Пятьдесят четыре дня музыки
Александр Кулик

© Александр Кулик, 2021

ISBN 978-5-0055-1407-3

Создано в интеллектуальной издательской системе Ridero

Вместо предисловия

«54 дня музыки» – сборник заметок о виниловых пластинках, композициях на них, исполнителях и группах, так или иначе впечатливших автора романа «На виниле» Александра Кулика.

Без этих «постов», которые автор публиковал в соцсетях и на своём сайте в 2017—2018 годах, не случилось бы и самого романа. Так, например, некоторые отрывки из этих заметок практически без правок попали на страницы книги, органично вписавшись в линию повествования.

С течением времени крошечные записки превращались в полноценные рассказы не только о конкретной пластинке, но и о интересных фактах из биографии исполнителя и истории песен, на этой пластинке увековеченных.

В данной книге сохранена не только хронологическая последовательность заметок, но и их изначальный стиль, орфография и пунктуация.

От автора

Музыка – волна. Она накрывает тебя с головой, не давая опомниться.

Погрузившись в волны хорошей музыки, не хочется возвращаться на поверхность. С музыкой же второсортной, скучной, предсказуемой или создающейся исключительно для получения материальной выгоды ситуация противоположная – хочется поскорее выйти из-под ее воздействия и смыть с себя эту субстанцию.

Надеюсь, что представленная здесь музыка вызовет у вас первый тип реакции и поможет прожить еще один день в добром настроении.

#musicacoolika vol.1

The Benny Goodman Quartet and Trio «B. G. Jazz Concert»

The Benny Goodman Quartet and Trio

Ну что, мои многочисленные подписчики-меломаны, возрадуйтесь!

Я открываю цикл бесед о различной по жанрам, но неизменно отличной по качеству музыке.

Сегодня почтой Её Величества с далекой западной окраины английского Хартфордшира, из города Беркхамстед, пришла ко мне замечательная пластинка, выпущенная в далеком и, без сомнения, прекрасном 1957 году компанией Philips UK.

Пластинка эта называется B. G. Jazz Concert, а исполняет композиции на ней – всеми вами любимый король свинга в составе The Benny Goodman Quartet and Trio (четвертым стал Lionel Hampton с вибрафоном, дополнив кларнет, пианино и ударные).

Всего на этой 45-оборотной малютке 4 произведения: Nice work if you can get it (без вибрафона), Vibraphone Blues (уже квартет), Moonglow (квартет), Nagasaki (квартет). Эта музыка обвивает, заполняет всё вокруг собой, переносит в джаз-бары 30-х годов, кларнет Гудмана просто завораживает, как заклинатель змей вводит в транс кобру.

Если кто-то из вас, мои маленькие любители прекрасного, решит послушать эти композиции – бегом на Ютуб, там всё есть.

В следующий раз мы поговорим о современной пластинке с электронной музыкой и с интригующим названием «Cocaine».

#musicacoolika vol.2

I.T.-Electronics (DJ ICON & ToxicTwin) «COCAINE»

I.T.-Electronics (DJ ICON & ToxicTwin)

Ну что, мои многочисленные подписчики-меломаны, возрадуйтесь!

Я открываю цикл бесед о различной по жанрам, но неизменно отличной по качеству музыке.

Сегодня почтой Её Величества с далекой западной окраины английского Хартфордшира, из города Беркхамстед, пришла ко мне замечательная пластинка, выпущенная в далеком и, без сомнения, прекрасном 1957 году компанией Philips UK.

Сегодня мы с вами, мои высококультурные ценители всего прекрасного, отправимся в один из центров электронной клубной музыки – любимый многими нашими соотечественниками город Берлин. Точнее, благодаря магазину grooves.land, клубный Берлин сам оказался у меня в гостях.

Полноразмерный макси-сингл I.T.-Electronics (DJ ICON & ToxicTwin) «COCAINE» от лейбла DNSB преобщит нас к музыке в стиле Progressive Trance – 128 ударов в минуту, прогрессии, все как положено.

Треклист – сторона A – Mainstream Cocaine; сторона B – Club Cocaine и Dub Cocaine.

Что касается самой музыки – мне доставило, особенно Mainstream Cocaine. Думаю любителям прогрессий, которые каким-то чудовищным образом не прослушали ранее этот сингл, стоит сделать это сейчас, благо для проникновения в атмосферу современной синтетической музыки можно обойтись без воспеваемого диванными экспертами шелеста иглы по винилу, ламп и прочих атрибутов «настоящего меломана», а просто зайти на Ютуб или купить CD.

#musicacoolika vol. 3

Nat «King» Cole «Love Is The Thing – Part 1»

Nat «King» Cole

Вот и пришло время рассказать про новую интересную пластинку и познакомить вас с очередным нашим гостем. Встречайте – Натаниэль Адамс Коулз (Nat «King» Cole, Нэт Кинг Коул) – первый темнокожий исполнитель, который смог пробиться на самую вершину эстрадного Олимпа в эпоху расовых предрассудков. Кроме того, по мнению английского «Radio 2», он занимает третье место среди 100 лучших эстрадных исполнителей 20-го века (впереди только Синатра и Элвис). Впервые я «познакомился» с творчеством Нэта Кинга Коула около 15 лет назад, когда прочитал «К югу от границы…» Мураками. Там главный герой со своей подругой множество раз слушал пластинку Коула с одноименной песней про Мексику. Каково же было мое удивление, когда несколько позже я узнал, что сам «Король» эту песню никогда не исполнял (во всяком случае – не записывал). А пел и записывал ее, в числе прочих – Фрэнк Синатра.

