаны главными героями, от лица которых ведётся повествование.

Главными сюжетными составляющими данных произведений были романтические отношения главных героев на фоне мистических событий. Балы-маскарады, старинные замки, ореол тайны, кокетливые девушки, храбрые мужчины и рыцари – всё это было главными элементами мистических произведений Толстого.

«Встреча через 300 лет» – классическое произведение о призраках. Повествование ведётся от лица пожилой Герцогини де Грамон. Она повествует о страшных событиях, произошедших в её молодости в 1759 году. За ней ухаживал пылкий маркиз Владимир д'Юрфе. Она, как это часто делали девушки её возраста, усиливала его пыл своим кокетством. Они часто встречались втайне от друга её отца – командора де Бельевра, у которого она была на попечении на время отсутствия отца.

Маркиз д'Юрфе часто говорил о некой складочке на лбу герцогини, которая приводила его в любовный восторг. На это герцогиня отвечала с присущим ей кокетством, что она очень похожа на портрет своей прапрабабушки, «а от одного её взгляда, как гласит предание, упал в ров некий самонадеянный рыцарь, затеявший её похитить и уже перемахнувший через стену замка». Рыцаря того звали Бертран д'Обербуа. Предание гласит, что он был дьяволопоклонником и продал душу дьяволу вместе со своими поданными, чтобы постичь бессмертную жизнь. Они условились встретиться в замке Бертрана ровно через 300 лет, чтобы «веселиться и пировать».

Это предание оказывается правдивым, и вскоре герцогине предстоит встретиться с призраками Бертрана и его поданными…

Повествование «Семьи вурдалака» ведётся непосредственно от лица маркиза д'Юрфе.

Как и в предшествующим произведении, главный герой ведёт повествование уже будучи пожилым человеком. Маркиз упоминает о своих ухаживаниях в молодости за герцогиней де Грамон. Полностью отчаявшись, маркиз, дабы не мучить себя терзаемыми чувствами к герцогине, просит своих работодателей о каком-нибудь дипломатическом поручении. Накануне его отъезда герцогиня де Грамон, в залог их дружбы, дарит ему крестик, являющийся для неё семейной реликвией.

Во время своей деловой поездки Владимир набредает на обитателей некой сербской деревни, где и решает остановиться на ночлег. Обитателей дома Владимир застал в весьма подавленном состоянии. Причиной их крайне не весёлого расположения духа пояснил глава семейства – человек лет 30 по имени Георгий. Отец Георгия и его брата Петра, по имени Горча, за несколько дней до этого отправился на охоту за местным турецким разбойником по имени Алибек. Перед уходом он предупредил своих сыновей, что если он не вернётся ровно через 10 дней, значит он будет уже мёртв. Но ежели он-таки вернётся на 10 день, значит он стал вурдалаком, и его сыновья должны вбить кол ему в сердце.

Вурдалаки – в славянском значении вампиры. Повадки у них те же, что и у традиционных классических вампиров. Но единственное, что их отличает от вампиров – они питаются исключительно кровью тех, кого любили при жизни. Слово «вурдалак» придумал Александр Пушкин, написав одноимённое ироничное стихотворение. При задумке данного термина Пушкин соединил 2 слова: «вулкалак» (вампир-оборотень) и «врыколак» (вампир из греческой мифологии).

День, когда Владимир остановился на ночлег у деревенской семьи, был как раз десятым, с тех пор как Горча покинул дом. Всё семейство ближе к вечеру притихло, в мучительном ожидании Горчи. Когда же он наконец прибыл, для всех становится загадкой, стал ли он вурдалаком, или нет…

Третье произведение «Упырь» Толстой написал в 1841 году. Рассказ был написан под влиянием «Вампира» Джона Полидори.

«Упырь», как и «вурдалак» – чисто славянское слово, также имеющее значение «вампир».

Действия разворачиваются на балу, на котором собралось светское общество. Дворянин Руневский встречает там странного незнакомца, который сообщает, что на балу собралось много упырей. Он это подтверждает тем, что лично был на похоронах многих из присутствующих на балу. Руневский принимает странного гостя за безумца, но вскоре сам становиться свидетелем мистических событий, о которых рассказывал таинственный незнакомец…

В отличии от предшествующих 2 рассказов, в «Упыре» присутствуют лихо закрученный сюжет и немалая доля мистерии. На этот раз Толстой предоставляет на суд читателю решать, являются ли его персонажи выходцами из того света.

Все 3 мистических произведения Алексея Толстого написаны изысканным литературным языком, имеют завораживающую сентиментально-готическую атмосферу и оттенки тёмной романтики.

«Семья вурдалака» и «Упырь» неоднократно подвергались экранизациям, как в России, так и за рубежом. В России оба произведения были экранизированы в начале 1990-х под названием «Семья вурдалаков» и «Пьющие кровь». В «Семье вурдалаков» действия были перенесены в наше время, за счёт чего присущая оригинальному произведению атмосфера 18 века с его таинственностью, мрачной романтикой и готикой была утеряна. «Пьющие кровь» – более близкая к первоисточнику экранизация.

В произведениях Николая Васильевича Гоголя было также немало различной нечисти из славянского фольклора. Наиболее известное его мистическое произведение – «Вий», в котором были: панночка-ведьма, упыри, вурдалаки, и во главе всей нечисти – Вий, способный убивать одним лишь взглядом. При написании «Вия» Гоголь ориентировался на различные народные предания. «Вий» по сей день остаётся по-настоящему страшным и пугающим произведением, как и его наиболее удачная советская экранизация 1967 года.

Помимо этого, Гоголю удавалось потрясающе сочетать юмор с мистикой и народными поверьями в таких произведениях, как: «Вечера на хуторе близ Диканьки», «Страшная месть» и «Портрет».

Элементы мистики присутствовали также и в произведениях Пушкина («Пиковая дама»), Михаила Лермонтова («Штосс») Владимира Одоевского («Живой труп»), и Достоевского ("Двойник"). В этих произведениях идеально сочлись фантасмагоричные образы с изображением реального и ирреального в сочетании с яркой самобытностью русской литературной традиции и фольклора.

Двуликая Викторианская Англия

Шотландский писатель Роберт Льюис Стивенсон, который славился больше всего такими приключенческими произведениями, как «Остров сокровищ» и «Чёрная стрела», в 1886 году написал научно-фантастическую повесть «Странная история доктора Джекилла и мистера Хайда». Это была история о раздвоении личности. Сюжет был навеян "Двойником" Достоевского.

Доктор Джекилл – многоуважаемый в обществе учёный 50 лет, открывший важное научное достижение – в каждом человеке уживаются одновременно 2 личности – добрая и злая. Джекилл изобрёл некое снадобье, при помощи которого он смог высвободить своё злое альтер-эго. Так, из порядочного и приличного учёного, доктор Джекилл превращается в аморального и зловещего мистера Хайда. Никто не знает об этой его тайне. В облике мистера Хайда он нарушает все нормы нравственности и приличия, и совершает поступки, которые ни за что бы не совершил, будучи в здравом рассудке. Со временем Джекилл решает больше не принимать снадобье и остаться самим собой, но его зловещее альтер-эго теперь уже полностью охватило его разум и душу, и он превращается в мистера Хайда наперекор своей воле.

Повесть написана от лица друга доктора Джекилла – нотариуса Аттерсона. Стивенсон умело скрывает главную канву сюжета вплоть до финала, когда главные герои находят записки доктора Джекилла, в которых раскрыта тайна его второй личности. Столь неожиданная развязка задаёт необходимое напряжение и интригу основному сюжету.

Сюжет «Джекилла и Хайда» отображает обратную сторону Викторианской эпохи 19 века. Во времена Викторианской эпохи нормы приличия и морали были превыше всего. Мистер Хайд олицетворяет собой то, что находилось за фасадом той эпохи. Доктору Джекиллу хотелось вырваться из оков Викторианской эпохи и испытать запретный плод.

«Странная история доктора Джекилла и мистера Хайда» – наиболее выдающееся готическое произведение 19 века, подвергшееся впоследствии множеству трактовок в театре, и особенно – в кино. Ведь играть персонажа, внутри которого живут 2 личности – довольно хорошее испытание для актёров.

Позже английский писатель Оскар Уайльд продолжил заложенную в произведении Стивенсона идею двойственности в романе «Портрет Дориана Грея» (1890).

Дориан Грей – юноша, наделённый невероятной красотой. Его знакомый художник Бэзил Холлуорд постоянно восторгается его внешностью и пишет с него портрет. Дориана приводит в уныние мысль о том, что люди на портрете остаются навсегда молодыми, в то время как сами стареют и умирают. Грей мечтает о том, чтобы его портрет старел, а сам он оставался вечно молодым.

Один раз Дориан знакомится с другом Бэзила – лордом Генри, который презирает все Викторианские принципы и ценности. Грей попадает под его влияние. Под его влиянием Дориан становится жестоким высокомерным циником. Когда из-за любви к нему кончает собой актриса Сибила Вэйн, которую он отверг, Грей замечает, как на его портрете вдруг появляется некая зловещая ухмылка. Вскоре Грей осознаёт, что сбылась его мечта – он остаётся вечно молодым, в то время его портрет стареет и отображает все его пороки и злые деяния.

Как и доктор Джекил ставший мистером Хайдом, Дориан Грей превращается из невинного утончённого юноши в аморального типа, намеренного испытать тайные наслаждения и пороки. В этом также усматриваются оттенки «Фауста». Как и Фауст, продавший душу дьяволу за вечную молодость, Дориан Грей продаёт душу лорду Генри, который является прямо-таки истинным дьяволом во плоти.

Дракула и его предшественники

Ирландский писатель Джозеф Шеридан ле Фаню продолжил традиции, заложенные в «Вампире» Джона Полидори. В 1871 году Шеридан ле Фаню написал повесть «Кармилла» о вампире в женском обличии.

Действия происходят в Штирии в готическом замке. Повествование ведётся от лица молодой девушки по имени Лора. Она живёт в замке со своим отцом. В 6-летнем возрасте Лору посещает видение о прекрасной незнакомке, которая, как казалось Лоре, укусила её в шею. Но никаких ран на её теле не было обнаружено на следующий день.

Много лет спустя Лора получает известие о том, что её близкая подруга умерла при загадочных обстоятельствах. В это же время мимо их замка проезжает повозка, попавшая в аварию. Это приводит к появлению новых гостей в замке. Лора знакомится с девушкой по имени Кармилла. Она узнаёт в ней ту самую таинственную незнакомку, которая являлась к ней в детстве. Мать Кармиллы просит приютить её в замке, пока она не решит свои дела. Лора рада тому, что у неё наконец появилась подруга, с которой они впоследствии хорошо поладили. Но со временем становится ясно, что Кармилла повинна в смертях молодых девушек в округе.

В «Кармилле» можно усмотреть сексуальное влечение между Лорой и Кармиллой. Это вполне закономерно, ведь вампиры являются сексуально энергичными существами. Такого рода интерпретация была множество раз исследована в фильмах про женщин-вампиров.

Сама же повесть написана очень утончённо и сдержанно. Но в ней также виднеются скрытые намёки на нечто запретное и сладострастное – на всё то, о чём было запрещено в открытую говорить во времена Викторианской эпохи.

Идею о вампирах, как о сексуально энергичных и высокомерных потусторонних существах довёл до совершенства ещё один ирландский писатель – Брэм Стокер в своём самом известном романе о вампирах – «Дракула» (1897).

Свой роман Стокер писал на протяжении 7 лет. Долгое время он изучал фольклор Румынии и мифы о вампирах. Изначально действия романа должны были происходить в Штирии, как и в «Кармилле». Но после того как Стокер наткнулся на статью о некоем Владе Дракуле Цепеше («сажатель на кол»), он решил изменить страну, в которой будут происходить события романа.

Влад Цепеш был правителем Валахии и Румынии. Родился в 1431 году. Прозвище «Дракул» Влад унаследовал от своего отца, который был рыцарем Ордена Дракона. В переводе с румынского «Дракул» означает «дракон». С окончанием «а» слово «Дракул» дословно переводится как «сын дракона». Влад Дракула прославился, прежде всего, своей невероятной жестокостью по отношению к своим врагам. Его излюбленной казнью было сажать людей на кол. Впоследствии этот метод уничтожения был применён в мифологии по отношению к вампирам.

Брэм Стокер взял за основу реальную историческую личность и трансформировал её в потустороннее создание. Поясняется эта интерпретация тем, что жители Румынии верили в то, что Влад Дракула после смерти стал вампиром.

Но Влад Цепеш был не единственным прототипом стокеровского персонажа. Надменную манеру поведение и физический облик Стокер списал с Сэра Генри Ирвинга. Ирвинг был классическим актёром, игравший шекспировских злодеев в театре «Лицеум», у которого Стокер проработал управляющим на протяжении 30 лет. Роль Дракулы идеально бы ему подошла.

Стокер описывал графа как человека высокого, седого, одетого во всё чёрное, с бледным лицом и длинными седыми усами.

Повествование романа складывается из писем и записей дневников главных героев.

Главного герой – адвокат Джонатан Харкер, которому поручили отправиться в Трансильванию к графу Дракуле для покупки аббатства в Лондоне. Но в итоге Харкер становится пленником его очаровательных невест-вампирш в его собственном замке.

В это время Невеста Джонатана – Мина – скромная, красивая, добродушная девушка, бесконечно любящая своего жениха, с нетерпением ждет его возвращения, параллельно ведя переписку со своей лучшей подругой Люси, которой за один день сделали предложение сразу три человека – доктор Сьюард – психотерапевт, Квинси Моррис – богатый путешественник из Америки и Артур Холмвуд – представитель знатного рода.

В это же время Люси начинает ходить во сне, чего раньше с ней не случалось. Озадаченный лунатизмом Люси доктор Сьюард решает вызвать своего старого друга – метафизика, специалиста по оккультной магии, профессора Ван Хельсинга.

У доктора Сьюарда собственная лечебница для душевнобольных. Один из его пациентов его особенно заинтересовал – Ренфилд, 59 лет, по словам Сьюарда, обладающий невероятной физической силой. У Ренфилда склонность к поеданию насекомых. Он поясняет это тем, что каждая съеденная им «жизнь» продлевает его собственную. При чём его «пища» с каждым разом увеличивалась в размерах. Сначала – мухи, затем – пауки, а затем – птицы.

С помощью Ван Хельсинга становится ясно, что все ниточки этих странных событий ведут непосредственно к графу Дракуле…

Стокер создал по истине уникальное и эпохальное произведение о вампирах. Он популяризировал миф о вампирах, как о «демонических» любовниках.

В классическом смысле сила вампира заключается в том, что он способен полностью подчинять свою жертву собственной воле, будучи обладая огромным магнетизмом и дьявольской притягательностью. Чаще всего он питается девственной кровью. Кровь молодых дев придаёт ему большей силы, и он становится моложе за счёт этого. Жертвы не в силах устоять перед его дьявольским шармом. А после укуса жертвы вампира становятся столь же обольстительны, и сексуально привлекательны, как и он.

В конце 19 века самыми распространёнными в Англии болезнями были – сифилис и туберкулёз. И Стокер, в свою очередь, изобразил вампиризм как заболевание, отображая основные болезни того времени. Отсюда исходит пояснение того, почему вампиризм имеет оттенки сексуальной притягательности и связан с болезнью крови.

Сочетание вампиризма с эротикой, это, своего рода, олицетворение тёмных глубин человеческого подсознания вкупе с тайными желаниями. Как и в случае с «Джекилом и Хайдом» и «Кармиллой», в «Дракуле» есть скрытые намёки на обратную сторону Викторианской эпохи с её моралью и принципами. Дракула, как и мистер Хайд – воплощение тёмной стороны Викторианской эпохи. Он – высокомерен, надменен, аристократичен и, в то же время, обворожителен. Он – воплощение истинного зла и дьявольской притягательности. Стокеровский персонаж стал впоследствии самым плодовитым литературным и киношным вампиром всех времён. Подобно самому настоящему вампиру, Дракула Стокера стал бессмертным персонажем массовой культуры.

Поздняя готика

Наиболее поздним готическим произведением был роман 1910 года «Призрак оперы», написанный французским писателем Гастоном Леру.

На написание романа Гастона Леру вдохновил прежде всего роскошный Парижский Оперный Театр, в котором и разворачиваются действия его произведения.

В Парижском театре происходят странные события: случаются несчастные случаи, пропадают бесследно вещи, слышатся странные звуки. В театре появляется миф о некоем призраке, который и совершает все эти странные явления.

Тем временем в театре проходит постановка оперы «Фауста», в которой солирует прекрасная солистка Кристина Даэ. Как-то раз она слышит откуда-то из глубин театра чей-то пленяющий мужской голос. Обладателем голоса является загадочный человек в маске по имени Эрик, который тайно в неё влюблён. Его обитель находится в самой глуби оперного театра, куда он и завлекает Кристину. Однако Кристине становится интересно, чьё лицо скрывается за маской. Сняв маску, она видит, что лицо её загадочного поклонника изуродовано. Дав до этого согласие навсегда остаться со своим тайным поклонником, Кристина теперь умоляет его в последний раз увидеть свет. Он соглашается.

Но на самом деле Кристина планирует всё рассказать виконту Раулю, который также в неё влюблён. Услышавший их разговор Эрик, решает им отомстить.

Внешнее уродство Эрика является врождённым. Он в довольно раннем возрасте сбежал из дома, поскольку родители не снабдили его достаточной любовью, и ездил по всему миру под разными именами. Хотя природа не наделила Эрика внешней привлекательностью, он был наделён большим количеством талантов: фокусник, дирижёр, иллюзионист, музыкант, композитор и архитектор. После долгих лет скитаний по миру, Эрик находит себе пристанище в Парижском Оперном театре, в строительстве которого он ещё и принимал участие.

В своём произведении Гастон Леру продолжил традиции, заложенные в романе Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери» (1831). В обоих произведениях главными героями являются персонажи с изуродованной внешностью, к которым читатель невольно испытывает жалость. Персонажи обоих произведений наделены добрейшей душой, но под гнётом толпы, чей разум наполнен предрассудками, их сердца наполняются скорбью и злобой. Та же идея была основой и во «Франкенштейне» Мэри Шелли.

«Призрак оперы» стал одним из лучших поздних шедевров готической литературы, подвергшийся в результате большому количеству экранизаций.

Загадочный Лавкрафт

Продолжателем литературных традиций классических писателей ужасов был Говард Филиппс Лавкрафт, родившийся в конце 19 века. Его зачастую приравнивают к Эдгару По. Как и По, Лавкрафт писал короткие рассказы, пропитанные неизведанным ужасом.

Больше всего Лавкрафт славился тем, что описывал ужасы, не поддающиеся описанию.

«Наиболее древнее и наиболее сильное человеческое чувство – страх, а наиболее сильное чувство страха –страх перед неизведанным» (Лавкрафт). Эти слова стали основой произведений Лавкрафта. В его произведениях персонажи сталкиваются с необъяснимыми явлениями, попадая в пучину истинного ужаса. Он создал собственную мифологию, в которую входили различного рода ужасающие существа из потустороннего мира, самое известное из которых – древнее божество Ктулху.

Лавкрафт написал «Зов Ктулху» в 1928 году. Как и в "Дракуле", в "Ктулху" повествование ведётся по средствам записок и дневников главных героев. Лавкрафт даёт крайне фантастическое описание Ктулху – древний морской монстр, наделённый частями тела осьминога, дракона и человека. Он покрыт чешуёй, наделён гуманоидным телом и головой с щупальцами. Ещё он способен воздействовать на волю человека, в особенности – в минуты сновидения. Он проживает на дне Тихого океана, откуда восстаёт «при верном положении звёзд».

Морские монстры довольно часто фигурировали в произведениях Лавкрафта. Существует версия, что у Лавкрафта была талассофобия (боязнь моря). Он создал целую демонологию, в которую входили различные вымышленные города, такие как: Дагон, Данвич, Аркхем, Р'лайх; и мифические существа: Азатот, Гидра, Хастур. Ещё он придумал так называемую «книгу мёртвых» – «Некрономикон», в которой хранятся тайны, не подвластные человеческому восприятию.

Наиболее известным произведением Лавкрафта является «Герберт Уэст – реаниматор» (1922), навеянный «Франкенштейном» Мэри Шелли.

Герберт Уэст – студент мединститута, который изобрёл некую сыворотку, способную вызывать к жизни мёртвых. Но у сыворотки был побочный эффект, в результате которого мертвецы становились просто неуправляемыми. В конце они восстали против своего создателя.

«Герберт Уэст – реаниматор» – наиболее длинное произведение Лавкрафта. В нём удачно сочлись ужасы с чёрным юмором. В его рассказе было первое упоминание термина «зомби» в научном смысле. Из чего следует, что именно Лавкрафт популизировал образ живых мертвецов, ставших впоследствии персонажами большинства фильмов ужасов.

Отсылки к творчеству Лавкрафта можно заметить во множестве произведений массовой культуры. К примеру, в фильме «Пираты Карибского моря» персонаж по имени Дэйви Джонс, наделённый головой осьминога, полностью списан с Ктулху. А группа Metallica написала 3 песни по мотивам рассказов Лавкрафта: The Call of Ktulu, The Thing That Should Not Be, и All Nightmare Long. Также по его мотивам было сделано большое количество компьютерных игр и фильмов.

Истоки жанра

«Что есть фильм ужасов?» – этими словами начинается книга киноведа Дмитрия Комма – «Формула страха». Далее автор приводит крайне интересную теорию о том, что в отличии, от большинства жанров, чью формулу можно запросто распознать (к примеру – вестерна), у фильма ужасов нет формулы как таковой. По началу формулу фильмов ужасов пытались обозначить наличием монстра. Но в 1940-х годах на студии RKO вышли фильмы, пугающие своей атмосферой, нежели наличием монстра. Из всего этого следует, что фильмы ужасов действительно не имеют определённой формулы, и ряда определённых сюжетных моделей. Во многом благодаря именно этим особенностям фильм ужасов – наиболее разносторонний и непредсказуемый жанр. В этом заключается основная причина его успеха и огромной популярности.

С самого начала кино было нацелено на то, чтобы шокировать публику. Типичный тому пример – один из ранних короткометражных фильмов от создателей кинематографа – Братьев Люмьер – «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота» (1895). Когда зрители в кинотеатрах видели, как на них с экрана мчится движущийся локомотив, они впадали в панику и убегали с криками ужаса.

Бывший иллюзионист Жорж Мельес был также под огромным впечатлением, когда впервые увидел «Прибытие поезда», и в последующие годы стал заниматься кино, в котором он был человек-оркестр. Он снял сотни короткометражных фильмов, в которых использовал новаторские на тот момент спецэффекты и трюки, такие как комбинированные съёмки, и покадровая анимация. В его ранних фильмах он занимался созданием гигантских чудовищ, призраков, и других мифических существ, при этом изрядно используя оттенки юмора. Его фильм «Замок дьявола» считается первым фильмом ужасов в истории. Также наиболее оказавшие влияние на жанр фильмы: «Ужасная ночь», «Замок с привидениями», и «Кабинет Мефистофеля». Помимо этого, Мельес заложил основу научно-фантастических фильмов. Его фильм «Полёт на луну», в основу которого легло одноимённое произведение Жюля Верна, – первый в истории фильм, показывающий полёт человека на луну.

В 1907 году был снят фильм «Большое ограбление поезда». Это был первый фильм в жанре вестерн, и к тому же – первый фильм, имеющий определённый сюжет. В конце фильма один из персонажей целится с экрана из револьвера в зрителей и стреляет. Что также повергло публику в глубинный шок.

Таким образом, насилие и шок стали основой зарождения кинематографа в целом. А фильмы ужасов с самого начала пользовались огромной популярностью, которая не утихает до сих пор.

Ранние адаптации литературных первоисточников

В ранние годы кино одно из наиболее экранизируемых произведений было «Странная история Доктора Джекилла и мистера Хайда». Самая первая киноадаптация была снята в 1908 году. Ранние адаптации «Доктора Джекилла и Мистера Хайда» длились от 10 до 30 минут, оттого утончённость произведения Стивенсона не была в полной мере раскрыта.

Последующие короткометражные кино-версии произведения были выпущены в: 1910, 1912, и 1913 (сразу три версии) годах.

Первой полнометражной экранизацией рассказа Стивенсона стал фильм «Доктор Джекилл и мистер Хайд» 1920 года. Роли Джекилла и Хайда исполнил величайший актёр театра и кино, один из лучших шекспировских актёров – Джон Бэрримор. Он очень точно обыграл обе роли, блестяще проявив свой актёрский потенциал.

Основной особенностью перевоплощения Джекила в Хайда в этой версии было, главным образом, удлинение конечностей и лица, – пальцы Джекила после превращения становились более длинными, а челюсть сильно вытягивалась вперед.

В фильме есть сцена, в которой во сне Джекиллу является гигантский паук, что является метафорой его тёмной стороны. Бэрримор самолично облачился в костюм паука.

Грим мистера Хайда выглядит очень впечатляющим. Бэрримор обладал весьма привлекательной внешностью и был рад возможности до неузнаваемости исказить её для съёмок фильма.

В 1910 году на студии Томаса Эдисона была снята самая первая экранизация «Франкенштейна». В роли Монстра был постоянный актёр студии Чарльз Огл, который, к тому же, сам создал внешний облик своего персонажа.

В данной адаптации Франкенштейн создавал своего Монстра при помощи неких химикатов. Монстр и сами спецэффекты в фильме выглядят на высоком уровне. Сама история, так же как и в ранних адаптациях «Джекила и Хайда», предоставлена в уплотненном варианте, но, тем не менее, очень интересно адаптирована.

В фильме есть сцена, в которой Франкенштейн смотрит в зеркале, и в отражении видит самого Монстра, созданного им. Это, во многом, каноническая сцена, в которой Франкенштейн и Монстр являются одним целым.

Фильм был запрещён в год выхода из-за жестоких сцен. Затем в течении многих десятилетий считался утерянным, пока его снова не обнаружили в начале 1980-х.

Немецкий Экспрессионизм

Главные достижения в жанре ужасов достигли прежде всего немецкие создатели кино. В 1913 году немецкий актёр и режиссёр театра и кино Пауль Вегенер снял и сыграл заглавную роль в фильме «Пражский студент». Основой для сюжета фильма послужил рассказ Эдгара По «Уильям Уилсон», в котором главного персонажа, по имени Уильям Уилсон, всю жизнь преследует его двойник, но в отличии от Мистерй Хайда, не является его злым альтер-эго, а наоборот – не позволяет ему делать подлости. Помимо этого, в сюжете есть явное влияние «Фауста».

События фильма разворачиваются в 1820 году. Студент Болдуин изнемогает от тоски и серых будней. К нему подходит загадочный господин по имени Скапинелли, которого все в округе пытаются обходить стороной. Скапинелли поинтересовался у Болдуина о причинах его грусти. Болдуин сказал, что ему бы жизнь послаще, да с богатой вдовой. Скапинелли (который, судя по всему, является неким злобным волшебником) соглашается исполнить его желание в обмен на то что, он может взять все, что угодно, находящееся в комнате Болдуина. Болдуин соглашается. И тогда Скапинелли забирает… зеркальное отражение самого Болдуина. Его отражение выходит из зеркала и передвигается само по себе. По сути, Болдуин продал душу дьяволу. Теперь его отражение (альтер-эго) всюду его преследует и ломает ему жизнь. Заключительная сцена в фильме, в которой Болдуин пытается бороться со своим зловещим двойником, производит очень сильное впечатление.

Фильм имел большой успех, и впоследствии на него было снято 2 ремейка – более масштабный в 1926 году, и звуковой – в 1935.

Больше всего Пауль Вегенер прославился благодаря фильмам про ожившую глиняную статую – Голема.

История про Голема имеет истоки в еврейской мифологии, в которой рассказывается о том, как еврейский раввин узнал по расположению звёзд, что еврейскому народу грозит беда. Дабы предотвратить это, он оживляет гигантскую глиняную статую при помощи всевозможных заклинаний. Подчинив Голема себе, раввин отдаёт ему приказы, чтобы тот выполнял различные поручения, относительно спасения еврейского народа. Некоторое время Голем подчиняется ему, но вскоре обретает собственную волю, и наводит хаос и разрушения на всю округу.

Самый первый фильм «Голем» был снят в 1915 году. До наших дней не сохранился, от него осталось лишь 5 минут из конечной сцены. Следующим фильмом был «Голем и танцовщица», который, насколько известно, был пародией на ужасы. Фильм также не уцелел. Единственным уцелевшим фильмом про Голема был последний – «Голем, как он пришёл в мир», который показывает события, произошедшие до событий первых двух фильмов.

В 1914 году в Германии началась Первая Мировая война, в ходе которой страна проиграла. И это, конечно, не могло не отразиться в искусстве.

Один из ранних послевоенных фильмов ужасов был «Кабинет доктора Калигари». Фильм был очень новаторским из-за использования необычных декораций. Повествование в фильме ведётся от лица безумца, поэтому декорации в фильме максимально искажены. Это, своего рода, отображение безумного сознания. Окна, двери и постройки в фильме имеют необычную геометрическую форму, и находятся под странным углом. Тени буквально нарисованы на стене.

Фильм рассказывает о злом Докторе Калигари, который на городской ярмарке демонстрирует сомнамбулу Чезаре. Чезаре находился в спячке 20 лет и теперь, пробуждённый Калигари, может предсказывать будущее. Вскоре в городе начинают происходить убийства, предсказателем которых был Чезаре. Становится ясно, что он под гипнозом Доктора Калигари и исполняет его приказы, убивая тех, кто становится на его пути. Но когда Калигари приказывает Чезаре убить молодую девушку, которая распознала тайну Калигари, Чезаре в неё влюбляется и не может выполнить приказ. Девушка теряет сознание от страха, при виде Чезаре. Он несёт её на руках, но вскоре его ловит толпа людей, и кладут в сумасшедший дом. Главный герой, от лица которого идёт повествование, узнаёт, кто на самом деле Калигари. Днём Калигари работает директором сумасшедшего дома, а по ночам совершает преступления, при помощи Чезаре. Но концовка фильма ввергает в сомнение правдивость истории.

Сюжет во многом отображает проигранную войну в Германии, а сознание безумца – как метафора обезумевшего немецкого народа, после проигранной войны. Чезаре же олицетворяет собой «сонливость» немецкого народа, проигравшего войну.

Роль Чезаре сыграл немецкий актёр Конрад Фейдт. Он был классическим актёром театра и кино. В театральные годы играл Шекспира, Гёте в труппе Макса Рейнхардта. В дальнейшем Фейдт стал ведущим немецким, а позже – голливудским актёрам. Обладал прекрасной мимикой и актёрским мастерством. А роль Чезаре прославила его на всю жизнь. Слава за ним закрепилась, главным образом, из-за ролей различных «изгоев» общества. В 1919 году (за год до «Калигари») Фейдт проявил многогранность своего актёрского таланта в фильме «Зловещие рассказы». Это фильм – альманах, состоящий из 5 историй, и Фейдт сыграл главную роль в каждой из них. Другие наиболее значимые его роли из немецкой классики ужасов: в ремейке «Пражского студента» (1926), «Восковых фигурах» (1924) (который также является фильмом-альманахом) и «Руки Орлака» (по книге Мориса Ренарда), в котором речь идёт о пианисте, потерявшем руки в результате крушения поезда. Хирурги ему пришивают другие руки. Но Орлак не знал, что это были руки казнённого убийцы, и теперь он не подвластен собственной воле. Однако, как и в случае с «Калигари», концовка фильма имеет непредсказуемый сюжетный поворот.

В конце 1920-х Фейдт был вынужден покинуть Германию, поскольку его жена была еврейкой, а к власти пришли нацисты. Тогда он перебрался в Голливуд. И его наиболее значимой ролью в Голливуде среди ранних была в киноадаптации Виктора Гюго – «Человек, который смеётся» (данный персонаж стал прообразом злодея Джокера в «Бэтмене»). «Человека» снял тоже выходец из Германии – Пауль Лени (он же был режиссером «Восковых фигур» и комедии ужасов «Кот и канарейка», снятой в США). Фейдт блестяще исполнил заглавную роль и закрепил свою репутацию в Голливуде. Самый известный голливудский фильм с его участием – «Касабланка».

Самого Калигари играл постоянный партнёр Фейдта по театру – Вернер Краусс. Они неоднократно пересекались в фильмах. В ремейке «Пражского студента» их роли концептуально пересекались с ролями в «Калигари». В дальнейшем Краусс так же снялся во многих фильмах, но с приходом звукового кино уже снимался реже.

Благодаря «Кабинету доктора Калигари», появилось новое течение в кинематографе – Немецкий Экспрессионизм. Главные особенности данного течения: вышеупомянутые декорации, тема безумия с налётом тёмного романтизма, события сюжета, разворачивающиеся в воображаемом мире, всевозможное использование игры теней, и намеренно утрированная игра актёров.

Особое влияние Немецкого Экспрессионизма можно заметить в картинах Тима Бёртона. К примеру, образ Чезаре вдохновил Бёртона на создание фильма «Эдвард руки-ножницы», а образ зловещего пингвина в «Возвращении Бэтмена» был навеян самим Калигари. А декорации города Готэм выполнены непосредственно в духе Экспрессионизма.