Но, как бы там ни было, имя Nat «King» Cole засело в моей голове и я прослушал все его наиболее популярные хиты и спокойно забыл про него на долгие годы.

Сейчас же я решил немного освежить память и заказать что-нибудь из его творчества. В итоге, ко мне в руки попала пластинка Нэта Кинга Коула Love Is The Thing – Part 1 (7 дюймов, 45 оборотов), выпущенная в 1957 году (везет мне что-то на этот год) под лейблом Capitol Records компанией EMI в Великобритании. На пластинке четыре композиции – Love Is The Thing, Stay As Sweet As You Are, When I Fall In Love, Where Can I Go Without You?.

Вопросов по впечатлениям для меня быть не может – его баритон, своеобразная (романтически-манящая за собой, что ли) манера исполнения не могут оставить меня равнодушным и невозмутимым, а нежная, тягучая, расслабляющая музыка оркестра Гордона Дженкинса дополняет образ и заставляет остановиться, замереть, просто отключиться от окружающей суеты пока играет очередная композиция.

Обычно, в заключении принято делать выводы. Тут вывод я предлагаю только один – слушайте эту замечательную музыку, слушайте этот проникновенный голос, не поддавайтесь на провокации и не соглашайтесь на компромиссы – музыка бывает или достойной уважения или шлаком.

Эта музыка однозначно относится к первому типу.

#musicacoolika vol. 4

Eddie Calvert «Two Lips From Amsterdam»

Eddie Calvert

Вот и пришло время нашей новой встречи, мои неназойливые, неявные, вероятнее всего, воображаемые друзья.

Сегодня я хочу поделиться с вами очень приятным открытием (открытием для меня, конечно же, но не для вас, мои эрудированные читатели) – пластинкой английского трубача Эдди Кэлверта (Eddie Calvert).

В оригинале эта полноразмерная пластинка была выпущена компанией B.V. Grammofoonplatenmaatschappij CNR (только так и никак иначе :-D) в 1977 году в Нидерландах и носила название «Two Lips From Amsterdam» (милая игра звуков/слов (губы/тюльпаны), прекрасно обыгранная графически в оригинальной обложке), что, вероятно, не совпадало с политикой партии, поэтому мой вариант советского переиздания начала 80-х потерял поцелуй на обложке, зато приобрел красивый тюльпан-фонтан, что, впрочем, никак не повлияло на великолепное исполнение Эдди Кэлверта.

Чем хороши (а в некоторых случаях, к сожалению, и крайне плохи) 12-ти дюймовые диски – слушать их можно очень долго. В данном случае это превосходно – 40 минут отличной музыки от профессионалов высочайшего класса сделали мой сегодняшний вечер – мы с супругой умудрились даже станцевать некий «вальс», в силу моих, весьма ограниченных, возможностей, конечно.

Что касается непосредственно композиций – стоит отметить, что Кэлверт играл композиции других композиторов и именно в исполнении чужих вещей добился отличных результатов – за что и получил награду NME Awards в номинации «Лучший инструменталист» в 1956 году.

На обороте пластинки, в числе прочего, есть такие слова «Кэлверт всегда питал слабость к красивой, напевно льющейся мелодии, такой, чтобы ее хотелось повторять снова и снова.» – это и есть суть этого альбома, точнее и не скажешь.

На альбоме представлены следующие композиции: My Love; Zambesi; Rock Me On A Rainbow; Loneliness; Mistral; Oh, Mein Papa; If You Wanna See Me Again; Cherry Pink And Apple Blossom White; Please Love Surrender; Nostalgia; Sausalito; Tulips From Amsterdam.

Если вы хотите провести приятный вечер под хорошую музыку, расслабиться и отдохнуть перед новыми свершениями – Ютуб в помощь и наслаждайтесь.

#musicacoolika vol. 5

Duke Ellington «Ellington ’55»

Duke Ellington

Рад снова видеть всех вас, мои ищущие, находящие и проходящие мимо товарищи!

Сегодня я предлагаю вам отправиться в точку во времени, которая «обладает космической значимостью как узел всего пространственно-временного континуума» (Эмметт Браун, «Назад в будущее 2») – в 1955-й год.

Если подумать – 1955-й год в США – прекрасное время музыкальных автоматов, танцев и отличной музыки – после Второй Мировой уже минуло 10 лет, а до Вьетнамской еще 10 лет.

И, что в рамках сегодняшнего нашего путешествия особенно важно – 55-й/56-й годы – время очередного взлета популярности Дюка Эллингтона (Duke Ellington) – американского пианиста, композитора и руководителя оркестра.

Думаю, что нет особого смысла рассказывать вам, мои маленькие всезнайки, о том, кто такой Duke Ellington, если только самую суть (на случай частичной потери памяти и т.д.) – Дюк Эллингтон – один из самых популярных и известных джазовых музыкантов прошлого столетия.

Сегодня ко мне в руки попала пластинка с красноречивым, понятным и несколько формальным, как мне кажется, названием – Ellington ’55 (ко мне приехала 3-я часть). Композиции для этих синглов и для полного альбома были записаны в 1953/54 годах, а сами диски вышли в 1955/56.

В аннотации к пластинке автор называет ее «другой», «особенной», имея в виду то, что и сам Эллингтон и его музыканты никогда не записывали ранее эти композиции, не представляли их публике в своем исполнении.

Поэтому, о композициях. На каждой стороне расположилось по одной мелодии:

– сторона 1 – «One O’Clock Jump» – джазовый стандарт, написанный Count Basie (Каунт Бейси) в 1937-м году, в последствии вошедший в список «Песни столетия» (Songs of the Century). Этот популярный джазовый стандарт исполнялся практически всеми ведущими ансамблями. – сторона 2 – «Honeysuckle Rose» песня 1929 года, которую создали органист и пианист Fats Waller (Фэтс Уоллер) и поэт Andy Razaf (Энди Разаф). Расписывать, как сыграли эти композиции музыканты Эллингтона – смысла нет – это надо просто послушать и получить наслаждение и резкое улучшение настроения, как сделал сегодня я.

#musicacoolika vol. 6

Glenn Miller And His Orchestra «This Is Glenn Miller»

Glenn Miller And His Orchestra

Приветствую вас, мои замерзающие друзья. Предлагаю вам сегодня растопить этот чудесный майский снег (хотя бы у себя в голове и сердце) самым полезным и приятным способом – послушав хорошую музыку, выдержкой более 75 лет.

Началось всё с того, что сегодня Почта России неожиданно порадовала меня – отделение оказалось открытым, несмотря на всероссийский майский запой, так что я смог без очередей и стрессов получить не просто пластинку – а два винила из серии RCA Gold Standard – что уже само по себе говорит о том, что слушать мы сегодня будем не самую плохую музыку в этом полном открытий мире.

Дальше – лучше. Пластинками этими оказались This Is Glenn Miller Vol.1 и Vol.2 1961 года выпуска с композициями (кто бы мог подумать) Glenn Miller And His Orchestra («Гленн Миллер и его оркестр»). Гленн Миллер – ярчайшее событие, случившееся с мировой музыкальной культурой первой половины прошлого века.

Если без образности и по существу, то Википедия говорит так: «американский тромбонист, аранжировщик, руководитель одного из лучших свинговых оркестров – оркестра Гленна Миллера».

Но, говоря о этом исполнителе, сухими фактами ограничиваться не хочется. Достаточно привести всего несколько вех из его биографии и станет понятно, как этот человек любил музыку и на что был готов, чтобы быть лучшим: «В день вручения школьных аттестатов сбежал из дома, чтобы поиграть на танцах в оркестре городка Лэрами в штате Вайоминг», «На сцене были запрещены разговоры. Платки в нагрудных карманах пиджаков музыкантов должны были соответствовать цвету носков» и т. д.

И, что еще более поражает – способность поменять всё и рискнуть всем ради своих убеждений – 27 сентября 1942 года его оркестр дал свой последний концерт. Находясь на вершине славы и успеха, Гленн Миллер распустил свой знаменитый бэнд и поступил в Военно-воздушные силы (причем, это была вторая попытка уйти на войну – в декабре 41-го года ему уже отказали в просьбе записаться добровольцем в силу не призывного возраста). К сожалению, это его решение дало начало цепи событий, которая привела к тому, что 15 декабря 1944 года он вылетел во Францию на небольшом одномоторном самолёте и его след затерялся где-то над Ла-Маншем. Ни тело Миллера, ни остатки его самолёта не были найдены.

Вернемся к музыке – на пластинках в левом углу стоит удивляющая современного слушателя надпись – «MONO». Но, как писал Мураками: «От того, что скрипка зазвучала слева, а контрабас справа, музыка лучше не стала». Поэтому послушаем и насладимся оригинальным, моно-звучанием представленных композиций – на первой части это My Isle Of Golden Dreams (29 июля 1939 года), Anvil Chorus (13 декабря 1940 года), At Last и Sun Valley Jump (апрель 1940 года) и на второй Beautiful Ohio (15 января 1940 года), Pavanne (18 апреля 1939 года), Londonderry Air (5 февраля 1940 года), Adios (25 июня 1941 года). (18 апреля 1939 года), Londonderry Air (5 февраля 1940 года), Adios (25 июня 1941 года). Мелодии эти безумно хороши и узнаваемы, так, например, Londonderry Air – это знаменитый Danny Boy, только без слов, а Anvil Chorus – английское название Coro di zingari из оперы Джузеппе Верди «Il trovatore».

Поэтому – слушайте, согревайтесь и будет вам МАЙ.

#musicacoolika vol. 7

Johnny Mathis «Come to Me»

Johnny Mathis

Доброго весеннего денечка вам, мои музыкальные друзья. Как говаривал Аркадий Велюров (Л. Броневой) в «Покровских воротах»: «На улице идет дождь, а у нас идет концерт…».

В такой дождливый день хочется неспешной, негромкой, проникновенной музыки… А еще хочется, чтобы это была не просто музыка, а именно полноценная песня с хорошим вокалом, причем желательно с вокалом крунера (Crooner, от croon – напевать вполголоса, тихо и проникновенно).