Игра теней, свойственная Экспрессионизму, была доведена до совершенства в фильме «Тени» (1923). Примечательно, что в этом фильме было полное отсутствие интертитров, поясняющих сюжет, либо реплики персонажей. Всё зависело от актёрской игры и мимики.

Главным достижением Экспрессионизма стал фильм 1922 года – «Носферату. Симфония ужаса», который стал неофициальной адаптацией романа «Дракула», снятый Фридрихом Вильгельмом Мурнау – одним из величайших деятелей эпохи Экспрессионизма.

Мурнау изменил имена главных героев, поскольку вдова Брэма Стокера отказывалась продавать права на экранизацию. Граф Дракула стал графом Орлоком, Джонатан Харкер – Томасом Хуттером, Мина – Эллен, и т.д. Место действия перенесли в вымышленный немецкий город – Висборг (соединённые вместе названия двух городов: Висмар и Любек) в 1838 год.

Таким образом, сюжет фильма во многом отличается от книги, и стоит его рассматривать как отдельное произведение. В фильме Мурнау граф не выглядит привлекательным и соблазнительным, каковым он был в книге, а скорее – наоборот. В своём фильме Мурнау ориентировался на восточноевропейскую мифологию о вампирах, в которой облик вампира был таков: лысая голова, остроконечные уши, длинные когти и резцы как у крысы. Имя этому вампиру – Носферату, что в переводе с греческого означает «переносящий болезнь». Этот миф возник во времена чумы, переносчиками которой были крысы. Исходя из этого мифа, Носферату был лидером крыс, переносящих чуму и смерть. Поэтому он имел крысиноподобный облик. В фильме Мурнау всё было именно так – граф Орлок прибыл в Германию с огромным количеством крыс, распространяя чуму на всех обитателей Висборга. Ещё одним отличием от оригинала было то, что после укуса жертвы графа не становились сами вампирами. Они умирали от его укуса. В результате чего умирает и Эллен. Она приносит себя в жертву вампиру ради спасения остальных. Граф в фильме умирает от лучей восходящего солнца. Впервые эта идея появилась именно в этом фильме. Поскольку в книге Дракула спокойно передвигался по Лондону в дневное время. Просто в дневное время он был не настолько силён. Именно благодаря Мурнау появился миф о том, что вампир может умереть от солнца.

Одним из художественных достижений фильма стала сцена, снятая в негативе, в которой Орлок везёт Хуттера в замок, а также – ускоренное воспроизведение плёнки, чего раньше не применяли в кино. Готические декорации фильма мастерски создают ощущения напряжения и отрешённости. Невероятно завораживающие съёмки на натуре, сделанные в Словакии.

Будучи хорошо просвещённым в мистике и оккультизме, Мурнау изобретательно использовал свои познания для создания страха и ужаса в своём шедевре.

Потрясающее же художественное оформление было создано художником-постановщиком Альбином Грау. Грау, как и Мурнау, был полностью поглащен оккультными науками и сверхъестественным. И изначально именно ему принадлежала идея снять фильм о вампирах (после того как он во время Первой Мировой войны, будучи в немецкой армии, услышал от одного сербского фермера, что его отец был вампиром).

Благодаря Грау «Носферату» заполучил этот мрачный зловещий тон, и потрясающую готическую атмосферу. Внешний облик Графа Орлока, навеянный обликом Голема из одноименного произведения Густава Майринка, тоже был создан Альбином Грау. Также Грау был ответственен за прорисовку постеров, сопровождающих рекламную кампанию фильма.

Роль графа Орлока гениально сыграл Макс Шрек (чья фамилия переводится как «ужас»). Он создал канонический образ вампира, который пугает по сей день. Эта роль прославила его на всю жизнь, и сделала самым узнаваемым киновампиром всех времён.

Роль Эллен достойно сыграла Грета Шрёдер – актриса театра и кино, и к тому же – жена Пауля Вегенера. Она привнесла немалую глубину в роль Эллен, которая была готова пожертвовать собственной жизнью ради спасения любимого и остальных людей.

На протяжении всей своей кинокарьеры Мурнау неоднократно сотрудничал с Конрадом Фейдтом. Самым известным их совместным фильмом был «Голова Януса» – адаптация «Доктора Джекилла и Мистера Хайда» (переименованы в доктора Уоррена и мистера О'Коннора). К сожалению фильм не уцелел (как и практически все совместные фильмы Мурнау с Фейдтом), но от него остался сценарий, исходя из которого доктор Уоррен, в отличии от Джекилла, становился своим зловещим альтер-эго не за счет каких-либо научных химикатов, а за счет сверхъестественного влияния статуи древнеримского двуликого бога Януса. Уоррен пытается избавиться от статуи, но та полностью овладела его волей, и теперь он полностью ею одержим.

Насколько известно, в "Голове Януса" была впервые использована "движущаяся камера", исходя, опять же, из сценарных пометок.

Следующим после «Носферату» фильмом Мурнау был «Призрак». В этом фильме Мурнау довёл концептуальность Экспрессионизма до совершенства.

Главный герой фильма – типичный «маленький человек», который любит много читать, сочинять собственные стихи и грезить наяву. Все меняется в его жизни, когда он влюбляется с первого взгляда в незнакомую девушку. Из-за этой несчастной любви у главного героя случается одна неприятность за другой, и его внутренний мир в один миг буквально переворачивается (как в прямом, так и в переносном смысле).

В «Призраке» Мурнау изобретательно использовал чисто визуальные приемы, чтобы показать внутренний мир главного героя, его переживания и эмоции.

Главную роль исполнил Альфред Абель – один из лучших актеров немого кино.

Одну из главных женских ролей сыграла Лил Даговер, которая до этого прославилась ведущей женской ролью в «Кабинете доктора Калигари». Даговер обладала потрясающей мимикой и привлекательной внешностью, что придавало особую глубину ее героиням.

Последним обращением Мурнау к фантасмагоричным образам стал фильм «Фауст». Роль Мефистофеля исполнил великий немецкий актёр – Эмиль Яннингс, с которым Мурнау до этого сотрудничал в 2 фильмах: «Последний человек» и «Тартюф». Мурнау во многом изменил в своей версии оригинальное произведение Гёте, но сохранил ключевые моменты. В фильме были во многом новаторские спецэффекты. Также визуально есть некоторые пересечения с фильмом «Голем, как он пришёл в мир». В сцене, когда Фауст вызывает Мефистофеля во многом схожа со сценой, когда раввин призывает демона Астарота с целью оживления Голема.

Это был последний фильм Мурнау, снятый в Германии. Вскоре он, как и многие его коллеги, эмигрировал в Голливуд. Первым его голливудским фильмом был «Восход солнца», который является самым его оптимистическим творением, за который он получил «Оскар». Впоследствии, Мурнау снял ещё 3 фильма, один из которых также не сохранился до наших дней.

В 1931 году Мурнау погиб в автокатастрофе, когда ехал на премьеру своего нового фильма «Табу».

Мурнау был абсолютно разносторонним режиссёрам, снимавшим в различных жанрах. Каждый его фильм имеет важное историческое и культурное значение.

«Эпичный» Фриц Ланг

Наиболее выдающимся режиссёром эпохи Экспрессионизма, снимавшем невероятно новаторские фильмы, был Фриц Ланг. Он снимал масштабные эпические многочасовые фильмы. Они имели огромный бюджет, и считаются самыми дорогими фильмами, сделанными в Германии. Главными особенностями его фильмов были: закрученные сюжеты, масштабность повествования, и новаторские художественные приёмы.

Ланг, к тому же, был сценаристом «Кабинета доктора Калигари». Изначально именно он должен был стать и режиссёром «Калигари», но был в это время занят съёмками приключенческого фильма «Пауки».

Один из ранних фильмов Ланга – «Усталая смерть». Это был фильм-притча о том, как Смерть в человеческом обличии забирает душу главного героя, а его возлюбленная (которую блистательно сыграла Лил Даговер) пытается всеми силами вернуть его обратно.

Это фильм–альманах, состоящий из трёх историй, в каждой из которой главная героиня тщетно пытается вернуть себе своего возлюбленного. Этот фильм, пожалуй, единственный у Ланга, выполненный в стиле чистого киноэкспрессионизма.

Одним из первых наиболее масштабных фильмов Ланга был «Доктор Мабузе, игрок», основанный на книге немецкого писателя Норберта Жака.

Сюжет повествует о гении преступного мира – Докторе Мабузе. Мабузе – истинный мастер перевоплощения, из-за чего властям в лице прокурора Фон Венка составляет много труда, чтобы найти его. Он проворачивает различные операции по отмыванию денег. И, к тому же, обладает даром гипноза. В чём он больше всего преуспел, так это – в выкачивании денег в карты. Он гипнотизировал партнёра по игре и тот под воздействием гипноза проигрывал Мабузе свои деньги.

В конце Мабузе окружает полиция, но он не намерен сдаваться. Но вскоре он сходит с ума и видит призраки тех, к чьей смерте он причастен. В конце фильма его уводят в сумасшедший дом.

Роль Мабузе гениально исполнил постоянный актёр Ланга – Рудольф Кляйн-Рогге, который именно в этом фильме проявил лучше всего своё актёрское мастерство и дар перевоплощения.

Фильм имеет хронометраж 4:30 часа. Он разделён на 2 части: «Опытный игрок. Картина времени», и «Ад. Игра вокруг людей через время».

«Мабузе» получился невероятно увлекательным и новаторским. В сюжете отображено то, что происходило тогда в Германии: депрессия, безработица, большой уровень преступности. Главная тема в фильмах Ланга, которая началась с «Мабузе» – социальное зло. Ланг говорил: «Я убежден, что лучшие фильмы, которые вообще могут быть созданы, это те, что наиболее соответствуют характеристике данной нации и черпают свои самые глубокие мысли и главные черты в национальных особенностях»

Сценаристом в фильмах Ланга была его жена – Теа фон Харбоу. Она, к тому же, была писательницей, и некоторые её сценарии были написаны на основе её же книг. Также она сотрудничала с другими маститыми режиссёрами, в том числе – с Мурнау («Призрак»).

Следующим масштабным творением Ланга был фэнтези-фильм «Нибелунги», основанный на одноимённом германском эпосе 13 века. По масштабности и размаху этот фильм можно сравнить с «Властелином колец». Невероятно новаторский, с уникальными художественными приёмами и спецэффектами, фильм имел огромный успех, и по сей день поражает своим размахом и сильной игрой актёров. Декорации поражают своей монументальностью. Также была использована массовка из нескольких тысяч человек. «Нибелунги» имел один из самых крупных коммерческих успехов в немецком кино 1920-х годов. Хронометраж фильма – почти 5 часов. Поэтому он разделён на 2 части: «Зигфрид» и «Месть Кримхильды».

Самый известный фильм Ланга – фантастическая антиутопия «Метрополис», основанный на книге его жены. Эпиграфом фильма является фраза: «Посредником между головой и руками должно быть сердце».

Действия фильма происходят в далёком будущем в огромном городе, который разделён на две части: подземелье, где находятся цеха с машинами, на которых рабочим приходится работать, не покладая рук; и верхний город, в котором живут в роскоши «хозяева жизни», во главе магната Йогана Фредерсена. Один раз сын магната – Фредер, последовав за понравившейся ему девушкой Марией, спустился в подземелье рабочих и увидел, как в результате несчастного случая гибнут двое из них. Он сообщает об этом своему отцу, а тот лишь холодно спрашивает у своего подчиненного, почему он узнает об этом от своего сына, а не от него. После еще одной промашки со стороны подчиненного Йоганн его увольняет, что означает , что тот теперь будет работать в подземелье вместе с другими рабочими. Из-за этого Фредер ссорится с отцом и пытается что-либо сделать, чтобы положить конец несправедливости.

Рабочие в фильме показаны как заключённые. В этом заключается, по большому счёту, противостояние классов – пролетариаты, которые словно роботы, обязаны без передыху, работать на машинах, и – элита, которая управляет их разумом и подавляет их волю. Во всём этом есть некий предвестник предстоящих событий в Германии во время Второй Мировой войны.

Финал «Метрополиса» олицетворяет собой эпиграф фильма, в котором происходит воссоединение рабочего класса с высшими слоями общества.

Роль магната блестяще исполнил Альфред Абель.

Рудольф Кляйн-Рогге тоже появился здесь во вполне типичной для себя роли безумного ученого по имени Ротванг, создавшего женщину-робота (на основе облика Марии).

Роль Марии исполнила Бригитта Хельм, для которой «Метрополис» оказался кинодебютом. Стоит отметить, Хельм проделала колоссальную работу. Ей довелось играть не только ведущую женскую роль героини с чистою душой, но еще и порочную женщину-робота (лже-Марию) (прямо-таки женская интерпретация «Джекилла и Хайда»). А учитывая перфекционизм Ланга, для Бригитты съемки порой становились весьма изматывающими.

«Метрополис» имеет множество футуристических метафор, и снят с большим размахом. Главными достижениями фильма стали: декорации в футуристическом стиле, необычные спецэффекты (особенно – в сцене создания женщины-робота), массовка из (предположительно) 30 000 человек, и технические новаторские приёмы. Для фильма было построено грандиозное количество миниатюрных моделей, изображавших здания и машины будущего. Спецэффекты фильма выполнены в большой степени с помощью покадровой анимации. Операторская работа великого Карла Фройнда, который был тогда главным оператором в немецком кино, также заслуживает огромного внимания.

«Метрополис» – величайший научно-фантастический фильм, который, по сути, заложил основу блокбастеров (в таких фильмах как: «Терминатор», «Звездные войны», «Бегущий по лезвию», «Пятый элемент», «Матрица», и многих других крупнобюджетных фантастических фильмах, есть множество заимствований из «Метрополиса»). Даже и по сей день, он остаётся технически усовершенствованным.

На создание «Метрополиса» Ланга вдохновил город Нью-Йорк, в котором он прибывал во время американской премьеры «Нибелунгов».

«Метрополис» был самым дорогим фильмом студии УФА, на которой проходили съёмки. Сами съёмки длились 2 года. Но в результате фильм не окупился из-за чересчур запутанного сюжета. Студия практически разорилась. По этой причине, фильм сильно сократили для американского проката. На протяжении многих десятилетий полная версия фильма считалась утерянной, пока её, наконец, не обнаружили, в 2008 году в кино-музее Буэнос-Айреса.

Кадры из фильма можно увидеть в клипе группы Queen – Radio Ga Ga.

Следующий фильм Ланга «Шпионы» был тематически схож с «Мабузе», и главную роль в нём также исполнил Рудольф Кляйн-Рогге.

Последний немой фильм Ланга «Женщина на Луне» стал первым в истории, где досконально с технической точки зрения был показан полёт в космос. Данный фильм также во многом новаторский, в сюжете присутствует множество событий, которые по своей структуре, так или иначе, пересекаются с предыдущими работами Ланга. К тому же, это был первый фильм, в котором впервые был показан обратный отчёт при запуске ракеты.

По словам Ланга, к 1931 году он устал снимать крупные фильмы, и решил снять более личное кино. Первым его звуковым фильмом стал детективный триллер «М» (также известный как «Город ищет убийцу»). В фильме говорится о маньяке-убийце, убивающем маленьких девочек. Он рассылает анонимные письма полиции с угрозами. На протяжении всего фильма ведётся расследование по поимке маньяка. За расследование берётся не только полиция, но даже – преступный синдикат. Лишь слепой прохожий смог опознать убийцу из-за его особенности насвистывать мотив «В пещере горного короля» Эдварда Грига. Маньяка ловят преступники и совершают над ним самосуд, в ходе которого убийца утверждает, что не по своей воле он совершал эти убийства, а так приказывала ему некая высшая сила.

В сцене суда Ланг использовал настоящих преступников.

Исполнителем главной роли был актёр из Австро-Венгрии – Питер Лорре. Это был его профессиональный дебют, с которым он блестяще справился. В сцене суда над его персонажем Лорре прекрасно изобразил эмоции маньяка, который отчаянно пытался раскаяться в своих деяниях. В дальнейшем Лорре стал крупнейшим голливудским актёром и снимался у самых именитых режиссёров.

«М» заложил основу такого жанра, как фильм-нуар, который был особенно популярен в Голливуде в 30-40е годы.

Далее Ланг стал работать над продолжением «Доктора Мабузе» -«Завещание доктора Мабузе».