И как раз сегодня такая пластинка прилетела ко мне из Великобритании, уже ставшей главным поставщиком музыки для меня в последнее время. Семидюймовка-сорокопятка выпуска 1958 года (если начинаешь думать о судьбе пластинки, которая как-то до тебя жила почти 60 лет, меняя хозяев, дома, наблюдая за сменой поколений – в голове просто целый роман пишется сразу :-D) изданная Fontana Records и напечатанная Philips`ом в Англии вместила в себя 4 композиции замечательного вокалиста Джонни Мэтиса (Johnny Mathis). Как пишет про него Allmusic – «Очень успешный исполнитель баллад, обладающий невероятно выразительным голосом…» и «один из последних в плеяде эстрадных вокалистов романтического склада». Как по мне, так это совершенно точное описание, а сам Джонни Мэтис – лучший вариант для прослушивания в такую погоду.

На пластинке представлены следующие песни: I’ve Grown Accustomed To Her Face (из мюзикла «Моя прекрасная леди», основанном на Пигмалионе Джорджа Бернарда Шоу); Wild Is The Wind (композиция написанная Дмитрием Тёмкиным и Нэдом Вашингтоном была записана Джонни Мэтисом для фильма «Дикий ветер», в 1957 году, была одной из пяти композиций, номинированных на премию «Оскар», Джонни Мэтис исполнил её на торжественной церемонии вручения наград киноакадемии, в марте 1958 года); Teacher, Teacher (песня с крайне противоречивым текстом по нынешним временам: Учитель, учитель/Учи меня с нежностью/Преподай мне урок, который я никогда не забуду); Come To Me (из телесериала Kraft Television Theatre серия «Come to Me» 1957 года).

Думаю, человек, чьи пластинки разошлись тиражом 350 млн штук по всему миру и чей голос волновал души людей на протяжении 50 лет певческой карьеры Джонни Мэтиса и продолжает делать это и сейчас, заслужил место и в вашей фонотеке, пусть и не в виде физического носителя, а только в виде ссылки на mp3 в Сети. Слушайте, наслаждайтесь и до новых встреч.

#musicacoolika vol. 8

Dalida «Pauvre Cœur»

Dalida

Bonjour. Именно «bonjour» говорю я вам сегодня, мои космополитичные, не признающие границ друзья!

Сегодняшний день приятно порадовал меня французским приветом, точнее, благодарностью, которую в посылку с пластинкой вложил некий Patrick O`Reilly из города La Varenne на западе Франции – на маленьком листе бумаге, обычной шариковой ручкой этот товарищ написал простые слова «Alexander, Spasibo!». Казалось бы, такая мелочь, но эта мелочь сделала сегодняшний мой день чуточку более праздничным и добрым.

Как вы уже догадались, раз пластинка из Франции, то, скорее всего, речь сегодня пойдет об исполнителе из этой прекрасной страны романтики и красоты, виноградников и сыра, художников и уличных артистов (политический и прочие ошибки и безумства последних лет, превращающую страну в миграционный лагерь опустим – мы ведь говорим о музыке).

Имя нашего сегодняшнего гостя, точнее гостьи, я узнал, когда мы с супругой неожиданно вышли на площадь ее имени, прогуливаясь по Монмартру и там же увидели бронзовый бюст этой дамы. Итак…. Речь сегодня пойдет об исполнительнице с прекрасным именем Иоланда Кристина Джильотти, она же – Dalida, родившейся в Египте в семье итальянцев и ставшей известной на весь мир, как французская певица (к слову, в самой Франции так же ощущается некий культ Далиды – памятник, площадь ее имени, почтовые марки с ее портретом, телесериал, фильм и т.д.).

Как это часто бывает, у выдающихся деятелей оказывается крайне запутанная и непростая судьба (подробности есть в Википедии), в результате хитросплетений которой, Иоланда после победы на конкурсе «Мисс Египет» для своей будущей актёрской карьеры взяла псевдоним Далила в честь героини библейской притчи «Самсон и Далила» и в 1954 году переехала в Париж (где вскоре буква «л» была заменена на «д») – так в Париже появилась Далида.

Сегодняшняя пластинка – Pauvre Cœur (Ne Laisse Pas Mourir Le Feu) – вышла в свет в 1967 году на лейбле Barclay, с которым Далида подписала контракт еще при записи своей первой песни «Бамбино» (Bambino) в 1956 году. На пластинке представлены следующие композиции: Pauvre Cœur (Ne Laisse Pas Mourir Le Feu), La Chanson De Yohann, Les Grilles De Ma Maison, Les Gens Sont Fous.

Не скажу, что я в безграничном восторге от конкретно этих песен и стал преданным фанатом Далиды, но, что можно точно сказать, сочетание французского шансона, некой народности и приятного голоса делают эти песни крайне интересными и самобытными, а Les Gens Sont Fous вообще теперь играет у меня в голове постоянно.

#musicacoolika vol. 9

Dwight Twilley Band «I’m On Fire»

Dwight Twilley Band

Привет всем, кому не спится и хочется подзарядиться интересной и энергичной музыкой. Среди множества музыкальных течений существует одно, созданное именно для этого и носящее соответствующее название – Power pop – стиль, находящийся где-то между роком и поп-музыкой. Появилось это направление в конце 60-х и стало достаточно популярным как в США, так и в Британии.

Сегодня ко мне в руки попала пластинка-сингл 1975 года «I’m On Fire» довольно ярких представителей жанра пауэр-поп середины 70-х – группы Dwight Twilley Band (причем – самый первый их сингл и самый успешный – 16-е место в чарте США). Сам «бэнд» появился годом ранее путем смены названия коллектива, состоящего из двух парней, познакомившихся в Тулсе (США) в 1967 году на просмотре фильма The Beatles’ A Hard Day’s Night («Вечер трудного дня») и после этого начавших играть свою музыку вместе. Смена названия с Oister на Dwight Twilley Band полностью задвинуло в тень имя второго участника-основателя группы – Фила Сеймура (Phil Seymour), что в последствии сыграло не последнюю роль в развале творческого союза в 1978 году.

Что касается самой пластинки – она достаточно интересна – кроме того, что это первый сингл группы, на диске присутствует наклейка «Sample copy» – то есть «образец». Обычно подобные наклейки присутствуют на промо-копиях пластинок, не предназначенных для продажи, а распространяемых на радио-станциях, вручаемых представителям студий, партнерам и т. д. Так что, возможно, мне удалось послушать одну из первых копий «I’m On Fire», выпущенных еще до начала продаж сингла.

На пластинке два трека – «I’m On Fire» и «Did You See What Happened?» – достаточно, чтобы почувствовать заряд и энергетику, которую несли в массы Dwight Twilley Band, а так же для того, чтобы поймать ритм и начать подпевать.

Музыка эта мне понравилась, чем-то напомнив The Beatles. К прослушиванию однозначно рекомендую, что-то в этих ребятах меня зацепило основательно.

#musicacoolika vol. 10

Георги Минчев «Рокендрол»

Георги Минчев

Поприветствую ка я вас словами Ивана Бездомного из романа Булгакова «Мастер и Маргарита»: «Здорово, други!». И, как говорят тут, в солнечной Болгарии – Добре дошли!

Я решил, что оставлять вас без очередной порции музыкальных экзерсисов, даже несмотря на мой отпуск, крайне невежливо. Поэтому первые несколько дней отдыха я только и делал, что искал хороший магазин с пластинками и сегодня я его нашел – малюсенький закуток с нереальным количеством CD и вполне себе достаточным числом пластинок, по большей части производства «БалканТон».

Для сегодняшнего обзора я выбрал сингл 1980 года «Рокендрол», исполнитель – Георги Минчев из безмерно любимой мной Софии.

Учитывая политическую обстановку в Болгарии во времена СССР, Минчев играл достаточно смелую музыку – рок, рок-н-ролл, блюз-рок, а в переломные времена стал и вовсе «площадным певцом демократичных перемен».

Сегодняшний сингл состоит из двух песен: «Рокендрол» и «Флирт Със Собствена Жена». Обе композиции я вполне себе с удовольствием дослушал до конца – очень приятные, зажигательные «рокендролы». Конечно, для 1980-го в мировом масштабе развития музыкальной культуры – не самые свежие и оригинальные мелодии, но, учитывая, что это спето и выпущено в соцлагере – очень и очень. Да и сам рок-н-ролл – музыка на все времена и не важно, когда она была спета, главное – чтобы спето и сыграно было хорошо.

Так что – не крутим задранными носами, а идем на ютуб и получаем удовольствие от почти понятных русскому человеку текстов и хорошей музыки.

#musicacoolika vol. 11

Moustique «Je suis comme ça»

Moustique

Dobrý večer… сказал бы я вам, если бы жил в Чехословакии в 1965 году. Почему там и тогда? Просто сегодня мне в руки попала крайне любопытная пластинка – настоящий интернационал: исполнитель французский, исполняет рок-н-ролл (музыка вообще с другого континента), пластинка издана в Чехословакии – стране, которой больше нет, в Праге в 1965 году (оригинал был выпущен во Франции в 1963-м), а куплена в Болгарии в 2017 русскоговорящим мной.

Итак, перед нами 7-ми дюймовка исполнителя «Комар» (он же Мишель Грегуар), а по-заграничному Moustique (Michel Grégoire). Мишель Грегуар – французский рок-певец, родился 16 августа 1944 года в Париже. Начал Moustique свою карьеру в 1960-м году, ориентируясь на творчество таких столпов рок-н-ролла, как Little Richard и Gene Vincent (Литтл Ричард и Джин Винсент). Параллельно он много выступал на различных известных площадках Парижа: в Golf-Drouot, в l’Olympia и пр. Сейчас же держит ресторан «Котел колдунов» в 11-ом округе, занимается антиквариатом и иногда выступает на сцене – как мне кажется, чисто французская старость рок-н-рольщика – тонкая, интересная, для души.

Что же касается самих композиций (их на диске четыре штуки: Je suis comme ça (My Way) / Stagger Lee / Anna / Good golly Miss Molly) – они зажигательны, полны рок-н-рольной энергии, а в сочетании с французским языком еще и очень оригинально звучат. Учитывая способности исполнителя и то, кого Moustique взял для себя в качестве примера – не удивительно, что вышло очень качественно и ярко.