Доктор Мабузе, даже будучи запертым в сумасшедшем доме, продолжает совершать изощрённые преступления. Мабузе даёт своим подчинённым различные инструкции по ограблениям, и разного рода преступным операциям. Какое-то время он просто водил в воздухе ручкой, потом ему врачи дали листки бумаги, чтобы понять, что он хочет написать. И через некоторое время стало ясно, что он пишет инструкции своим подчинённым. Хоть он уже безумец, но его гениально-преступный разум по-прежнему может мыслить в своей сфере. За расследование берётся комиссар Ломанн (который уже фигурировал у Ланга в «М»).

Преступления по инструкциям Мабузе проворачивает директор сумасшедшего дома, который одержим жаждой власти, и находится под огромным влиянием его мощного разума. Вскоре Мабузе умирает, но его дело продолжается. Словно он с того света повелевает своими подчинёнными. К директору сумасшедшего дома вскоре является призрак Мабузе и отдаёт ему приказы. Теперь он становится продолжателем дела безумного гения.

В фильме во многом отображено отношение Ланга к приходу нацистов к власти и их идеологиям. А преступный разум Мабузе – как метафора правления Гитлера. Также из уст Мабузе прозвучали лозунги Третьего Рейха. Этот фильм называют «антигитлеровским». Ланг предвидел в «Завещании» предстоящие беспорядки в стране.

Фильм был запрещён берлинской цензурой. А самого Ланга вскоре вызвал к себе Йозеф Геббельс. Ланг опасался, что его призовут к ответственности за использование нацистских лозунгов, но Геббельс сказал, что Гитлер в восторге от его фильмов «Нибелунги» и «Метрополис» и решил, что Ланг – именно тот человек, который способен снять национал-социалистическое кино и хочет предложить ему возглавлять гильдию немецких режиссёров. Но Ланг ничего не хотел иметь с этим общего (к тому же, у Ланга были еврейские корни).

Вскоре он покинул Германию и какое-то время жил во Франции. После чего переехал в Голливуд, где начал сотрудничество со студией MGM. Впоследствии Ланг снял ещё десятки фильмов, в которых снимались самые известные звёзды Голливуда (в том числе – Мэрилин Монро в фильме «Стычка в ночи»). Но больше Ланг никогда не снимал масштабных проектов, за счёт которых изначально прославился.

Ланг вернулся в Германию лишь в середине 1950-х. В 1960 году он снял свой последний фильм – «1000 глаз доктора Мабузе», который завершает трилогию о знаменитом преступнике. И если в предыдущих фильмах о Мабузе присутствовала немалая толика мистики, то в «1000 глаз» гениальный последователь зловещего доктора использует технические устройства, такие как камеры слежения, что позволяет ему постоянно следить за своими жертвами. И он, как и сам Мабузе, обладает даром мастерского перевоплощения.

«1000 глаз доктора Мабузе» имел большой успех, и стал удачным завершением карьеры великого режиссёра.

Наследие Экспрессионизма

В 1928 году сценарист «Носферату» Хенрик Галеен поставил фильм «Альрауне».

В фильме речь идёт о том, как профессор генетики Якоб тен Бринкен искусственным образом создаёт женщину, дав ей имя Альрауне. В результате она восстаёт против своего создателя, узнав, что она не является человеком.

Фильм имеет под собой сюжетную подоплёку «Франкенштейна», во многом повторяя его концепцию.

Главные роли исполнили: Пауль Вегенер и звезда «Метрополиса» – Бригитта Хельм.

С приходом нацистов к власти, публике уже стали не интересны фильмы, выполненные в духе Экспрессионизма. И в Германии стали создавать более оптимистические картины, ранние из которых, однако, ещё имели некоторые оттенки Экспрессионизма.

В конце 1920-х немецкие экспрессионисты практически поголовно отправились в Голливуд. Наиболее успешно в США им удавалось снимать фильмы-нуар и триллеры. Их немецкие работы впоследствии заложили основу для американских фильмов ужасов.

Наибольшее влияние Экспрессионизма в ранние годы среди режиссёров европейских стран особенно приметно в фильмах датского режиссёра – Карла Теодора Дрейера. Фильмы Дрейера пропитаны мрачным тоном, имеют духовную подоплёку, и философский контекст. Творчество Дрейера повлияло на таких именитых мастеров кино, как Ингмар Бергман и Андрей Тарковский.

В 1932 году Дрейер снял фильм «Вампир», который был вольной экранизацией «Кармиллы» Шеридана ле Фаню. Это был первый звуковой фильм Дрейера. Помимо влияния Немецкого Экспрессионизма, в фильме присутствуют сюрреалистические образы. Главный герой фильма – оккультист Аллан Грей, который порой не отличает реальность ото сна. Фильм показан с точки зрения его видений. Сам сюжет невозможно описать словами, поскольку он имеет ярко-выраженную сюрреалистическую окраску. В фильме присутствует множество пугающих мрачных образов. Смотреть этот фильм – словно прибывать во сне. Игра теней, мрачная атмосфера, необычное освещение, меланхоличное музыкальное сопровождение, призрачные силуэты, сумрачные пейзажи, нестандартное повествование – всё это создаёт чувство страха, отстраненности и некой утончённой меланхолии.

В фильме (что было характерно для Дрейера) играли непрофессиональные актёры (только 2 актёра были профессионалами). При этом, все роли сыграны очень сильно.

К сожалению, в год выхода картину не поняли, и лишь спустя десятилетия её признали шедевром кинематографа.

Примечателен также шведский фильм 1920 года – «Возница». Режиссёром и исполнителем главной роли был Виктор Шёстрём – один из основоположников шведской школы кино.

«Возница» – поучительный фильм-притча. Главный герой – алкоголик по имени Давид. Алкоголь отнял у Давида тех, кто ему был особенно дорог: брата, жену и детей. Он умирает в новогоднюю ночь. После смерти к нему приходит призрачный возница. И, согласно приданию, тот, кто умирает ровно в полночь в новогоднюю ночь, тому суждено самому стать призрачным возницей, забирающем души умерших. Но возницей оказывается старый друг Давида, из-за которого он и стал законченным алкоголиком. Далее в фильме начинаются флэшбеки, в которых показаны прижизненные деяния Давида. В финале фильма Давид раскаивается в своих грехах и снова обретает жизнь.

В фильме есть немало пугающих моментов, главный из которых – наличие призрака-возницы. Но в нем, все же, преобладает реализм, нежели мистические элементы. Также это первый в истории фильм, в котором события показаны по средствам флэшбеков.

Финал фильма невероятно сентиментален, заставляющий о многом задуматься.

У самого Бергмана это был один из самых любимых фильмов, который он часто пересматривал. А Виктор Шёстрём именно у Бергмана сыграл свою последнюю роль – в фильме «Земляничная поляна».

В 1922 году датский режиссёр Бенжамин Кристенсен снял фильм «Ведьмы». В фильме показаны 7 историй, которые объединены общей концепцией: сатанизм, ведьмы, шабаши, инквизиция. Всё это приправлено чёрным юмором. В фильме присутствуют как документальные, так и игровые фрагменты. Сам режиссёр выступил в роли Дьявола–искусителя. Фильм, по сути, является, своего рода, исследованием на тему тёмных сил. Из-за особенности своей тематики, фильм был запрещён на протяжении многих лет по всему миру.

Во Франции в 1928 году режиссёр Жан Эпштейн снял «Падение дома Ашеров» по рассказу Эдгара По. Ассистентом режиссёра и сценаристом был основоположник сюрреализма в кино – Луис Бунюэль, который вскоре снимет свой самый известный шедевр – «Андалузский пёс».

Фильм в точности следует оригинальному произведению, и по сей день остаётся наиболее точной экранизацией самого известного творения Эдгара По (не считая финал фильма, который был противоположным оригинальному). Он достоверно передал мрачную готическую атмосферу рассказа. Музыкальное сопровождение, придающее фильму нужный настрой, просто завораживающее.

Исполнитель роли Родерика Ашера – Жан Дебюкур гениально исполнил свою роль, в точности передав всю утончённость, безумие и отрешённость своего персонажа.

Визуально фильм идеален. Особенно впечатляет сцена, в которой Родерик рисует портрет своей горячо любимой жены Мэделин, и словно с каждым взмахом его кисти, жизнь постепенно покидает её. Но Родерик в этот момент лишь видит свой нарисованный шедевр, не замечая, как возлюбленная слабеет день ото дня.

У фильма порой замедляется темп повествования, что придаёт ему некий гипнотический оттенок. Эпштейн мастерски использует игру света и тени.

Финальная сцена придаёт повествованию невероятно сильное напряжение за счёт использования параллельного монтажа.

Фильм буквально окутывает своей мрачной красотой, восхитительными пейзажами, атмосферой отрешённости, прекрасным музыкальным сопровождением и блистательной игрой актёров.

Главной художественной особенностью фильма стал налёт авангардизма, который тогда как раз зарождался во французском кино. Благодаря этому, фильм имеет нестандартное повествование и абстрактность образов.

«Падение дома Ашеров» был и остаётся настоящим сюрреалистическим шедевром, в точности передавший дух произведения великого американского писателя.

Человек с 1000 лиц

Параллельно с европейскими странами, истоки жанра зарождались в США. Ведущей студией в фильмах ужасов была Universal. Дата возникновения студии значится 1912 годом. Основателем студии был немец Карл Леммле. Он, по сути, сделал имя Universal. Впоследствии Universal стала фамильной студии, которой управляли многочисленные родственники Леммле.

Если в европейских фильмах акцент ставился на сверхъестественных явлениях, то в американских – на внешней деформации.

Ведущим актёром жанра был Лон Чейни. Он прославился тем, что мог до неузнаваемости загримировать себя, за что его прозвали «Человеком с тысячью лиц». Чейни был величайшим актёром немого кино. Его родители были глухонемыми, поэтому он с самого детства научился общаться по средствам жестов и мимики, что особенно ему помогло стать величайшей звездой немого кино. Он всегда играл изгоев общества, будь то – монстр, или криминальный авторитет. Но главным достоинством, которое Чейни вкладывал играя своих персонажей – огромное сочувствие. Его герои – одинокие, отвергнутые обществом, не понятые людьми.

В фильме «Наказание» (1920) Чейни играл калеку, которому в детстве ампутировали ноги в результате несчастного случая. Для этой роли Чейни плотно привязал ступни к спине, что было физически сложно и болезненно. В «Наказании» он играет авторитета криминального мира, который в конце, в результате проведенной операции на мозге, становится на путь истинный. Но, как известно, за всё в жизни приходится расплачиваться.

Одним из главных апогеев карьеры Чейни стал фильм «Горбун из Нотр-Дама» (1923) по роману Виктора Гюго. Для роли Квазимодо Чейни накладывал на себя огромные слои грима, и носил искусственный горб весом 20 килограмм. При этом он с большой ловкостью перемещался по фасаду, изображающему собор во Франции.

Чейни гениально сыграл роль Квазимодо. Смог в точности передать его терзания, душевные муки, отверженность, преданность и безответную любовь к цыганке.

Вскоре Чейни сотрудничает с Виктором Шёстрёмом, который незадолго до этого поселился в Голливуде. Их совместным фильмом стал «Тот, кто получает пощёчины» по пьесе Леонида Андреева. Чейни играет учёного по имени Пол Бамонт, которого предала жена и близкий друг, оказавшиеся любовниками. К тому же, любовник его жены был с ним на научной конференции, где выдал научные изыскания Бамонта за свои. Угнетённый и гонимый, Бамонт становится артистом цирка, взяв псевдоним – Тот, кто получает пощёчины. Вскоре ему предоставляется возможность отомстить тому, кто некогда был для него близким другом.

Как и в случае со многими фильмами Шёстрёма, финал данного фильма крайне сентиментален. Чейни сыграл на высочайшем уровне, показав сколь несчастен и отвержен его персонаж.

Самым главным достижением Чейни стала роль в фильме «Призрак оперы» (1925) по роману Гастона Леру.

Чейни, как и всегда, сыграл гениально, в точности передав страдания своего персонажа.

В «Призраке оперы» Чейни разработал для себя очень сложный грим, который порой приносил ему немалые физические мучения. Для большей внешней обезображенности своего персонажа, Чейни вставлял себе в ноздри металлические скобы, что порой вызывало у него кровотечение.

В фильме также есть интересный фрагмент, снятый в цвете, в то время, как предшествующая часть фильма – чёрно-белая. Это было одно из первых применений техники Technicolor.

Чейни не поладил с режиссёром фильма – Рупертом Джулианом и некоторую часть фильма режиссировал сам.

Исполнительница главной роли – Мэри Филбин на самом деле была напугана гримом Чейни, и её реакция в сцене, где она впервые видит обезображенное лицо Эрика, не была наигранной.

В том же году Чейни снялся у режиссёра Роланда Уэста, который был известен тем, что снимал комедийные ужасы, самый известный из которых – «Летучая мышь» (1923) по пьесе Марии Робертс Рейнхардт (к слову сказать, образы из данного фильма послужили вдохновением для Боба Кейна при создании комиксов о Бэтмене). Их совместным фильмом стал «Монстр», где Чейни комично обыграл роль безумного учёного. Действия фильма происходят в старом мрачном доме, что стало в дальнейшем использоваться в большинстве фильмов жанра.

В фильмах «Тени» и «Мистер Ву» Чейни искусно загримировал себя под китайца, в очередной раз проявив свою многоликость и актёрское мастерство.

В 1927 году Чейни сотрудничал с Бенжамином Кристенсеном в фильме «Пародия» («Посмешище»), где сыграл русского крестьянина. Действия в фильме происходят во время Русской Революции. Герой Чейни помогает сбежать русской графине от повстанцев. Вскоре он влюбляется в неё, и оказывается посмешищем для ее слуг.

В фильме «Смейся, клоун, смейся» (1928) Чейни снова играет циркового артиста по имени Тито. Он обнаруживает брошенную маленькую девочку и забирает к себе. И воспитывает её словно собственную дочь. Но спустя много лет, он осознаёт, что испытывает к ней настоящую любовь. Осознавая, что это не взаимно, Тито больше никогда не будет улыбаться в своей жизни.

Это, по сути, основная концепция ролей Чейни, большую часть из которых можно охарактеризовать как «грустный клоун».

В том же году Чейни намеревался сыграть заглавную роль в «Человеке, который смеется», которая словно была создана для него. Но из-за длительного контракта со студией MGM («Человека» снимали на Universal), он не смог участвовать, и его заменил Конрад Фейдт.

Самыми плодовитыми фильмами с участием Чейни были сняты режиссёром Тодом Браунингом, который, как и Чейни, стоял у истоков жанра в США. Их многое объединяло. К примеру, они оба в юности провели много лет среди бродячих циркачей (годы проведенные в цирке впоследствии оказали огромное влияние на творчество Браунинга). Браунинг использовал талант Чейни, как никто другой в своих фильмах. И зачастую сценарии писались специально под Чейни, в которых ему отводилось порой несколько ролей в одном фильме. В результате их творческий тандем породил 10 совместных фильмов.

Их первым совместным фильмом была криминальная мелодрама – «Испорченная милашка», в которой Чейни играл криминального босса, вовлекшего провинциальную девушку в преступный мир.

В гангстерской драме «Вне закона» (1920) Чейни сыграл две роли, одна их которых – безжалостный главарь преступной группировки, задумавший ограбление. Сюжет развивается довольно динамично и фильм до сих пор выглядит впечатляюще.

Одним из лучших их совместных фильмов стал «Несвятая троица» (1925). Герой Чейни состоит в сговоре с шайкой мошенников и воров, показывающих в цирке различные номера, в то время как их сообщница крадёт деньги у засмотревшихся зрителей. После полицейской облавы они ведут свои преступные дела инкогнито, заделавшись продавцами в зоомагазине (Чейни в очередной раз проявил свой разносторонний актёрский потенциал, замаскировавшись под милую старушку). Но вспыхнувшая любовь между преступной сообщницей и человеком не из их криминального окружения, меняет всё.

В фильме «Неизвестный» (1927) Чейни сыграл на пару со знаменитой голливудской актрисой – Джоан Кроуфорд. В «Неизвестном» персонаж Чейни – беглый преступник, скрывающийся в бродячем цирке. В данном фильме Браунинг придал герою Чейни необычную особенность – у него было два больших пальца. Именно по этой особенности полиция пытается отыскать преступника. Чтобы его не нашли, персонаж Чейни притворяется безруким. Он влюблён в артистку цирка, но она не отвечает ему взаимностью. Ради неё он идёт на отчаянный шаг, на который, как показывает финал фильма, ему не следовало решаться.

Другие примечательные совместные фильмы Браунинга с Чейни: «Запад Занзибара», «Восток есть восток», и «Дрозд».

В 1927 году Браунинг обращается к теме вампиризма в фильме «Лондон после полуночи» (изначально имеющий название «Гипнотизёр»), снятый для студии MGM.