В Сети есть не только аудио, но и видео некоторых композиций – рекомендую всем ознакомиться, вам понравится.

#musicacoolika vol. 12

Crosby, Stills, Nash & Young «Love The One You’re With»

Crosby, Stills, Nash & Young

Супернастроения вам, мои музыкальные. Сегодня мы впервые поговорим о так называемых «супергруппах» (англ. supergroup) – музыкальных рок-группах, все участники которых уже стали популярны до своего участия в «супергруппе».

Сегодняшнюю пластинку я в прямом смысле откопал в завалах того самого маленького музыкального магазинчика в Бургасе, о котором писал ранее. Нам с вами очень повезло – ко мне в руки попала не просто пластинка «супергруппы», а сингл 1971 года самой первой из череды «супергрупп» – команды Crosby, Stills, Nash & Young (Квартет Кросби – первоначально – Кросби, Стилз и Нэш, а периодически к ним присоединялся Нил Янг, и тогда группа выступала и записывалась как Crosby, Stills, Nash & Young). Такой союз возник на фундаменте групп The Byrds и The Hollies и благодаря распаду Buffalo Springfield. Дальнейшую сложную и запутанную историю взаимодействия участников коллектива можно долго и с удовольствием читать, как энциклопедию человеческих характеров, амбиций и противоречий (всё очень подробно есть в Википедии). Но, нас интересует исключительно положительные результаты союза этих талантливых музыкантов – их совместно записанные композиции.

Итак, на 7-ми дюймовом диске производства БалканТон мы видим две песни: «Всеки Когото Обичам» и «Учете Децата Си» – милая традиция советских времен переводить названия групп и песен. В оригинале же названия этих песен выглядят так: «Love The One You’re With» и «Teach Your Child».

Если говорить о впечатлениях – конечно, «супергруппой» кого попало не назовут – профессионализм + опыт + талант = качественная музыка. Прослушано с интересом и удовольствием. Чего и вам желаю.

#musicacoolika vol. 13

Frank Alamo «Are You Getting Tired Of Your Little»

Frank Alamo With Jacques Loussier And His Orchestra

Привет-привет. На витиеватые приветствия нет времени – слишком уж хороша пластинка, о которой я хочу вам сегодня рассказать.

Попробовав один раз музыку из серии Rock And Beat Series, выпущенную в 1965 году пражской Supraphon совместно с The Barclay-Disques Paris, остановиться у меня не вышло и я этому безмерно рад, так как следующее мое приобретение из этой серии оказалось просто поразительным и музыка эта точно займет место среди «избранного».

Итак, встречайте – Frank Alamo With Jacques Loussier And His Orchestra ‎с семидюймовым синглом Are You Getting Tired Of Your Little (он же Allo… Mai 38—37?) выпуска 1965 года.

Фрэнк Аламо (он же Jean-François Grandin) прожил яркую, но короткую сценическую жизнь – родился в Париже в 1941-м году, пел в французском детском хоре «Les Petits Chanteurs à la croix de bois» и изучал музыку в Лондоне с 1957 по 1960 год. Настоящая же популярность пришла к Фрэнку после судьбоносной встречи во время катания на лыжах в 1962 году с исполнительным директором звукозаписывающей компании Эдди Барклаем. Барклай записал его и убедил использовать псевдоним Frank Alamo (фамилия – в честь фильма Джона Уэйна «Аламо»). Фрэнк записал в середине 60-х около 30 синглов с перепевками популярных англоязычных песен на французском и с оригинальными песнями. Но, в 1969 году он оставил карьеру певца и стал фотографом, а затем ушел в бизнес автомобильной промышленности – видимо, слава все-таки утомляет.

Что касается композиций на пластинке – их 4 и они на французском, об этом даже упомянуто на обложке и названия даны на двух языках: 1. Allo… Mai 38—37? (Are You Getting Tired Of Your Little Toy?); 2. Jolie Frimousse (Baby Weemus); 3. Non, Ne Dis Pas Adieu (You Can’t Say Goodbye); 4. Oui C’est Vrai. Судя по тому, что только у одной песни отсутствует английский вариант названия – три другие – переведены на французский и только она одна изначально была написана на этом замечательном языке. Так, например, первая песня из списка была спета на английском Lorraine Gray в январе 1964 года, а Baby Weemus – исполнялась в 1963 году April Stevens & Nino Tempo.

Но, самое главное не в этом, а в том, что включив эти песни в исполнении Alamo сразу в них влюбляешься. Голос не поражает и не завораживает, как иногда бывает, но эти интонации, акценты, манера исполнения – просто волшебны. Да и сами песни очень живы и приятны – музыка, ритм (спасибо оркестру Жака Лусье) – сразу хочется проявить все свои танцевальные таланты.

Итак, господа, смотрите и слушайте, вам понравится.

#musicacoolika vol. 14

Herbie Mann «Hold Back (Just A Little)»

Herbie Mann

Добрый вечер, мои истосковавшиеся по хорошей музыке читатели. То, что июнь в Москве – далеко не всегда летний месяц я догадывался давно. Но, вернувшись в столицу с теплого морского побережья и попав сразу под до омерзения холодный «летний» дождик, эти догадки переросли в нечто совсем другое… Развеять такие нехорошие мысли может помочь только легкая, жизнерадостная музыка.