В сюжете речь идёт об убийстве некоего богатого англичанина. За дело берётся полицейский инспектор. Вскоре в городе объявляется вампир, наводящий ужас на всю округу. Но развязка фильма ставит под сомнение наличие сверхъестественных явлений.

Чейни играет две роли – полицейского инспектора и вампира. Для роли вампира Чейни соорудил для себя фальшивую челюсть, которые было очень неудобно носить. Он создал необычный образ вампира, который до сих пор остаётся неподражаемым.

К сожалению, фильм не уцелел, поскольку в 1950-х на студии MGM вспыхнул пожар, в результате которого сгорели все копии фильма. Его отреставрировали по сохранившимся кадрам, сделанных во время съёмок. Теперь этот фильм существует лишь в виде слайдов.

Вскоре Браунинг решает взяться за адаптацию «Дракулы», театральная постановка которой успешно проходила на Бродвее. Чейни с энтузиазмом начал готовиться к роли знаменитого вампира. Но, к величайшему сожалению, Чейни умер в 1930 году от рака гортани. Как раз в это же время начало зарождаться звуковое кино. Единственным звуковым фильмом с участием Чейни стал ремейк «Несвятой троицы».

Смерть Чейни с приходом звукового кино – словно олицетворение того, что Чейни был создан лишь для немого кино, в которое он внёс огромный вклад.

Браунинг был сражён – он потерял своего главного актёра, с которым столько лет сотрудничал.

В 1957 году Чейни был посвящён фильм «Человек с тысячью лиц». Роль Чейни исполнил один из лучших классических актёров золотой эры Голливуда – Джеймс Кэгни. В фильме есть некоторые отклонения от реальных событий из жизни Чейни, но в целом это потрясающая дань уважения величайшему актёру немого кино.

Писатель-фантаст Рэй Брэдбери о Лоне Чейни: «Он был человеком, который заигрывал с нашей психикой. Он каким-то образом проникал в тёмные уголки нашего подсознания, и был способен отразить на экране наши потайные страхи. История Лона Чейни – это история о неразделённой любви. В своих ролях он проявлял наши тёмные стороны в открытую, поскольку мы боимся, что нас никогда не полюбят, боимся, что в нас есть нечто такое, из-за чего от нас может отвернуться весь мир».

Зарождение звуковых фильмов ужасов

В 1930 году на Universal начался отбор на роль Дракулы. Среди множества кандидатов был, в том числе, и Конрад Фейдт. В конечном счёте, роль Дракулы досталась Беле Лугоши, который успешно исполнял её на Бродвее.

Бела Лугоши (настоящее имя – Бела Бласко) родился в Венгрии в 1882 году неподалёку от имения настоящего Влада Цепеша Дракулы. Псевдоним «Лугоши» позаимствовал из названия города, в котором он родился.

В юном возрасте Лугоши сбежал из дома, не выдержав жестокого нрава своего отца. После чего начал жить отщепенцем, сменив множество профессий.

Начиная с 1911 году начал играть в театре. По большей части – романтические роли. Особенно примечательна роль Ромео. В Венгрии Лугоши сыграл в 12 фильмах, после чего эмигрировал в Германию. Одна из наиболее приметных ролей в Германии – второстепенная роль у Мурнау в «Голове Януса».

В 1921 году Лугоши переезжает в Голливуд, где появляется в небольших ролях. Из-за этого ему приходилось искать различные заработки. Среди прочих его ролей в Голливуде – небольшая роль одного из клоунов в фильме «Тот, кто получает пощёчины».

Но именно у Браунинга Лугоши получил свою первую главную голливудскую роль – полицейского инспектора в фильме «Тринадцатый стул».

В 1920-е годы Лугоши играет роль Дракулы на Бродвее. Театральная постановка пользовалась у зрителей огромным успехом.

Лугоши получил роль Дракулы в фильме благодаря своей настырности, которую он проявил по отношению к руководству Universal.

К киноадаптации «Дракулы» Лугоши тщательно готовился. Он сутками работал над образом, полностью вживаясь в роль. Лугоши, в отличии от Чейни, не нравилось наносить на себя слои грима. Он, прежде всего, полагался на своё обаяние и магнетизм.

В театре Лугоши имел амплуа коварного соблазнителя. Роль Дракулы ему идеально подошла. Его исполнение Дракулы было чарующим, магнетическим, чувствительным. Женщины были без ума от Лугоши. Его венгерский акцент, пронзительный гипнотический взгляд и удивительная игра зачаровывала зрителей. Он создал канонический образ Дракулы – соблазнительного, аристократичного, вкрадчивого, изящного и утончённого.

Роль Ван Хельсинга блистательно исполнил Эдвард Ван Слоан, который тоже исполнял эту роль на Бродвее. В его исполнении Ван Хельсинг был чрезвычайно находчивым, изобретательным, и бесстрашным. Ван Слоан остаётся одним из лучших исполнителей роли Ван Хельсинга.

В роли безумного Ренфилда блестяще выступил Дуайт Фрай, которому в дальнейшем приходилось зачастую играть подобных персонажей.

Оператором в «Дракуле» был Карл Фройнд, сотрудничающий до этого с немецкими экспрессионистами. Существует версия, что Фройнд был ещё и режиссёром на определённом этапе, поскольку Браунинг был подавлен из-за потери своей главной звезды и, к тому же, был не полностью доволен конечным вариантом сценария.

Что касается сюжета, то в данной экранизации, его урезали и изменили во многих аспектах. К примеру, в начале фильма, вместо Джонатана в замок Дракулы направляется Ренфилд, и они уже на следующий день отплывают в Лондон. Также в фильме не было Квинси Морриса и Артура Холмвуда. Действия перенесены в наше время (на момент съёмок). Концовку тоже изменили.

Сюжет фильма развивался всего в нескольких локациях, что было связано с сокращением бюджета по причине вспыхнувшей в то время Великой Депрессией. Так что данная адаптация походит больше на пьесу запечетленную на пленку.

В фильме прекрасно были скомпонованы главные составляющие истории о Дракуле: эротизм, очарование и притягательность.

В результате «Дракула» имел колоссальный успех, а заглавная роль принесла Беле Лугоши всемирную славу.

Параллельно с версией Браунинга, на Universal снимали испанскую версию «Дракулы». Это было сделано из-за того, что в ранние годы звукового кино ещё не было дубляжа, поэтому некоторые фильмы переснимали для разных стран на их языке. Испанская версия «Дракулы» с технической точки зрения получилась лучше американской. В особенности, что касается работы оператора. К тому же, испанская версия имела больший хронометраж. Но актёры в большинстве своём переигрывали.

Исполнитель роли Дракулы – Карлос Вильяриас создал образ далеко не утонченного и изящного трансильванского вампира. Он часто делает какие-то нелепые ужимки, нелепо большие глаза, и смехотворно скалит зубы. Все это в совокупности попросту вызывает смех, нежели уважение по отношению к его Дракуле.

Исполнитель роли Ренфилда тоже жутко переигрывает. Он постоянно неправдоподобно хохочет, и также строит смешные и нелепые гримасы, пытаясь изобразить безумца.

Единственное, что радует в испанской версии – наличие более красивых, чем в американской версии, актрис. Исполнительница роли Мины (в испанской версии – Ева) Люпита Товар – определенно более привлекательна и соблазнительна, нежели Хелен Чандлер, сыгравшая Мину в американской версии. Люпита носит платье с довольно глубоким декольте, что делает ее еще более сексуально привлекательной и обворожительной жертвой. Так что, по части эротизма, испанская версия «Дракулы» явно не уступает американской

«Дракула» Браунинга стал первым звуковым фильмом ужасов, и благодаря его успеху, на студии Universal зародилась волна классических фильмов ужасов.

Ещё одной заслугой «Дракулы» было то, что в сюжете сверхъестественные силы не были вымышленными, в то время как в немых американских фильмах ужасов якобы мистические события в финале подвергались рациональному объяснению (как, к примеру, в фильме Роланда Уэста «Летучая мышь» и в «Коте и канарейке» Пауля Лени).

В 1930-е годы в Америки настало время Великой Депрессии, поэтому фильмы ужасов пользовались особым спросом. Хороший фильм ужасов был идеальным «убежищем» для зрителей, желающих хоть на время отвлечься от ужасов реальности.

Следом за «Дракулой» на студии решают снять адаптацию «Франкенштейна». Роль Монстра предложили Лугоши. Но, прочитав сценарий, Лугоши отказывается, поскольку у Монстра не было реплик, и на протяжении всего фильма ему пришлось бы находиться в массивном гриме.

Режиссёр будущего фильма Джеймс Уэйл начинает искать актёра на роль Монстра. В актёрской столовой Уэйл встретил тогда малоизвестного актёра – Бориса Карлоффа. Уэйла впечатлила структура лица актёра, что и побудило его предложить ему роль.

Борис Карлофф (настоящее имя – Уильям Генри Пратт) родился в Англии в 1887 году. Рос без родителей, его поддерживали братья и сёстры. Изначально хотел стать дипломатом, как один из его братьев, но вскоре увлёкся театром. В 1909 эмигрировал в Канаду, где присоединился к небольшой театральной труппе. Именно в этот период берёт себе псевдоним Борис Карлофф.

Перебравшись в Северную Америку, Карлофф играл за небольшие деньги в театрах, и был вынужден искать дополнительные заработки. В этот период он работал на фермах, укладывал рельсы, водил грузовик.

Карлофф перебрался в Голливуд в 1919 году. В период с 1919 по 1931 год сыграл эпизодические роли в 60 фильмах, но оставался неизвестным (одна из наиболее примечательных его ранних ролей – в фильме 1926 года «Колокольчики», где он сыграл загадочного гипнотизера, внешне похожего на Калигари).

Так было вплоть до того, пока к нему не подошёл Джеймс Уэйл с предложением сыграть роль во «Франкенштейне». Карлофф соглашается.

Для роли Монстра Карлоффу на протяжении 4 часов накладывали грим. Грим вместе с костюмом и огромными сапогами весили более 20 килограмм. Грим накладывал Джек Пирс, который был «волшебником гримёром» студии Universal. Для придания более «мертвецкого» вида Монстру, на веки Карлоффа Пирс наложил воск, предназначенный для мертвецов. Карлофф вынул зубной протез, за счёт чего его щёки стали впалыми. Всё вместе это создало облик самого знаменитого киномонстра всех времён.

Карлофф сыграл превосходно. По сей день, он остаётся лучшим исполнителем роли Монстра. Он придал огромное сострадание своему персонажу. Его Монстр был не понят людьми, его боялись, в то время как он хотел творить добро людям. Зрители ему сочувствовали. Главными поклонниками фильма стали дети, которые как никто понимали Монстра и сопереживали ему.

Роль Франкенштейна блестяще исполнил Колин Клайв. Ему идеально удалось передать одержимость и безумие своего персонажа.

Как и в случае с безумным помощником в «Дракуле», Дуйат Фрай сыграл во «Франкенштейне» похожую роль. Он играет горбуна-помощника безумного доктора.

Эдвард Ван Слоан здесь также присутствует в роли доктора Уолдмена – профессора университета, в котором учился Франкенштейн. Доктор Уолдмен воплощает собой моральную сторону сюжета. Он изначально осознаёт, насколько ужасен опыт Франкенштейна, и пытается его отговорить от этого, приводя в качестве аргументов различный научные теории. Но Франкенштейна не интересовали теории, он был полностью одержим своей безумной идеей.

В фильме есть все классические составляющие жанра: кладбище (на котором Франкенштейн собирает останки трупов для создания своего Монстра), готическая атмосфера, и зловещая лаборатория.

Сам фильм очень отличается от оригинального романа Мэри Шелли. Но благодаря этому, он является самостоятельным произведением.

В книге Франкенштейн работал самостоятельно, а в фильме у него появился горбун-помощник по имени Фриц, что позже стало распространённым явлением в жанре.

Одним из главных отличий от романа является то, что в фильме весь акцент поставлен на то, что Монстру изначально пересадили мозг преступника (это произошло из-за ошибки Фрица). В книге не было описания, чей мозг использовал Франкенштейн для своего Создания. К тому же, в фильме образ Монстра полностью противоположен книжному. В романе Монстр был наделен блестящим разумом, который даже превышал человеческий. В фильме же Монстр наделен разумом младенца, который еще мало что осознает.

В оригинале также не описывается, каким именно образом Франкенштейн сотворил своё Создание. В данном же фильме была впервые использована идея оживления с помощью электричества. Именно эта концепция была использована в последующих фильмах о Франкенштейне.

«Франкенштейн» имел невероятный успех, и даже смог затмить успех «Дракулы». Впоследствии он стал одним из самых известных классических фильмов ужасов.

Роль Монстра Франкенштейна прославила Карлоффа на всю жизнь. Благодаря ей Карлофф стал величайшей звездой жанра.

В дальнейшем Бела Лугоши сожалел, что отказался от роли Монстра. Теперь, помимо того, что Карлофф и Лугоши стали иконами жанра, они стали профессиональными соперниками.

В отличии от Лугоши, Карлофф не ограничился одним жанром и снимался в различных фильмах. К примеру, в 1932 году он снялся в гангстерском фильме – «Лицо со шрамом».

Воодушевившись успехом «Дракулы» и «Франкенштейна» на студии Paramount решают снять «Доктора Джекилла и мистера Хайда». Заглавные роли исполнил Фредрик Марч, который прославился благодаря комедийным пьесам.

Данный фильм является на порядок выше фильмов Universal.

Игра Фредрика Марча потрясающая. Ему в точности удалось передать двойственность натуры своего персонажа. Он идеально вписался в обе роли.

Спецэффекты в области грима просто поразительны. Облик мистера Хайда до сих пор выглядит устрашающим. На наложение грима уходило 3 часа. В этой версии Хайд внешне походил на неандертальца, что в точности соответствовало его примитивным желаниям и действиям.

Фильм также изобилует крайне откровенными сценами, которые никак не ожидаешь от фильма 1930-х годов. К примеру сцена в которой Доктор Джекилл спасает от побоев уличную женщину Айви, отведя ее на руках в ее комнату, а она кокетливо снимая чулки и прикрывшись одним только одеялом начинает его соблазнять.

И то насколько откровенны показаны злодеяния Мистера Хайда, в отношении в том числе и к Айви, тоже не ожидаешь от фильма тех лет.

В фильме всё выглядит на высшем уровне: завораживающая атмосфера Лондона 19 века, мрачные туманные улицы, архитектура в готическом стиле.

Одним из основных художественных приёмов – съёмка «субъективной камеры», которая по-прежнему выглядит невероятно новаторски. Сцена трансформации Доктора Джекилла в мистера Хайда снята очень впечатляюще.

Мистер Хайд получился идеальным антагонистом – он нарушает все нормы морали, совершает поступки, который рассудительный человек ни за что бы ни совершил.

Душевные терзания доктора Джекилла и его борьба со своим альтер-эго – одна из самых сильных сторон актёрской игры Марча.

За роли Джекилла и Хайда Фридрик Марч получил заслуженный «Оскар». Это было впервые в истории, когда актёр получил такую награду за роль в фильме ужасов.

Режиссёром был эмигрант из Грузии, а в дальнейшем – великий голливудский кинодеятель – Рубен Мамулян. Он снял очень сильную, впечатляющую картину, которая была и остаётся настоящим шедевром жанра.

Десятилетие спустя студия MGM выкупила права у Paramount для собственной адаптации «Доктора Джекилла и мистера Хайда», основанной, прежде всего именно на фильме 1931 года, нежели на оригинальном произведении.

В адаптации 1941 года главные роли исполнил классический голливудский актёр – Спенсер Трэйси. Режиссёром выступил Виктор Флеминг, снявший до этого такие шедевры, как «Волшебник страны Оз» и «Унесённые ветром».

Спенсер Трэйси хотел сыграть роли Джекилла и Хайда без какого-либо налёта мистики. По этой причине, он использовал минимальные слои грима, сделав весь акцент на своей игре.

Посетивший студию на время съёмок фильма писатель Сомерсет Моэм поинтересовался, что снимают. Ему ответили: «Доктора Джекилла и Мистера Хайда» со Спенсером Трэйси». Моэм задумчиво спросил: «А кого из них он играет сейчас?». Этот вопрос подразумевал под собой факт того, что из-за минимальности грима, что использовал Трэйси, было порой трудно определить, кого из двух персонажей он играл.

Одну из главных женских ролей прекрасно исполнила величайшая голливудская актриса – Ингрид Бергман. Изначально Спенсер Трэйси хотел, чтобы эту роль исполнила Катрин Хэпбёрн, но её кандидатуру отклонили.