Из последних моих приобретений больше всего на эту роль подходит прибывшая буквально вчера пластинка замечательного джазового флейтиста, композитора и просто талантливого музыканта Херби Манна (Herbie Mann, он же Herbert Jay Solomon). Херби Манн (Мэнн) крайне интересный и оригинальный музыкант – он вошел в историю, как один из первых джазовых музыкантов, сделавших флейту своим основным инструментом. Кроме того, он много эксперементировал с музыкальными жанрами и их сочетаниями.

Мураками в своих «Джазовых портретах» так пишет про Мэнна: «Казалось, чего он только ни перепробовал за это время: от африканских мелодий до японской „гагаку“». Херби Мэнн соединил босса-нову (бразильскую смесь местного фольклора и элементов джаза) с джазовой и блюзовой музыкой и на этой волне стал одним из самых популярных джазовых музыкантов в начале 1960-х годов, позже он сочетал флейту с ритм-энд-блюзом и тоже добился очень хороших результатов.

О его популярности наиболее красноречиво говорит тот факт, что 25 его альбомов попадали в Billboard Top 200 – результат недоступный большинства джазовых музыкантов, а с 1957 по 1970 год в опросах журнала Down Beat Херби Мэнн признавался лучшим флейтистом джаза. Конечно, у такого коммерчески-успешного джаза были и противники – Мэнна обвиняли в том, что он отошел от канонов, перешел в поп-музыку. Так, например, в Нью-Йорк Таймс вышла статья с крайне жестким заголовком «Почему Херби продался или эволюция человека/Мэнна».

Теперь о самой пластинке – я купил именно этот диск Мэнна не просто так. Мне случайно на глаза попался сингл 1967 года Hold Back (Just A Little) / To Sir, With Love изданный в США лейблом Atlantic с черно-белым исполнением наклейки на диске. Что это значит? Это говорит о том, что мне удалось приобрести Promo copy (пластинку, выпущенную для промоушена, рекламы и т.д.). Есть мнение, что такие записи звучат лучше. Т.к. обычной версии этой пластинки у меня нет, то и сравнить я не могу, есть ли различия в записях. Но душу греет.

Как вы уже поняли, на диске две композиции: Hold Back (Just A Little), написанная самим исполнителем и To Sir, With Love (заглавная песня саундтрека одноименного британского фильма 1967 года), созданная D. Black и M. London. Just A Little невероятно зажигательная и, странный эпитет для музыки, но да, она обаятельна и игрива. To Sir, With Love же несколько более величественна, лирична, чуть более размерена и нетороплива, но так же приятна и радует слух своими трелями.

Если вам хочется приятной, переливчатой и звонкой музыки – обязательно послушайте эти композиции – я думаю, они понравятся как любителям джаза, так и тем, кто никогда его особенно не любил и не слушал.

#musicacoolika vol.15

Spike Jones and his City Slickers «Clink, Clink, Another Drink»

Spike Jones and his City Slickers

Хвала Варабайбе, Шапитуку и всем прочим богам мира Хомана – мы снова встретились с вами, мои смешливые и озорные друзья.

Так случилось, что большая часть обсуждаемой и любимой вами музыки – вполне себе серьезные композиции, несущие некий посыл, рассуждающие (в тексте, если это песня, или исключительно в мелодии) о любви, дружбе, смысле жизни, или же о потере этого самого смысла, любви и дружбы и т. д. Это, бесспорно, замечательно – музыка должна будить в человеках чувства, лучше если светлые и необходимые в данную минуту именно вам. Но за всем этим «серьезным» репертуаром, как-то совсем выпали из нашего поля зрения музыканты, работавшие в комедийном жанре. Конечно таких всегда было немного, особенно, если говорить о профессиональных исполнителях, создающих сатирические обработки популярных песен и классической музыки. Думаю, пора это исправить.

Итак, не надорвите животики и хорошенько похлопайте музыканту, руководителю эстрадного оркестра мистеру Spike Jones (Спайку Джонсу) and his (и его) City Slickers (городским пройдохам). Lindley Armstrong Jones (настоящее имя Спайка, 1911 – 1965) был не просто музыкантом, он был музыкальным гением – он делал уморительные сатирические каверы не только популярных песен из хит-парада, но и сбивал излишнюю спесь с напыщенных классических композиций. Он превращал выступления своего коллектива в грандиозное шоу – реквизит занимал целый железнодорожный вагон, а эффекты, созданные без применения какой-либо электроники, заставляли глаза зрителей лезть из орбит все выше и выше на лоб.

Во времена активной деятельности Спайка Джонса считалось, что музыкант не достиг истинного успеха, пока Spike Jones & City Slickers не «уничтожили» его песню. Интересно то, что начинал свою карьеру Spike Jones вполне классически – он был джазовым барабанщиком на радиосессиях, работающим с такими звездами, как Фред Астэр и Бинг Кросби. Но, видимо, этого ему было мало. Даже после добавления к своим барабанам звуков колокольчиков, пистолетов, свистов и сирен ему хотелось большего, у него зрели более сумасшедшие идеи. И вот, в начале 40-х он сформировал City Slickers, а к 1942 году его шестой альбом под названием – «Der Fuehrer’s Face» («Лицо Фюрера») стал национальным хитом, а его шоу достаточно долго имело грандиозный успех на радио и на телевидении.