Версия 1941 года вышла когда уже в дело вступил "Кодекс Хейса" – своеобразный свод правил и ограничений того, что нельзя показывать и озвучивать в фильмах (например обнаженную натуру, наличие сексуальных намеков и бранную лексику) – который ещё не вступил в силу когда вышла экранизация с Марчем. По этой причине версия 1931 года выглядит намного откровеннее и раскованнее чем версия 1941 года. На фоне фильма с Марчем, фильм с Трэйси выглядит чересчур целомудренным и консервативным.

Закат карьеры Тода Браунинга

В 1932 году Тод Браунинг снял на студии MGM один из самых известных фильмов ужасов за всю историю кино – «Уродцы». Фильм печально известен тем, что в нём снимались люди с настоящими физическими отклонениями.

Сюжет фильма повествует о бродячем цирке, который демонстрирует людей с физическими недостатками. У одного из них не было ног, у другого – лишь один торс и голова. Также там были: сиамские близнецы, карлики, люди с умственными отклонениями, полу-мужчина, полу-женщина.

Главный герой фильма – карлик Ганс влюблён в акробатку цирка Клеопатру (у неё нет физических недостатков). Она говорит ему, что тоже его любит. Но на самом деле, ей нужны лишь его деньги, которые он получил в наследство. А сама она заигрывает с силачом Геркулесом. Узнав об этом, «уродцы» им жестоко мстят.

Многие утверждают, что фильм несёт в себе гуманистический характер. И что люди не имеющие физических недостатков и являются «уродами» в данном случае. Но историк кино Дэвид Скэл утверждает, что в этом фильме отображается отношение Браунинга к людям. По его словам, Браунинга вполне можно назвать мизантропом. И он олицетворял это в данном фильме.

Также в фильме отображается юность Браунинга, связанная с цирком.

На предпоказе из фильма вырезали множество фрагментов, очень сильно его сократив.

Но даже это его не спасло. Когда фильм вышел в прокат, люди были в ужасе. Фильм по всем параметрам нарушал нормы нравственности. Одна женщина даже выбежала из кинотеатра, сказав, что у неё случился выкидыш, и грозилась подать в суд на студию MGM.

Фильм изъяли из проката и на долгое время похоронили в студийном архиве. Лишь много лет спустя его признали классикой жанра.

«Уродцы» во многом опережал своё время, и Браунинг больше не брался за столь смелые проекты.

В 1935 году Браунинг снял звуковой ремейк «Лондона после полуночи» – «Знак вампира» с Белой Лугоши в главной роли. Браунинг словно предвидел судьбу «Лондона после полуночи», сняв на него ремейк. Сюжет в нём тот же, что и в оригинальном фильме. Однако изначально в сюжет была введена тема инцеста – Граф Мора (Лугоши) изнасиловал собственную дочь Луну, после чего застрелился из-за чувства вины и стал вампиром. Но данная сюжетная линия студии MGM показалась крайне неприемлимой. Посему в конечной версии осталось загадкой наличие кровавого пятна на виске у Графа Моры.

Лугоши снова сыграл роль классического вампира, практически повторив свою роль Дракулы.

Последними фильмами Браунинга стали: «Дьявольская кукла» и «Чудеса на продажу».

В «Дьявольской кукле» главную роль исполнил видный голливудский актер, брат Джона Бэрримора – Лайонел Бэрримор.

Он исполнил роль бывшего заключенного, ложно обвиненного в мошенничестве. Сбежав из тюрьмы он решает отомстить тем, кто причастен к его аресту. И мстит он весьма необычным и оригинальным способом…

В «Дьявольской кукле», так или иначе, присутствуют аналогии с предыдущими творениями Браунинга. К примеру, когда герой Лайонела Бэрримора делает так, чтобы его не узнали, он маскируется под милую старушку, как это делал Лон Чейни в «Несвятой троице».

В целом, это весьма интересное творение Браунинга среди его поздних картин.

Последние 20 лет своей жизни Браунинг стал затворником в собственном доме, и никто не знал, чем он занимался все эти годы.

Ранние успехи мастеров жанра

На следующий год после «Дракулы» Лугоши снялся в фильме «Убийства на улице Морг», по одноимённому рассказу Эдгара По. Режиссёром фильма был француз Роберт Флори, который изначально должен был снимать «Франкенштейна».

Действия происходят во Франции в 19 веке. Лугоши играет зловещего доктора, который ставит опыты по скрещиванию человека и гориллы. По его следам идёт сыщик-любитель – Пьер Дюпен.

Фильм выполнен в духе Немецкого Экспрессионизма. Начальная сцена во многом напоминает сцену из «Кабинета доктора Калигари», в которой Калигари впервые демонстрирует зрителям пробудившегося Чезаре.

Персонаж Лугоши отсутствовал в оригинальном произведении, и роль написана специально для него.

Далее Лугоши снимается в самом первом в истории фильме о зомби – «Белый зомби».

Действия происходят на Гаити, где практикуют магию Вуду. Лугоши играет повелителя зомби, по имени Легендре. К нему обращается один из жителей острова с просьбой помочь ему завоевать сердце девушки, которая собирается выйти замуж за другого. Легендре превращает её в зомби, и теперь она в его полной власти.

Это вторая по величине роль Лугоши после Дракулы. Одним из главных новаторских приёмов фильма стало использование крупным планом гипнотических глаз Лугоши, в моменты, когда он гипнотизировал свою жертву.

В «Белом зомби» Лугоши, к тому же, был режиссёром на определённом этапе, поскольку режиссёр, изначально снимавший картину, выбыл из проекта, предположительно – из-за небольшого бюджета.

«Белый зомби» снимался не на Universal, но в нём были использованы декорации из «Дракулы».

У фильма был довольный слабый сиквел – «Восстание зомби» (1936). В нём не было Лугоши, но был применён эффект с использованием крупного плана его гипнотических глаз.

В том же году Лугоши исполнил небольшую роль в «Острове потерянных душ» по роману Герберта Уэллса – «Остров доктора Моро». Роль доктор Моро исполнил один из величайших голливудских актёров – Чарльз Лотон.

Доктор Моро проживает на безлюдном острове, где ставит эксперименты над животными, пытаясь превратить их в людей. В конце они начинают бунтовать и расправляются над ним.

Фильм является бесспорной классикой ужасов и фантастики. Грим у зверо-людей очень впечатляющий.

У Лугоши была роль главного бунтаря восстания. Это было впервые, когда Лугоши находился под большим слоем грима.

Следом Лугоши играет злого волшебника Роксора в фильме «Чанду волшебник». Эта роль также немаловажна в карьере Лугоши. Впоследствии он сыграет и самого Чанду в ещё 2 фильмах.

В 1932 году Борис Карлофф, снова под руководством Джеймса Уэйла, играет роль немого слуги в фильме «Старый страшный дом». Это был один из ранних фильмов, сюжет в котором строится вокруг попутчиков, у которых сломалась машина, и они набредают на странных обитателей зловещего дома. Но в то же время, в фильме есть немало комичных оттенков. По сути – это комедия ужасов.

Примечательно также, что в этом фильме одну из своих ранних ролей сыграла Глория Стюарт (известная больше всего по роли пожилой Розы в «Титанике»).

Вслед за этим Джеймс Уэйл снимает фильм об ещё одном классическом монстре – «Человек-невидимка», по роману Герберта Уэллса. Изначально на роль Невидимки планировали взять Карлоффа, но он отказался. Главную роль исполнил театральный актёр Клод Рейнс, который до этого ни разу не снимался в кино.

В «Человеке-невидимке» присутствует множество комичных моментов, ставшие уже характерными в фильмах Уэйла. Главную женскую роль снова исполнила Глория Стюарт.

Голос Рейнса идеально подошёл для роли Невидимки, одержимого жаждой власти. По словам дочери Рейнса, на кастинге он жутко переигрывал, но именно благодаря своему голосу, получил эту роль.

Оптические спецэффекты в фильме довольно впечатляющие.

Впоследствии на Universal было снято 4 сиквела о Невидимке: «Возвращение Человека-невидимки» (1940), комедия «Женщина-невидимка» (1940), военный фильм с элементами комедии «Невидимый агент» (1942), и «Месть Человека-невидимки» (1944).

Самая известная роль Бориса Карлоффа после «Франкенштейна» – в фильме «Мумия». Это был самый первый фильм на подобную тему.

Интерес к сюжету о мумиях появился у публики вскоре после открытия в Египте гробницы Тутанхамона в 1922 году, которая оставалась нетронутой на протяжении 3 тысячелетий. В гробнице были неизведанные богатства, бесценные скульптуры. Помимо всего прочего, открытие гробницы несло проклятие на тех, кто её вскрыл. На протяжении последующего десятилетия все кто участвовал в её открытии, умирали загадочной смертью.

В 1932 году сценаристка Нина Уилкокс Патнэм написала сценарий для Бориса Карлоффа, который носил название «Калиостро». В нём речь шла о древнем колдуне, который убивал предавшую его женщину в каждой её реинкарнации. В результате, этот сюжет адаптировали под «Мумию».

Сценаристом «Мумии» был Джон Болдерстон, который также писал сценарии для «Дракулы» и «Франкенштейна». В то время как произошло открытие гробницы Тутанхамона, Болдерстон был корреспондентом в Лондоне, и написал статью об этом знаменательном событии. И, соответственно, был хорошо просвещён в этой области ещё за несколько лет до создания фильма.

По своей концепции, сюжет «Мумии» выстраивался по той же структуре, что и в «Дракуле». А Эдвард Ван Слоан сыграл, по сути, прототипа Ван Хельсинга.

В сюжете «Мумии» речь идёт о том, как археологи вскрыли в Египте гробницу древнеегипетского жреца Имхотепа. Один из ни о чём не подозревающих археологов прочёл заклинание на папирусе, лежавший в гробнице Имхотепа. Тем самым он пробудил древнюю мумию от вечного сна. Увидев ожившую мумию, археолог сходит с ума и его кладут в сумасшедший дом.

Несколько лет спустя Имхотеп, выдавая себя за египтолога по имени Ардет-Бей, организует экспедицию по раскопке гробницы его принцессы – Анксенамун.

При жизни Имхотеп пытался воскресить свою возлюбленную принцессу после её смерти при помощи заклинаний. Но жрецы его застали врасплох и забальзамировали заживо в гробнице за святотатство.

Теперь воскреснув 3 тысячелетия спустя, Имхотеп хочет снова воскресить свою возлюбленную.

Он узнаёт в прекрасной египтянке Хелен Гровенор реинкарнацию своей принцессы. Прочитав заклинания, он подчиняет её своей воле. Теперь он намерен сделать из неё мумию подобную себе и воссоединиться с ней в вечной любви.

Именно подобная смесь романтики с мистикой была одной из основных составляющих фильмов Universal.

Имя «Имхотеп» Болдерстон позаимствовал у реально существовавшего египетского архитектора, построившего первую пирамиду.

Чтобы походить на древнеегипетскую мумию, Карлоффу приходилось до восьми часов в день проводить в кресле гримёра. К счастью, полностью обмотанным он появился лишь в начальной сцене воскрешения. В остальной части фильма на нём было меньше слоев грима. И, как всегда, Джек Пирс сделал уникальный грим, создав облик ещё одного классического монстра.

Игра Карлоффа непревзойдённа. В этом фильме его имя в титрах значится как «Карлофф Жуткий». Это является большой редкостью для актёров, чтобы к фамилии была добавлена приставка.

Главную женскую роль исполнила драматическая актриса театра – Зита Йоханн. Её игра была изумительной, утончённой. Зита Йоханн по жизни увлекалась оккультными науками, и верила в реинкарнацию. Это придавало её игре в «Мумии» ещё большей аутентичности.

Также в фильме были аутентично воссозданы декорации изображающие Египет.

Режиссёром «Мумии» был Карл Фройнд, для которого данный фильм стал режиссёрским дебютом. Таким образом, работая в качестве оператора во многих шедеврах мирового кино, Фройнд поставил в качестве режиссёра один из лучших классических фильмов ужасов за всю историю жанра.

В 1933 году Карлофф впервые за 24 года вернулся в Англию для съёмок фильма «Упырь». Сюжет фильма был схож с «Мумией», но сам Карлофф нечасто появляется в кадре. Когда фильм вышел на экраны, он не имел успеха. Долгое время он считался утерянным, пока его не обнаружили в кино-хранилище Чехословакии.

В 1940 году студия Universal снимет второй фильм про Мумию – «Рука Мумии». Фильм не является сиквелом к «Мумии», а скорее – ремейком, только с большим количеством приключений и комичных оттенков. Имя Мумии изменили с Имхотепа на Харрис. В отличии от версии 1932 года, на этот раз Мумия на протяжении всего фильма ходит обмотанной и не произносит ни слова, полностью подчиняясь воле своего хозяина.

В 1935 году Карл Фройнд снял фильм для студии MGM – «Безумная любовь». Сюжет фильма основан на «Руках Орлака», с той лишь разницей, что в данной адаптации появилась любовная линия.

Главную роль в «Безумной любви» исполнил Питер Лорре. Он играет хирурга – доктора Гоголя. Гоголь безумно влюблён в театральную актрису – Ивон Орлак. Но она уже замужем за известным пианистом – Стивеном Орлаком. После крушения поезда, в результате которого Орлак теряет руки, его жена обращается за помощью к Гоголю. Гоголь пришивает ему руки недавно казнённого убийцы, пытаясь тем самым свести Орлака с ума, дабы подобраться ближе к его жене.

Роль Орлака сыграл Колин Клайв, прославившийся до этого в роли Франкенштейна.

Питер Лорре блестяще исполнил роль Доктора Гоголя, одержимого безумной любовью.

Для Лорре роль в этом фильме стала дебютной в Голливуде.

«Осовремененная» готика

Параллельно с Universal, студия Warner Bros., которая тогда славилась гангстерскими лентами, тоже внесла свою лепту в развитие жанра. Одними из главных особенностей фильмов ужасов Warner Bros., были таковыми: события происходили не в готическую эру, а в наше время, и без какого-либо налёта мистики.

В 1931 году Warner Bros. выпустили фильм «Свенгали» по роману Джорджа Дюморье – «Трильби» (который, кстати сказать, вдохновил Гастона Леру на написание «Призрака оперы»).

Свенгали – зловещий маг и гипнотизёр, который использует свои удивительные способности, чтобы завладеть сердцем прекрасной девушки. Для этого он делает её знаменитой певицей. Но всё оказывается не так просто, как задумал Свенгали…

Роль Свенгали блестяще исполнил Джон Бэрримор. Его гипнотический взгляд и прекрасная игра просто завораживают. Бэрримор создал очень сильный образ аристократичного злодея, наряду с Дракулой Лугоши.

Декорации фильма выполнены в стиле Немецкого Экспрессионизма.

Воодушевившись успехом «Свенгали» Warner Bros. сняли сюжетно схожий фильм – «Безумный гений», главную роль в котором также исполнил Джон Бэрримор. Режиссёром «Безумного гения» был Майкл Кёртиц, снявший в общей сложности более сотни фильмов за свою длительную карьеру (больше всего известен фильмом «Касабланка»).

В 1932 году Майкл Кёртиц снял для студии First National Pictures фильм «Доктор Икс».

В фильме речь идёт об убийце-каннибале. Все следы его преступлений ведут к медицинской академии достопочтенного Доктора Ксавьера. Ксавьер заверяет полицию, что проведёт собственное расследование, дабы они не придали это дело огласке.

Развязка в фильме неожиданная, впоследствии применимая во многих триллерах.

Главную роль исполнил Лайонел Этуилл – один из лучших актёров жанра. Впоследствии он ещё сыграет во многих классических ужасах.

Роль его прекрасной дочери исполнила Фэй Рэй, больше всего известная по ведущей роли в «Кинг-Конге».

«Доктор Икс» стал одним из ранних фильмов ужасов, в котором применяли цветную технику Technicolor. За счёт этого он выделялся на фоне других фильмов жанра того же периода, которые были чёрно-белыми. Он был во многом более новаторский, чем фильмы Universal. Грим убийцы-каннибала устрашает по-прежнему. Сама же тема фильма была очень откровенной для своего времени.

При этом, в фильме есть немало комичных моментов, связанных с журналистом, тайком пробравшегося в дом Ксавьера для собственного расследования, и полюбившего его дочь.

«Доктор Икс» наделал немало шума, и вскоре за ним те же создатели и актёры сняли для Warner Bros. фильм «Тайна музея восковых фигур» (1933).

В фильме речь идёт о гениальном скульпторе – Айване, который испытывает огромную любовь к своим восковым фигурам. Однажды его ассистент сообщает ему, что у них обоих большие финансовые трудности. После чего предлагает сжечь музей, чтобы получить деньги со страховки. Айван против, но его ассистент уже приступает к делу. Между ними завязывается борьба, в ходе которой Айван предположительно умирает. Но несколько лет спустя он снова объявляется, и вскоре в городе начинают пропадать люди. За дело берётся молодая журналистка.

Лайонел Этуилл и Фэй Рэй прекрасно исполнили свои роли.

Грим Айвана выглядит весьма пугающим. Он выглядит даже в чём-то на порядок выше, чем в фильмах Universal. Сам грим и внешний облик главного антагониста, кстати сказать, предшествовал внешнему облику знаменитого Фредди Крюгера из «Кошмара на улице Вязов».

В целом, «Доктор Икс» и «Тайна музея восковых фигур» – новаторски снятые фильмы, с блестящим актёрским составом, увлекательными сюжетами и комичными оттенками. Уже в этих фильмах Майкл Кёртиц проявил своё особое режиссёрское мастерство.

В том же году Лайонел Этуилл снова на пару с Фэй Рэй снялся в фильме «Вампир–летучая мышь». В сюжете присутствует немало заимствований из «Дракулы», а Дуайт Фрай исполнил персонажа, похожего на Ренфилда. Но фильм всё равно интересен и необычен. Он был снят малоизвестной студией Majestic Pictures. Для съёмок использовали декорации, оставшиеся после «Франкенштейна» и «Старого страшного дома».

Восьмое чудо света

В 1933 году Фэй Рэй исполнила роль в фильме, который прославил её на всю жизнь – «Кинг-Конг».

Излишне будет сказать, насколько новаторским был и остаётся этот фильм. Покадровая анимация, использованная для «оживления» Кинг-Конга поражает до сих пор. Главным постановщиком спецэффектов был Уиллис О’Брайен, который до этого создал не менее впечатляющие спецэффекты в немой экранизации Артура Конан Дойла «Затерянный мир» (1925). О’Брайен был первопроходцем в создании столь новаторских спецэффектов. Для передвижений Кинг-Конга О’Брайен использовал модель ростом около полуметра, и её движения были наложены одно на другое по средствам стоп-кадра. Это был невероятно сложный процесс. Порой 1 минута экранного времени отнимала 150-160 часов работы аниматоров. А съёмка битвы Кинг-Конга с птеродактилем заняла 7 недель. Комбинированные съёмки гигантских монстров и людей в одном кадре выглядят очень впечатляюще.

Также весьма необычная деталь – применение оркестрового музыкального сопровождения, использование которого было очень необычным для своего времени в кинематографе.

И, конечно, же, вечная история «красавицы и чудовища» придаёт фильму невероятную чувствительность. Любовь Кинг-Конга к земной женщине очень сильно и эмоционально показана в фильме. Впоследствии эта сюжетная линия стала основной для многих фильмов про монстров.

Конечная сцена фильма, когда Конга убивают на крыше здания Empire State Building в Нью-Йорке – одна из самых известных и самых печальных за всю историю кино.

Создатели фильма наделили душой и обаянием гигантскую обезьяну, которая впоследствии стала одной из главных икон кинематографа. К Кинг-Конгу испытываешь огромную жалость и симпатию, при осознании, что он никогда не будет любим.

Фэй Рэй за роль в «Кинг-Конге» получила статус «королевы крика» за вопли ужаса, которые она издавала в фильме. Роль в «Кинг-Конге» для Рэй стала канонической, и сделала её одной из главных звёзд Голливуда.

«Кинг-Конг» стал главным хитом в год выхода и спас от банкротства студию RKO. Фильм по сей день поражает своей феноменальностью, новаторством и великолепием. Это, по всем параметрам, самый новаторский фильм своего времени, который по пришествии десятилетий нисколько не устарел и остаётся одним из главных шедевров кинематографа.

В том же году RKO выпустили сиквел – «Сын Конга», который получился намного слабее оригинала, и был уже не столь новаторским.

В 1949 году те же создатели сняли тематически схожий фильм – «Могучий Джо Янг», получивший «Оскара» за лучшие спецэффекты.

Раннее творение на тему спиритизма

В 1933 году на студии Paramount сняли фильм «Сверхъестественное».

Главная героиня – Рома получает наследство от своего умершего брата. Вскоре её знакомый медиум Пол говорит ей, что её брат хочет ей оставить сообщение с того света. Но медиум – лишь шарлатан, который хочет присвоить её деньги. Однако в ходе спиритического сеанса в тело Ромы вселяется дух казнённой преступницы Рут, которая была любовницей медиума. Теперь Рут, будучи в теле Ромы, намерена избавиться от Пола.

В фильме есть основные составляющие классических ужасов: тёмная атмосфера, мрачная игра теней, туманные улицы.

Но у него также есть один недостаток: некоторые сюжетные линии не пояснены, неизвестны мотивы некоторых персонажей. Вполне вероятно, что некоторые сцены из фильма утеряны.

Режиссёром фильма был Виктор Гэльперин, снявший до этого «Белого зомби».

Главную роль исполнила голливудская актриса Кэрол Ломбард, которая была замужем за другой голливудской звездой – Кларком Гейблом. По ходу съёмок Ломбард не поладила с режиссёром, поскольку понимала, что ей больше подходят комедийные роли.

Карлофф против Лугоши

В 1934 году на студии Universal осознали, что фильм с участием двух королей жанра может принести немалую прибыль. Так впервые Карлофф и Лугоши появились вместе в фильме «Чёрный кот», вольно основанном на одноимённом рассказе Эдгара По.

Действия фильма происходят в Венгрии. Лугоши играет персонажа по имени Доктор Вердегаст, а Карлофф – инженера Полцига. Доктор Вердегаст недавно вышел из тюрьмы и теперь намерен отомстить Полцигу, по чьей вине его посадили. Он едет в поезде, где встречает молодожёнов. Вскоре они едут в одном такси, но по пути машина попадает в аварию, в ходе которой умирает водитель. Вердегаст теперь вынужден идти вместе с молодожёнами (которые ещё не догадываются, что к чему) к дому Полцега. Встретившись, два заклятых врага едва сдерживаются, дабы не напасть друг на друга. Их сдерживает лишь молодая влюблённая пара.

Полциг – дьяволопоклонник, и хочет принести в жертву девушку, пришедшую с Вердегастом. Вердегаст ему противостоит, и в финале жестоко над ним расправляется.

Персонажи Лугоши и Карлоффа отображают их соперничество в реальной жизни. В фильме чётко видно, как они порой пытаются переиграть друг друга, пытаясь отхватить первенство. Благодаря этому игра каждого из них очень сильна и придаёт фильму некий внутренний конфликт. Карлофф – блистательный злодей, не вызывающий никакой симпатии, в отличии от предыдущих фильмов. Лугоши столь же дьявольски элегантен и очарователен как в «Дракуле».

Две иконы жанра идеально выглядят на экране, от одного их присутствия уже дух захватывает.

Атмосфера в фильме мрачная и готическая, в точности передающая дух произведений Эдгара По.

Из-за обилия жестоких сцен фильм был запрещён в Великобритании на протяжении нескольких лет.

Следующее соперничество двух королей ужаса выразилось в фильме «Ворон», также вольно основанном на произведении Эдгара По.

Лугоши играет нейрохирурга по имени Ричард Воллин. Он в восторге от произведений Эдгара По, в особенности – от стихотворения «Ворон». Однажды он влюбляется в одну из своих пациенток, которой он спас жизнь. Но у неё уже есть жених. Воллин постепенно сходит с ума от не взаимной любви. Он строит орудия пыток, вдохновившись рассказом Эдгара По – «Колодец и маятник». И решает использовать их на женихе и отце своей возлюбленной, который против, чтоб Воллин что-либо к ней испытывал. Вскоре к нему приходит беглый преступник – Эдманд Бэйтман (в исполнении Карлоффа), который просит его изменить свою внешность. Воллин идёт на хитрость – он уродует облик Бэйтмана, и обещает это исправить, если тот поможет в его зловещем плане.

В «Вороне» Карлофф и Лугоши воплотили своих ужасающих персонажей в лучших традициях жанра. На этот раз у Лугоши было больше экранного времени, чем у Карлоффа, но зрители всё равно сочувствовали персонажу Карлоффа. Но Лугоши на этот раз удалось переиграть Карлоффа, и он – главная звезда фильма. Его персонаж – ужасающий злодей, которому нравится совершать пытки. Но в то же время, он просто сбился с истинного пути и стал безумцем лишь из-за несчастной любви.

Дуэт – Карлофф-Лугоши снова превзошёл все ожидания, и «Ворон» стал одним из лучших фильмов в их совместной карьере.

Симпатия к Монстру

В 1935 году руководство студии Universal решает снять второй фильм о Франкенштейне. Этим фильмом стал «Невеста Франкенштейна». Режиссёром снова был Джеймс Уэйл.

В прологе фильма показаны: сама Мэри Шелли, её муж и Лорд Байрон, обсуждающие «Франкенштейна» (вернее перессказывают краткое содержание первого фильма, а не оригинального романа). Мэри Шелли начинает рассказывать продолжение истории и начинается главное действие…

Монстр Франкенштейна выживает после того как его попытались сжечь на мельнице. За ним опять начинается охота обезумевшей толпы, и он прячется в лесах. К Франкенштейну наведывается некий доктор Преториус, который, так же как и Франкенштейн в прошлом, одержим жаждой создания жизни. Преториус пытается уговорить Франкенштейна создать его Монстру невесту, но он полностью раскаялся в содеянном, и больше не хочет иметь ничего общего с наукой.

Монстр, прячась от людей, набредает на одинокую хижину, в которой живёт слепой старец. Старец оказывается невероятно добродушным и даёт Монстру приют. Вскоре он начинает его обучать словам, и Монстр начинает разговаривать. Он со временем становится более разумным и начинает многое понимать. Но вскоре к старцу наведались лесные охотники, и, увидев Монстра, начинают его атаковать, в ходе чего сгорает дом старца. Охотники забирают старца с собой, и Монстр снова остаётся один…

«Невесту Франкенштейну» зачастую считают лучшим фильмом, чем «Франкенштейн». Это был тот редкий случай, когда сиквел превзошёл первый фильм. Карлофф привнёс в роль Монстра ещё большее сострадание и сочувствие. В фильме есть немало чувствительных оттенков, в особенности – в сцене, когда слепой старец приютил у себя Монстра.

Сюжетная линия фильма пересекается с сюжетной линией в романе, с той лишь разницей, что в книге Франкенштейн в результате отказался от создания подруги Монстру.

Также интересный факт – актриса Эльза Ланчестер сыграла как Невесту Монстра, так и саму Мэри Шелли в прологе фильма.

Фильм остаётся главным шедевром Джеймса Уэйла и кино в целом.

Это было последнее обращение Уэйла к жанру ужасов. Впоследствии он снял ещё несколько военных фильмов, после чего спокойно жил в своём доме. Несколько лет спустя он утопился в собственном бассейне. О поздних годах его жизни можно узнать из автобиографического фильма – «Боги и монстры», в котором роль Уэйла гениально исполнил шекспировский актёр Иэн МакКелан (больше всего известен по роли Гендальфа во «Властелине колец»). МакКелану идеально удалось передать образ Уэйла, вплоть до внешних атрибутов.

Карлофф в шекспировском амплуа

В 1935 году Карлофф сыграл в фильме «Чёрная комната».

Действия фильма происходят в 19 веке в тирольском замке. В нём живут 2 брата – злой – Грегор и добродушный – Антон. Грегор собирается захватить власть. Для этого он хочет устранить своего брата, расправившись с ним в Чёрной Комнате (Убилете), и выдать себя за него.

Фильм по своей структуре очень схож с шекспировскими сюжетами. Интрига, вокруг которой: братоубийство и захват власти, во многом напоминает «Гамлета» и другие великие произведения Шекспира.

Карлофф исполнил роли обоих братьев, проявив, таким образом, свой разносторонний талант. Это было впервые, когда у Карлоффа появилась возможность сыграть не просто монстра, но и проявить себя в качестве трагического актёра.

Между тем соперничество королей жанра продолжалось. В фильме «Невидимый луч» Карлофф снова снялся на пару с Лугоши. Карлофф играет учёного – астрохимика, который изучает особенности лучей, исходящих от туманности Андромеды. Во время экспедиции в Нигерии, он обнаруживает некий луч, возникший в результате падения метеорита. Дотронувшись до него, он получает огромную дозу радиации, и теперь всё к чему он прикасается, погибает. Лугоши играет его друга, создавшего лекарство, которое может устранить угрозу. Но его (Карлоффа) коллеги поведали всему научному свету об этом открытии, теперь он намерен им отомстить, используя особенности своего дара.

Из всех совместных фильмов с дуэтом Карлофф-Лугоши, это один из лучших. Помимо этого, в фильме присутствуют очень впечатляющие зрелищные спецэффекты.

Гангстерский фильм с налётом хоррора

В 1936 году Карлофф, под руководством Майкла Кёртица на студии Warner Bros., снялся в фильме «Ходячий мертвец» («Разгуливая мёртвым»).

По сути, Карлофф вновь сыграл Монстра Франкенштейна.

Персонажа Карлоффа зовут Джон Эллман. Мафиози совершают убийство и вешают его на Эллмана. Его казнят на электрическом стуле. Тело заполучает ученый – доктор Бамонт, чьи работники – молодая влюбленная пара – были свидетелями того, что Эллман не совершал убийства. Бамонт оживляет Эллмана, и у него теперь появляется возможность отомстить своим врагам.

Карлофф привнёс в свою роль ещё больше жалости и симпатии, за счёт своей невероятной мимики и жестов. После роли Монстра Франкенштейна, эта одна из самых лучших ролей Карлоффа.

Майкл Кёртиц в очередной раз проявил своё режиссёрское мастерство, сняв один из лучших фильмов ужасов своего времени, скомпоновав такие не сочетаемые жанры как гангстерский фильм и фильм ужасов.

Потомок Дракулы

В 1936 году на студии Universal сняли сиквел «Дракулы» – «Дочь Дракулы». Сюжет фильма частично основан на изначально вырезанной из романа Стокера главы – «Гость Дракулы».

Изначально работать над фильмом должен был знаменитый голливудский продюсер – Дэвид Селзник для студии MGM. Но, осознав, что Universal могут подать на них в суд, все полномочия предоставили им.

Фильм начинается со сцены, в которой Ван Хельсинг вбивает кол в сердце Дракулы. Его ловит полиция и ведёт в участок на допрос. Тем временем в Лондоне объявляется прекрасная графиня Залеска, которая завлекает своей необычайной красотой своих жертв и питается их кровью. Она является дочерью умершего графа Дракулы. Прибыв в Лондон, она надеется найти способ стать обычным человеком, избавившись от мук бессмертной жизни.

Роль дочери Дракулы исполнила Глория Холден. Она привнесла немалую долю утончённости в свою роль. Её героиня, в отличии от самого Дракулы, отнюдь не наслаждается особенностями вампирской жизни. Она очень ранима, отрешённа и вынуждена мириться со своим странным образом жизни, который её вовсе не радует.

Эдвард Ван Слоан – единственный актёр из первого фильма, который появился в сиквеле.

Изначально Лугоши был утверждён на съёмки в картине, но по неизвестным причинам, так в них и не участвовал.

Вторая волна

В 1938 году в кинотеатрах Лос-Анджелеса повторно показали «Дракулу» и «Франкенштейна». Зрители шли толпами на фильмы, ставшие уже на тот момент классикой жанра. Руководство студии Universal в то время сменилось. Осознав, насколько по-прежнему популярны фильмы ужасов, студия решается снять третий фильм о Франкенштейне, собрав потрясающий актёрский состав.

Третьим фильмом о Франкенштейне стал «Сын Франкенштейна». В этом фильме Карлофф в последний раз сыграл роль Монстра. А Лугоши же сыграл очень необычную для себя роль – злобного горбуна по имени Игорь. Эта роль была одна из самых выдающихся в карьере Лугоши. Для роли Игоря он надевал парик, бороду, в результате чего стал неузнаваем. В этой роли было много комичного, что было необычно для Лугоши. Он был рад исполнить комедийную роль, благодаря которой смог расширить свой актёрский потенциал. Персонаж Лугоши стал впоследствии каноническим, а имя Игорь часто применяли к злобным помощникам – горбунам.

Игорь – главный помощник Монстра и его охранник. Также он промышляет кражей трупов. Прибывшему сыну давно умершего доктора Франкенштейна, Игорь показывает Монстра. Теперь и сын Франкенштейна идёт по стопам своего отца, чем вызывает ненависть и злобу со стороны жителей деревни.

Одну из ролей блестяще исполнил Лайонел Этуилл.

Изначально фильм планировали снять в цвете, но потом отвергли эту затею, соорудив декорации в стиле Немецкого Экспрессионизма.