Что касается самой пластинки – мне впервые в жизни в руки попал 10-ти дюймовый shellac на 78 оборотов (пластинка сделана не из привычного винила, как современные на 33 и 45 оборотов, она намного толще, тяжелее, более хрупкая) выпущенная в феврале 1945 года в Великобритании лейблом His Master’s Voice. Чисто по ощущениям – жаль, что технологии шагнули вперед – держать такой шеллак-диск в руках намного приятнее, да и конверт прямо-таки говорит о своей антикварности, да еще и логотип His Master’s Voice («Голос его хозяина») – собака, слушающая граммофон, способствует созданию атмосферы. На диске две композиции – совершенно уморительная Clink, Clink, Another Drink (обязательно посмотрите видео) и Hotcha Cornia (Black Eyes – да-да, наши родные «очи черные») – крайне забавная переделка, основанная на «Эх, ухнем» и «Очи черные».

Что самое интересное в творчестве Спайка Джонса кроме бросающегося при беглом взгляде комедианства? Он достиг такого умения в своей сложной и тонкой профессии, что как только вы услышали какую-либо мелодию в обработке Джонса, вы уже не сможете воспринимать ее оригинальное звучание и ее первого исполнителя так же серьезно. Я считаю, что в мире взрослых, напыщенных и суровых дядек и тётек это очень классное волшебство – послушайте, посмотрите видео и улыбнитесь.

#musicacoolika vol. 16

The Woody Herman Band ‎ «The Woody Herman Band! Part 3»

The Woody Herman Band

Странное дело – когда на улице дождь, серость, холод и вообще «всё не то и всё не так», я хочу слушать не тоскливый блюз, а именно джаз эпохи биг-бэндов, уйти с головой во времена позднего свинга хотя бы на те 10 минут, пока вращается черный семидюймовый диск. Эллингтон, Гудмен, Миллер – эти ребята делали музыку душой, сердцем, такое нельзя создать только с помощью рук, губ, нот. Конечно, без отточенного мастерства и постоянных репетиций тоже ничего бы не вышло, но про такие скучные вещи просто забываешь, когда играет волшебный кларнет.

Если про трех вышеназванных руководителей биг-бэндов я уже рассказывал, то имя нашего сегодняшнего гостя пока не упоминалось на страницах моих музыкальных странствий. Встречайте – джаз-кларнетист, музыкальный вундеркинд, начавший выступать на сцене театра-водевиль еще в 9 лет, в 11 начавший играть на саксофоне, а в 15 ставший профессиональным музыкантом – мистер Woodrow Charles Thomas Herman, он же «Woody» Herman («Вуди» Герман).

В начале своей карьеры он успел поиграть с множеством биг-бэндов, например с бэндом Тома Геруна (Tom Gerun), Харри Соснайка (Harry Sosnik), Гаса Арнхейма (Gus Arnheim), а с 1934 года перешел в популярный свит-бэнд Ишама (Айшема) Джонса (Isham Jones). Вскоре Герман организовал собственный оркестр и успешно дебютировал с ним в Нью-Йорке. И его оркестр что называется выстрелил, да еще как – пластинка с композицией At The Woodchoppers Ball (написанной Германом в соавторстве с Джо Бишопом (корнет, флюгельгорн)), записанная в 1939, разошлась миллионным тиражом.

Герман постоянно развивался, эксперементировал, видоизменял музыку, которую играл его оркестр и благодаря этому и, конечно же, его таланту и таланту музыкантов оркестра (а их через школу Германа прошло множество, многие стали впоследствии известными музыкантами) – Герман доказал, что время биг-бэндов еще не прошло, что этот формат и эта музыка могут быть свежи, интересны, популярны даже в эпоху модерн-джаза.

Сегодня я хочу рассказать о пластинке, записанной в 1954-м году и вышедшей в 1955-м (сразу после большого европейского турне оркестра 1954 года), под лейблом Capitol Records в Великобритании – «The Woody Herman Band ‎– The Woody Herman Band! Part 3». На пластинке представлены четыре композиции: Would He?; Sleep; Autobahn Blues; By Play. Выделить какую-то одну из них – вот, мол, хит, а остальное просто в нагрузку – я не могу. Эти композиции каждая по себе воспринимаются как отдельная, но очень яркая история. В тоже время, все они вместе превращаются в целый музыкальный роман, который хочется перечитать еще раз сразу же после того, как «дочитал» последние ноты последней главы.

Не знаю, может быть кто-то считает, что эта музыка должна была остаться в «Гленн Айленд Казино» в 1939 году (куда оркестр «Вуди» пришел на смену бэнду Миллера) и освободить место в сердцах поклонников джаза для новых направлений и музыкантов. Но, как по мне – это именно та музыка, слушая которую можно испытать всю гамму положительно заряженных чувств, которые так редко посещают наши отвердевшие в суете двадцать первого столетия души.

Конец ознакомительного фрагмента.

Текст предоставлен ООО «Литрес».

Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию на Литрес.

Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.