На заглавную роль изначально планировали взять Питера Лорре. Но он не смог участвовать по причине болезни. В результате эта роль досталась Бэзилу Рэтбоуну.

Лучший Шерлок Холмс

(субъективное мнение автора)

Бэзил Рэтбоун был величайшим шекспировским актёром и снялся во многих классических кино – постановках. Но роль, которая принесла ему славу на всю жизнь – роль Шерлока Холмса (которую он исполнил как раз сразу же после «Сына Франкенштейна»).

Первым фильмом, в котором Рэтбоун сыграл Холмса стала кино – адаптация самого известного произведения Артура Конан Дойла – «Собака Баскервилей». Фильм снят на студии «20 Век Фокс».

Рэтбоун идеально исполнил роль величайшего сыщика всех времён. Он был по всем параметрам лучшим исполнителем роли Холмс, вплоть до внешних структур лица, которые были в точности такими же, как описывалось в оригинальных произведениях. Рэтбоун очень точно передал все характерные особенности своего персонажа. Методы дедукции, присущий Холмсу огонёк в глазах, глубокая задумчивость – все эти черты Рэтбоун идеально воплотил на экране.

Роль доктора Ватсона сыграл постоянный партнёр по театру и лучший друг Рэтбоуна – Найджел Брюс. В его исполнении Ватсон был полной противоположностью книжному прототипу: он был несколько глуповат, рассеян, что создавало немало комичных оттенков. Но в этом был интересный баланс между Холмсом и Ватсоном. Найджел Брюс тоже прекрасно сыграл свою роль.

Роль доктора Мортимера исполнил Лайонел Этуилл.

Дворецкого Бэрримора сыграл Джон Кэрредин – один из лучших классических актёров жанра, который снялся в общей сложности в 280 фильмах. Кэрредин, кстати говоря, проходил пробы на роль Монстра во «Франкенштейне» 1931 года, но отказался по той же причине, что и Лугоши. Помимо фильмов ужасов, Кэрредин был известен по ролям в вестернах и ролях шекспировского репертуара.

«Собака Баскервилей» снят безупречно. Он имеет мрачную готическую атмосферу, немалую долю юмора, и прекрасную детективную составляющую. Сюжет фильма во многом отличается от оригинального произведения. Но это несколько не портит впечатления от просмотра.

После успеха «Собаки Баскервилей» студия «20 Век Фокс» снимает следующий фильм о великом сыщике – «Приключения Шерлока Холмса». Во втором фильме Холмс противостоит своему злейшему врагу – гениальному преступнику доктору Мориарти. Мориарти задумывает совершить самое опасное преступление всех времён и пытается всё время навести Холмса на ложный след. Но Холмса не так просто сбить с толку.

Роль Мориарти исполнил Джордж Зукко, который прославился больше всего благодаря ролям сумасшедших учёных. Роль Мориарти идеально ему подошла.

В 1942 года студия Universal приобрела права у студии «20 Век Фокс» для съёмок цикла фильмов о Шерлоке Холмсе. К тому же, они «осовременили» события, перенеся их с 19 века в 1942 год в самый разгар Второй Мировой войны. Таким образом, на протяжении нескольких фильмов Холмс боролся с нацистскими организациями. Но это нисколько не испортило концепцию фильмов о Холмсе. Впоследствии студия Universal сняла 12 фильмов о Холмсе с участием Рэтбоуна и Брюса в период с 1942 по 1946 год.

В некоторых фильмах Холмс продолжал противостоять Мориарти. Исполнители роли Мориарти порой менялись из фильма в фильм. Эту роль блестяще сыграли: Лайонел Этуилл, Джордж Зукко и Генри Дэниелл (еще один «кинозлодей»).

Бэзил Рэтбоун гениально исполнил роль Шерлока Холмса на протяжении всего цикла фильмов, и по сей день остаётся лучшим исполнителем роли величайшего сыщика. Его исполнение Холмса повлияло в частности на Джонни Деппа, когда он играл Икабода Крэйна в «Сонной лощине».

«Ричард III» от Universal

Вскоре после «Сына Франкенштейна» те же создатели сняли фильм «Башня смерти».

Фильм является вольной экранизацией «Ричарда III» Шекспира. Действия происходят в 15 веке. Герцог Ричард Глостерский хочет, во что бы то ни стало, взойти на трон. Ему это удаётся после смерти Эдварда VI. Но остаётся ещё одна проблема – устранить своего брата, который может помешать захватить власть.

Сюжет фильма во многом предвосхитил события приближающейся Второй Мировой войны.

Фильм снова собрал потрясающий звёздный состав: в роли Ричарда Глостерского – Бэзил Рэтбоун, в роли его помощника – молчаливого палача – Борис Карлофф, и в роли брата Ричарда – будущая звезда ужасов – Винсент Прайс, для которого роль в этом фильме стала дебютной в этом жанре. Вскоре после этого он сыграл главную роль в сиквеле к «Человеку – невидимки» – «Возвращение Человека – невидимки». После чего вскоре стал видным голливудским актёром, которого прославили, в первую очередь, роли злодеев (одна из самых примечательных его ранних ролей – в фильме «Драговик»).

Карлофф, которого не смогли повесить

В 1939 году Карлофф исполнил одну из своих лучших ролей в фильме «Человек, которого не смогли повесить».

Он играет учёного по имени доктор Саваард, который изобрёл некое устройство, позволяющее возвращать мёртвых к жизни. Добровольцем опробовать это устройство становится его ученик, но его девушка боится, что он больше не вернётся к жизни. Она вызывает полицию, и эксперимент по оживлению не успел окончиться. Саваарда на суде признают виновным и приговаривают к смерти через повешение. Перед совершением казни Саваард произносит блистательную речь, о том, что это его обвинители сами виноваты в смерти его ученика, в особенности – его девушка. И о том, что из-за них человечество лишилось огромного научного достижения, благодаря которому люди могли бы жить вечно. Перед исполнением приговора Саваард вызывает к себе в камеру своего коллегу, которому завещает, чтоб тот забрал его тело и оживил с помощью созданного им научного устройства. Так и происходит – его коллега оживляет его, и теперь Саваард будет мстить всем, кто его приговорил к смерти. Он обманом заманивает всех, кто причастен к его смерти, в свой дом, и расставляет смертельные ловушки повсюду, заперев всех изнутри.

Карлофф, как всегда, великолепно сыграл свою роль. В сцене, когда он произносит речь в суде – просто завораживающая, и вызывает огромное сочувствие к его персонажу.

К тому же, в таких фильмах, как «Пила» есть нечто общее с этим фильмом, по части ловушек и наказаний. Так что персонажа Карлоффа можно по праву считать самым первым «конструктором смерти».

Другие примечательные фильмы, в которых Карлофф сыграл безумных учёных: «Человек, изменивший свой разум» (1936), «Человек с девятью жизнями» (1940), и «Команды дьявола» (1941) (в котором он играет учёного, потерявшего жену, и пытающегося найти способ, чтобы общаться с её духом).

Восход карьеры Лугоши

1939 год стал удачным годом в карьере Лугоши. До этого у него около двух лет не было работы. Одна из самых примечательных его ролей за этот период – в фильме «Чёрные глаза Лондона» по рассказу Эдгара Уоллеса.

Лугоши играет зловещего доктора Орлоффа. Он совершает различные подпольные преступления. Для этого он использует своего слепого помощника с изуродованной внешностью.

Фильм был снят в Великобритании, и оказался первым в этой стране, получивший рейтинг «H» (Horror). Он был запрещён к просмотру лицам младше 16 лет.

В том же году Лугоши снимается в сериале «Призрачная угроза». Он играет вполне характерную для себя роль безумного учёного, который намерен захватить мир. В его арсенале имеется куча различных смертоносных ловушек и уловок, в числе которых – гигантский робот.

Дизайн робота из данного сериала использовал Роб Зомби для своих концертов. А особый стиль «плывущих» вверх титров в начале каждой серии был позаимствован в «Звездных войнах». Кроме того, в названии первого эпизода «Звездных войн» было отсылка непосредственному к самому названию сериала.

В том же году Лугоши получил небольшую роль в комедии «Ниночка», главную роль в которой исполнила классическая голливудская актриса – Грета Гарбо.

Очередным совместным фильмом с участием Карлоффа и Лугоши стал «Чёрная пятница».

Основа сюжета позаимствована из «Доктора Джекила и мистера Хайда». Карлофф играет учёного по имени доктор Совак. Его коллега профессор Кигсли попадает в автомобильную аварию. Чтобы спасти жизнь профессора, Совак трансплантирует ему часть мозга гангстера Кэннона, также пострадавшего в ходе той аварии. Теперь у профессора раздвоение личности. Днём он – примерный гражданин, а ночью – криминальный авторитет, который знает, где спрятаны награбленные деньги.

На роли профессора и гангстера изначально планировали взять Карлоффа, а на роль Совака – Лугоши. Но, в конечном счёте, главные роли исполнил Стэнли Риджес, а Лугоши – небольшую роль гангстера из шайки Кэннона.

В этом фильме Карлофф и Лугоши ни разу не появляются в одном кадре. А Лугоши и вовсе досталось минимум экранного времени.

В «Дьявольской летучей мыши» Лугоши играет роль, подобную Франкенштейну. Он создаёт гигантскую летучую мышь и с её помощью расправляется со своими врагами.

В 1941 году Лугоши (вместе с Бэзилом Рэтбоуном) снялся в ещё одном «Чёрном коте». Как в случае с версией 1934 года, этот фильм имеет мало общего с одноимённым рассказом Эдгара По. Фильм по жанру является чёрной комедией.

Новый монстр Universal

В 1935 году на Universal был снят первый в истории сохранившийся фильм об оборотнях – «Лондонский оборотень». Первый фильм на эту тему – «Оборотень» был снят в 1913 году, но не уцелел до наших дней. Ещё был фильм «Волчья кровь» (1925), в котором главному герою в результате большой кровопотери перелили кровь волка, в результате чего он стал наполовину человек, наполовину зверь. Но в «Волчьей крови» не было сцен трансформации человека в волка. «Лондонский оборотень» стал первым фильмом, в котором показана такого рода метаморфоза.

Сюжет фильма повествует о том, как молодой ботаник Глендон отправляется в Тибет на исследования. Там на него нападает жуткое существо и кусает за руку. Вскоре после возвращения в Лондон, Глендон в полночь превращается в оборотня и наводит ужас на всю округу. Однажды к нему приходит некто доктор Йогами, который, как позже выясняется, и был тем жутким существом в Тибете, укусившее Глендона. Йогами сообщает Глендону, что его может спасти растение, которое Глендон привёз с собой из Тибета. Но оно лишь временно действует. Глендон покидает свою горячо любимую жену и вынужден теперь прибывать в безлюдных местах. Но его животная натура уже им полностью завладела.

В отличии от последующих фильмов об оборотнях, здесь оборотень показан не как зверь внутри, а скорее – как часть личности, что по своей структуре напоминает «Доктора Джекила и мистера Хайда».

Главную роль исполнили Генри Халл. Он блестяще исполнил обе роли, идеально продемонстрировав противоречивость натуры своего персонажа. Гримёр Джек Пирс накладывал не большие слои грима на лицо Халла. Но грим, всё равно, получился весьма устрашающим и пугающим.

В фильме присутствуют все составляющие классического кино об оборотнях: тёмные туманные улицы, полная луна, жуткий, и в то же время – печальный вой оборотня, мрачное музыкальное сопровождение.

Но, несмотря на все преимущества картины, в год выпуска фильм не имел коммерческого успеха, поскольку во многом напоминал сюжет «Доктора Джекила и мистера Хайда».

Куда большего успеха Universal добились 6 лет спустя, сняв фильм «Человек-волк».

Главного героя фильма зовут Лоренс Толбэт. Он прибывает после долгого отсутствия к своему отцу в родовой замок в Уэльсе. Там он встречает привлекательную женщину и у них завязывается роман. Во время одной из прогулок они набредают на ярмарку, на которой таинственная цыганка Малива предсказывает Лоренсу, что его ждёт нечто страшное впереди. Вскоре после этого сын цыганки по имени Бела превращается в огромную собаку и, напав на Толбэта, кусает его. Толбэт ударяет его тростью с серебряным наконечником, тем самым убивает его. Как оказалось, Бела был оборотнем, и перед смертью наложил на Толбэта своё проклятие. Теперь Толбэт в полнолуние превращается в оборотня, и нападает на тех, кто ему особенно дорог.

Главную роль исполнил Лон Чейни–младший – сын величайшего Лона Чейни.

Настоящее имя Чейни–младшего – Крэйтон. Его отец был против того, чтобы он снимался в кино. Но несколько лет спустя после его кончины, Крэйтон таки начал карьеру в кино, взяв псевдоним Лон Чейни–младший (на том настояли продюсеры).

В 30-е годы Чейни – мл. снимался в основном в вестернах. Его дебютом в ужасах стал фильм «Монстр, рождённый людьми» (1941). За год до этого он сыграл в знаменитом фильме о динозаврах – «Миллион лет до н.э.». Также он проходил пробы на роль Квазимодо для «Горбуна из Нотр-Дама» (1939), но в результате роль перешла Чарльзу Лотону.

Роль Человека – волка прославила Чейни-мл. и сделала его величайшей звездой жанра, наряду с Карлоффом и Лугоши.

Изначально главную роль должен был исполнить Лугоши, но в результате ему досталась роль цыгана Белы, укусившего Толбэта. Также планировали взять Карлоффа на главную роль, но он был занят в другом проекте.

Роль отца Толбэта сыграл Клод Рейнс.

В роли возлюбленной главного героя выступила Эвелин Энкерс – одна из самых видных голливудских актрис. В этот же период своей карьеры она снялась в нескольких фильмах о Шерлоке Холмсе с Бэзилом Рэтбоуном. Помимо этого, она снялась в основной классике ужасов Universal 1940-х, где её главными «партнёрами», помимо Человека-волка, были: Дракула, Монстр Франкенштейна, Человек-невидимка и ещё несколько менее известных монстров Universal.

Роль цыганки Маливы исполнила русская эмигрантка Мария Успенская.

Гримёр Джек Пирс накладывал грим на лицо Чейни на протяжении 6 часов. Особенно сложной была сцена трансформации, в которой Чейни приходилось находится в неподвижном состоянии на протяжении нескольких часов, пока на него слоями накладывали грим. В результате, Чейни и Пирс создали классический образ оборотня, породив на экране ещё одного классического монстра.

Сценарист фильма Курт Сьодмак, бежавший из Гитлеровской Германии, отразил в сценарии события, доминирующие на его родине, оттолкнувшись от классического фольклора об оборотнях. Основная концепция сценария состоит в метафоре, в которой подразумеваются нацисты, превратившиеся из обычных людей в «оборотней».

Постоянный композитор Universal – Ганс Салтер создал впечатляющее музыкальное сопровождение, состоящее из тритона, что задавало фильму особую зловещую атмосферу.

Чейни удалось сыграть не просто монстра. Его персонаж глубоко раскаивается в своих деяниях, которые не подвластны его собственной воле. Подобно своему отцу, Чейни-мл. придал огромное сострадание своему персонажу, благодаря чему смог вызвать сочувствие у зрителей.

Став новоиспечённой звездой Universal, Чейни вскоре получает роль Монстра Франкенштейна в фильме «Призрак Франкенштейна».

В роли Игоря повторно выступил Лугоши. Игорь ведёт Монстра ко второму сыну Франкенштейна, задумав, с помощью него, пересадить свой мозг в мозг Монстра, дабы избавиться от своего бренного тела. Но операция оказалась безуспешной, поскольку группа крови Игоря не совпадала с группой крови Монстра. Из-за этого он слепнет и в порыве ярости рушит всё вокруг себя, обрушив на себя останки дома Франкенштейна.

Первая схватка монстров

Закрепив за собой роли двух классических монстров, Чейни предстоит сыграть роль Мумии в 3 фильмах: «Гробница Мумии», «Призрак Мумии», и «Проклятие Мумии». Роль Мумии была одна из самых не любимых у Чейни. На протяжении всех трёх фильмов ему приходилось ходить полностью обмотанным, и под огромным слоем грима. К тому же, один из фильмов снимали жарким летом, из-за чего Чейни особенно пришлось страдать во время съёмок.

Джордж Зукко же играл властителя Мумии на протяжении 3 фильмов серии (включая «Руку мумии», но за исключением «Проклятия мумии»).

В 1943 году Чейни во второй раз сыграл оборотня в фильме «Франкенштейн встречает Человека–волка». Это был первый в истории фильм, в котором скомпоновали двух известных монстров.

Конец ознакомительного фрагмента.

Текст предоставлен ООО «ЛитРес».

Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию на ЛитРес.

Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.